Repasamos a continuación lo que nos ha deparado la animación internacional en 2011, con un resumen de los principales momentos y las mejores películas de animación del año.
2011 ha sido un año extrañamente intenso e inusual en todas las esferas, repleto de crisis y cambios cuya influencia se seguirá apreciando durante los próximos años, con las revoluciones sociales y políticas a la cabeza, pero en el que también ha habido crisis atómicas, la crisis del euro o ataques informáticos masivos.
Este repaso no es exhaustivo ni puede ser definitivo pero sirve para recordar algunos de los aspectos más llamativos del año.
ESTADOS UNIDOS NO CUMPLE LAS EXPECTATIVAS EN 2011.
2011 no ha sido un buen año para la animación norteamericana, algo de lo que alertaba Amid Amidi en Cartoon Brew al anunciar que por primera vez desde 2000 el Círculo de Críticos Cinematográficos de Nueva York no incluía ningún largometraje de animación entre los diez mejores del año. De hecho, tan solo Rango, Arthur Christmas, y en menor medida, Winnie the Pooh, Las aventuras de Tintín y El gato con botas parecen haber salvado los muebles, con mayoritarias buenas críticas.
Lo interesante es comprobar como este pinchazo crítico ha acabado afectando también a la recaudación global: si en 2010 cuatro títulos de animación se situaban en entre las diez más taquilleras, con Toy Story 3 copando el ranking internacional, este año tan solo Cars 2 (el primer fracaso crítico de Pixar) alcanzaba la séptima posición con 190 millones de dólares.
Además, ha sido un año de sonoros fracasos, como el de Marte necesita madres, de Robert Zemeckis, que provocó la cancelación de su contrato con Disney, Happy Feet 2 (aunque sea parcialmente australiano) o Hoodwinked 2. Parte de este fracaso se debe en parte a la creciente tendencia de los principales estudios norteamericanos de recurrir a las secuelas para rentabilizar sus personajes en cantera, un fenómeno habitual desde la década de 1990, pero que en este año se ha visto incrementado sensiblemente hasta representar casi la mitad de todos los estrenos (Cars 2, Kung Fu Panda 2, Happy Feet 2, Alvin y las ardillas 3, Hoodwinked 2, Winnie the Pooh), con otra tendencia igualmente alta de adaptaciones televisivas (Los Pitufos, Phineas y Pherb, The Muppets). Aparte quedarían el spin-off de El gato con botas, que no puede considerarse una secuela aunque parte de una franquicia previa y el reestreno de clásicos Disney en formato estereoscópico (este año El rey león; en 2012 se reestrenará La Bella y la Bestia 3D).
Esta situación es grave y teniendo en cuenta el liderazgo internacional de la animación norteamericana, tiene una gran repercusión en toda la industria global: de no corregirse esta sequía creativa, la industria norteamericana puede acabar dilapidando la popularidad de la que goza actualmente la animación en todo el mundo.
LA ESTEREOSCOPÍA SE ESTANCA MOMENTÁNEAMENTE.
Tras la agitación que trajo Avatar y otros títulos en 2009 y 2010, lo cierto es que 2011 ha sido parco en estrenos sonados de animación estereoscópica. Los cines en España han reaccionado de forma inteligente, bajando tarifas pero aun ha sido ha sido un mal año, tal y como reconocía Jeffrey Katzenberg. Tan sólo Las aventuras de Tintín de Spielberg y Hugo Cabret de Scorsese (y este título ya con medio pien en 2012) han recibido alabanzas por su utilización inteligente de la estereoscopía.
Sin embargo, eso no quiere decir que la estereoscopía vaya a desaparecer. Al contrario, la técnica parece colarse en otros soportes y dispositivos como los monitores de televisión, o en los videojuegos (quizás el ámbito donde más crecerá a corto plazo). Algunos de los más importantes avances técnicos del año, recogidos en la conferencia anual SIGGRAPH, apuntan hacia el campo de la estereoscopía, con la posibilidad inminente de poder editar estereoscopía con opciones copy&paste o mediante su integración con vídeo HDR. La estereoscopía tiene un largo camino que recorrer, y por ello es necesario que se la vea lo antes posible no como un elemento de márketing, sino como un nuevo y poderoso elemento dentro del lenguaje audiovisual.
EL DESPEGUE DE LA ANIMACIÓN PARA ADULTOS EN ESPAÑA.
Sin duda alguna, en nuestro país ha sido el año de Chico & Rita, el film de Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando. El largometraje ha ido acumulando premios y homenajes a lo largo del año, y ahora camina con paso seguro hacia los Oscars, un hecho inédito en nuestra cinematografía y al que podría acabar acompañando también Arrugas de Ignacio Ferreras.
Los dos largometrajes tienen en común el no estar dirigidos al público infantil, algo que también comparten otros dos largometrajes en producción como son Pos Eso, de Sam Ortí, y la adaptación al largometraje de Birdboy, de Pedro Rivero y Alberto Vázquez. Otros largometrajes como Vlogger, de Ricard Gras, o la todavía pendiente por estrenar O Apostol, tampoco se dirigen a un público infantil.
MÉXICO Y COLOMBIA, A LA CABEZA DEL CONTINENTE.
2011 ha confirmado la decidida apuesta de los dos países latinoamericanos por la animación. En México la noticia era encontrar entre los diez títulos más taquilleros del país tres películas nacionales de animación: Don Gato y su pandilla (líder de recaudación), La leyenda de la Llorona y El gran milagro, lo que demuestra una capacidad inusual para conectar con su público nacional.
El afamado director taiwanés John Woo, una de las principales influencias de Quentin Tarantino, ha lanzado en colaboración con Liquid Comics y Tiger Hill Entertainment una serie de animación on-line a partir de la novela gráfica 7 Brothers, en la que ya colaboró en 2006. La serie constará de un total de 13 episodios, que se lanzará en nueves series cada dos semanas, está animada digitalmente reutilizando las ilustraciones originales de Jeevan Kang y no se aleja mucho del estilo violento e hiperestilizado tan habitual en su cine de acción. 7 Brothers se centra en el destino de siete personas de diferentes continentes, con unos poderes extraños y misteriosos y que han sido elegidos para salvar al mundo dada una antigua profecía y un antiguo complot de un hechicero chino para dominarlo. En el canal de Machinimaya están disponibles los primeros cuatro capítulos de la serie.
Kandor Graphics, la productora de animación andaluza, ha recibido el Premio del Consejo Social a las Empresas e Instituciones que se distinguen por contratar investigación o actividades de la Universidad de Granada. El premio fue acordado en una sesión del Pleno del Consejo de la Universidad de Granada del pasado 22 de diciembre. Como explicamos hace meses, Kandor Graphics diseñó para la Universidad de Granada un Máster de Animación 3D de Personajes (también conocido como "máster Kandor") que comenzó a impartirse en este curso académico 2011/2012. Además, la empresa es entidad colaboradora del Máster en Gestión de Empresas de I+D+i de la Universidad de Granada y miembro del Consejo de Dirección, y de las Comisiones Empresarial y de Formación del Campus Biotic Granada. También forma parte de los grupos de trabajo de Internacionalización y Formación Avanzada del Cluster Digital y Audiovisual de Andalucía (Cland).
El ilustrador y animador Daniel Fernández Ordóñez "Cassau" nos envía un enlace del último trabajo que ha realizado, una serie de la mano de erres para "contar la historia de cómo Toshiba inventó en los años 80 el sistema inverterde aire acondicionado". ¡Felicidades, Daniel!
La productora de animación murciana Gloom Studio ha participado en la serie Historia del Arte de la Región de Murcia, una colección de cortos-documentales que hace un recorrido por las principales manifestaciones artísticas desde las pinturas rupestres hasta el modernismo en la Región de Murcia, encargada por las consejerías de Economía y Hacienda y de Cultura y Turismo de Murcia.
Los vídeos irán apareciendo a lo largo de las próximas semanas en la web de la región de Murcia.
Aparte de Gloom Studio, en esta serie han participado otras productoras murcianas como Imagia Video, Bravo Studios, Ordet Producciones, Gloom Studio, Sonidovisual, Estudio Future, Producciones Serrano y Luna de Itaca.
4+1 es un cortometraje de animación 2D producido por 12 Pingüinos y dirigido por Alfredo García Revuelta para el Festival 4+1 de la Fundación Mapfre. El corto recoge algunas de las señas de identidad del personal estilo de García Revuelta, con evocaciones al cómic español de los años 80 (algo mucho más evidente en su proyecto de serie Mundo Básico).
Eisner ya mostró interés en crear una serie inspirada en la animación española hace años.
El excelente momento creativo de la animación española, gracias a la visibilidad internacional obtenida durante los últimos años por títulos como Planet 51, Chico y Rita o Pocoyó, ha llevado a Disney a plantearse la creación de una serie que homenajea a los principales creadores de la animación española. La serie, al parecer un cruce entre Rugrats, The Muppets Show y la novela La guerra de los botones y que aun no tiene nombre, se centra en la rivalidad amistosa entre dos grupos de chavales en un colegio encantado.
García Carsí servirá como modelo para uno de los personajes de la serie que planea Disney.
Entre los personajes se barajan diseños inspirados en los creadores españoles Guillermo García Carsí (Pocoyó), Raúl García(El lince perdido), Pablo Llorens(Potens)o Freddy Córdoba (Kotoc), así como los de Enrique Gato(Tadeo Jones), Sam Ortí(Conflictivos) o Carlos Baena (Pixar), al parecer la inspiración inicial para el proyecto. Algo más extraño resulta la presunta inclusión de otros nombres, que podrían acabar sirviendo como modelos de personajes de la banda rival, entre los que figuran Javier Mariscal,Jossie Malis(Bendito Machine), José Luis Farias(3D WIRE), o la más sorprendente de todas, la presentadoraAnne Igartiburu, al parecer, "un personaje perfecto como villano".
Algunos de los diseños planteados por Disney para una serie inspirada en famosos animadores españoles.
Representan una ocasión única para la industria, un punto de convergencia entre la industria audiovisual y la editorial. Las tabletas nos permiten introducir animación en contenidos antaño estáticos.
Al parecer, Katzenberg piensa que el futuro de la industria audiovisual se encuentra en los llamados flipbooks digitales estereoscópicos.
El estudio no piensa descuidar el terreno del largometraje, pero entre sus próximos proyectos figuran una serie de flipbooks digitales, que solo estarán disponibles para iPad y en Estados Unidos.
Durante la rueda de prensa, Katzenberg explicó cómo poder ver un flipbook digital. Para ello, es necesario disponer de dos o más iPads conectados entre sí, y deslizarlos suavemente con el dedo pulgar mientras están apilados. Según los asistentes, el cambio de una pantalla a otra con la tecnología empleada por DreamWorks produce un efecto estereoscópico muy vivo y sofisticado.
Katzenberg ya ha desvelado algunos de los primeros títulos que editará en este nuevo formato, a caballo entre el multimedia y la animación. La primera pieza se llamará Werewolves vs Zombies, a la que seguirán How to Teach a Goblin y Mastermind.
Pero ahí no acaba la cosa. "Tenemos todo listo para lanzar la quinta entrega de Shrek en este formato", ha declarado Katzenberg.
La declaración ha tenido un efecto inmediato en bolsa, con importantes subidas en el parqué tecnológico relacionado con las tabletas digitales.
Tras más de dos décadas sin ninguna pista, la Interpol consiguió atrapar esta semana al responsable de un asesinato cometido el 22 de abril de 1988 en la región inglesa de Hertfordshire. Al parecer, el asesino, llamado Williams Maroon, animador de profesión, había dejado una serie de pistas escondidas en algunos capítulos de Los Simpsons en la que había trabajado, en concreto los capítulos de la cuarta temporada Kamp Krusty, Lisa the Beauty Queen y Brother from the Same Planet. Al parecer, los detalles incorporados por el animador, que no figuraban ni en el guión ni en el storyboard, demostraban que Maroon conocía aspectos del asesinato de Edward R. Valiant que nadie más podía saber.
Fotogramas de Brother from the Same Planet
Fotogramas de Lisa the Beauty Queen
Fotogramas de Kamp Krusty
La Interpol siempre había sospechado de Maroon, pero nunca había sido capaz de probar nada. Sin embargo, la gran cantidad de pistas repartidas por la serie demostraban que Maroon conocía aspectos del caso a los que nadie más podía tener acceso. Valiant murió en extrañas circunstancias, y tan solo quedó parte de su cadáver, que Maroon intentó hacer desaparecer disolviéndolo parcialmente en una solución de ácido. Los responsables de la serie afirman estar sorprendidos y hasta cierto punto consternados por haber servido de tapadera de un crimen. "Trabajamos con Maroon hace años y sus aportaciones fueron siempre muy creativas y de gran utilidad. Jamás hubiéramos podido imaginar que debajo de su carácter dócil y amable se escondieran las pistas de un asesinato."
Hayao Miyazaki ha confirmado que está ultimando la adaptación animada de El Imperio de los Sentidos (Ai No Corrida, 1976), la obra maestra de Nagisa Oshima. La noticia, que causó gran polémica por el giro que representa en la obra de Miyazaki, fue defendida por el autor como una aproximación al universo del hentai, un subgénero normalmente despreciado dentro de la animación japonesa y que el prestigioso director japonés considera de gran interés.
Siempre me han interesado los aspectos relacionados con las implicaciones morales de la sexualidad, creo que es algo de lo que apenas se habla en mi obra. (…) La película de Oshima me impresionó vivamente en mi juventud, es una obra maestra absoluta, y a la vez que muy japonesa, y me interesaba trasladar este vivo universo de pasiones a la animación.
La producción, que aun no tiene nombre definitivo, recogerá algunos de los principales temas de la obra de Miyazaki, como la ecología, la pérdida de la inocencia o la violencia de género.
Rekord es un corto de animación 3D con estética 2D, realizado por el animador norteamericano Sean Thompson.
La historia se basa en el piloto alemán de carreras Bernd Rosemeyer, fallecido en plena carrera en 1938 mientras intentaba rebasar el récord de velocidad en pista. Visualmente la pieza es muy simple aunque interesante, con un extraño giro fantástico en la mitad para representar el accidente mortal.
El pasado 27 de noviembre la asociación StopMotia, en colaboración con el Instituto del Cine de Madrid, realizó la primera convocatoria de Pixilation Day. Aquí podéis ver el vídeo con el resumen y a partir del minuto 2:20, el resultado.
Mientras que en Estados Unidos, Netflix es una realidad que parece estar dándole la razón a todos los que ven en Internet no un enemigo sino un aliado de la industria audiovisual, en España aun no contamos con alternativas legales que respondan frente a la piratería de una manera similar a como ya lo hacen servicios como Spotify en el terreno de la música.
Sin embargo, 2012 será el año en el que, al menos en nuestro país, comiencen a decidirse las cosas en este terreno, gracias a la apertura de Youzee, el videoclub online español más ambicioso hasta el momento, que sobre todo se centrará en el terreno de las series y al que nos podremos abonar en su tarifa plana por un precio de 7 euros al mes, una cifra muy reducida y que seguro que muchos elegirán como alternativa para poder disfrutar al instante y con calidad de todo tipo de contenidos audiovisuales. Youzee cuenta con acuerdos con Sony Pictures Television, Disney, Fox International Channels España, Filmax, Vértice, TVE, TV3, BBC o Zinkia, entre otras empresas, y afirma que seguirán ampliando su catálogo una vez que abran el servicio.
De momento, Netflix parece no querer desembarcar en España, aunque esta decisión puede modificarse en cualquier momento. Las que sí operan ya en nuestro país, aunque de una forma bastante discreta por el momento son Voddler, Wuaki, Filmin, Filmotech y Cineclick.
La empresa bilbaína Delirium Studios acaba de lanzar para iPhone y iPad el videojuego Kinito Ninja. Aunque el juego se encuentra disponible para su descarga en cualquier parte del planeta, Delirium Studios ha firmado un acuerdo con la empresa surcoreana Incross, que se encargará de la distribución y promoción del videojuego en el país asiático.
"Corea y Japón son dos de los mercados más interesantes para nosotros", ha destacado el productor de videojuegos bilbaíno Asier Quesadapara el diario El Mundo.
Poner en el mercado un juego como 'Kinito Ninja' es relativamente sencillo, gracias a las facilidades que ofrecen las tiendas de aplicaciones online. Sin embargo la dificultad radica en conseguir visibilidad, ya que se publican cada día una ingente cantidad de aplicaciones. Contar con un distribuidor como 'Incross' supone para nosotros centrarnos en lo que realmente sabemos hacer que son los propios juegos.
Kinito Ninja de Delirium Studios fue elegido como título favorito del público en el último Festival Internacional de videojuegos hóPLAY celebrado el pasado mes de septiembre en la capital vizcaína.
El Gobierno de la Autoridad Nacional Palestina (ANP) ha difundido un vídeo de animación de motivo navideño realizado por la animadora palestina Sandra Anwar, que se titula Palestina celebra la esperanza (Palestine Celebrating Hope). No es la primera vez que este conflicto político-militar utiliza la animación para transmitir un mensaje, de hecho, la animación es un recurso muy frecuente en ambas partes del conflicto.
El vídeo muestra a una niña palestina por Navidad rodeada por el muro de separación israelí, una torreta militar y la destrucción de olivos, principal sustento para muchas familias de Belén, junto a la proliferación de asentamientos judíos.
Pese a la adversidad, la niña recibe regalos y pinta un árbol de navidad en uno de los bloques del muro, donde posteriormente dibuja una puerta que logra abrir y ante sus ojos vislumbra Jerusalén, con la cúpula dorada del Noble Santuario y la mezquita de Al Aksa a lo lejos.
Varias reflexiones se pueden hacer a partir de este vídeo: ¿por qué un conflicto tan crudo y enquistado como el palestino-israelí recurre con tanta frecuencia a las técnicas de animación para difundir su versión del problema? ¿Qué atractivo tienen las técnicas de animación para la política? Y por otro lado, si el problema territorial se resuelve y la región se desarrolla sin problemas, ¿podría convertirse Palestina en una de las regiones productoras de animación más activas de los países árabes?
La 13ª edición del festival Actual de La Rioja convoca el XII Certamen de Cortometrajes del Centro Cultural de Ibercaja. Los cortometrajes participantes solo podrán ser de animación, de una duración inferior a los 15 minutos de duración y el ganador recibirá un único premio de 800 euros.
El premio es un homenaje a Francis Cillero, el crítico riojano de gran participación en los inicios del festival Actual.
El concurso es de carácter internacional, el tema libre y los concursantes deberán enviar sus trabajos por duplicado en discos DVD.
La recepción de trabajos finaliza el 31 de diciembre de 2011. Más información en la web de Ibercaja o descargando este PDF.
El film confirma la vuelta al largometraje de animación por parte deFilmax Galicia, que había venido estrenando ininterrumpidamente al menos un título al año desde 2002 hasta 2009. A pesar de la incertidumbre que se creó tras el anuncio de suspensión de pagos por parte de la productora, Filmax está preparando dos nuevos largometrajes de animación, Aventura en el Camino, una historia ambientada en el Camino de Santiago, y We Are The Champions!, un largometraje sobre fútbol que vuelve a mezclar imagen real con animación.
Según informa Cine&Tele Online, el estudio de animación Silverspace abrirá una oficina en San Francisco el próximo mes de marzo en el Spain Tech Center, con el objetivo de buscar financiación para nuevos proyectos y de introducirse además en el sector de los videojuegos.
La compañía alavesa Silverspace fue fundada en 2004 por Enrique García y Rubén Salazar en Álava. El estudio está a punto de terminar el largometraje Hiroku y los defensores de Gaia, coproducido con OEK.
El Spain Tech Center es un centro tecnológico concebido por el Ministerio de Industria de España y ubicado en San Francisco. El centro está concebido para acelerar los negocios de compañías españolas con miras internacionales.
El blog español Puppets & Clay, una de las mejores y más potentes fuentes de información sobre todo lo que ocurre en el universo del stop motion español e internacional, anunciaba esta mañana que ya no publicarían más post, y que por tanto, entra en una fase de parón indefinido. La razón se debe a que el incombustible Adrián Encinas, su creador, desea dedicarse más activamente a otros proyectos, entre ellos la gestión de StopMotia, la primera asociación de animadores stop motion de España, de la que es cofundador. Desde aquí le deseamos mucha suerte en esta nueva etapa a Adrián Encinas, seguro que seguiremos oyendo noticias suyas desde StopMotia.
Hoy se reestrena El Rey León, el mítico largometraje de Disney de 1994, dirigido por Rob Minkoff y Roger Allers. La excusa para recuperar esta exitosa película es su adaptación al formato estereoscópico.
Este título supuso el punto álgido de la recuperación artística y comercial de Disney en la década de 1990. A partir de entonces, las cosas nunca serían como habían sido: la fuerte competencia que originó El rey león y la aparición de la animación 3D, llevaron a la compañía a una fuerte crisis y a perder su posición hegemónica en el terreno del largometraje.
La suerte parece sonreir a Simba y al resto de los personajes: en su reestreno el 16 de septiembre en Estados Unidos, la película se ha situado en el puesto número uno durante las dos primeras semanas, convirtiéndola en la tercera película animada con mayor recaudación de la historia en Estados Unidos. En total ha recaudado más de 100 millones en la taquilla internacional y es además el primer reestreno que se sitúa en el puesto número 1 en 14 años.
Algunas curiosidades sobre la película original, aportadas por la distribuidora española:
El título original de la película no era “El Rey León” si no “El Rey de la Selva”. Decidieron cambiarlo porque en la historia no había ninguna selva, todo se desarrollaba en la sabana.
Al principio, Zazú era otra especie de ave más pequeña. Tras visitar África para documentarse, los creadores de la película decidieron que la forma curva del pico de los cálaos daba mayor arrogancia al personaje y lo cambiaron.
Tardaron 9 meses en convertir la película a formato 3D.
El equipo creativo llevó leones de verdad al estudio para captar todos sus movimientos, como hiciera años atrás el mismísimo Walt Disney para crear “Bambi”
Rafiki era un personaje muy diferente en las primeras versiones de la historia. Lejos de ser el monje ermitaño chiflado que conocemos, era un consejero muy serio del rey y un hombre muy sabio
Nathan Lane y Ernie Sabella, voces de los míticos Timón y Pumba, acudieron a hacer el casting de las hienas y no lo pasaron
La canción Hakuna Matata no estaba en el guión original, en su lugar estaba He’s Got It All Worked Out, una canción que hablaba sobre comer bichos. A Rob Minkoff, codirector de la película, no le convencía ya que no transmitia diversión ni era pegadiza. El equipo de investigación, al volver de su viaje a África trajo consigo la palabra Hakuna Matata y entonces surgió la idea, Tim Rice dijo: “‘Hummm… Hakuna Matata se parece un poco a Bibbidi-bobbidi-boo’. ¡Había nacido una canción!
La forma de rascarse la tripa que tiene Pumba está inspirada en la mujer de un animador, que estaba enbarazada cuando estaban creando la película. Tony Bancroft, animador de la película dice: “Animé esa escena en la que se rasca suavemente la tripa como hace una embarazada porque era un gesto muy natural. Le hace más humano y más creíble”.
Con en esta entrevista con Ignacio Ferreras (Comodoro Rivadavia, Argentina, 1972),nos adentramos en la personalidad del director de "Arrugas", uno de los más prometedores cineastas de animación en español. Con él hablamos de su experiencia personal como director de animación, mientras conversamos de cine, animación japonesa, y otras pasiones y fobias.
1. ¿De dónde proviene tu interés por la animación?
De pequeño siempre dibujaba y leía cómics, sobre todo franceses/belgas: Spirou, Los Pitufos, Tintín, Asterix... Luego empezó a interesarme el cine de acción real y al mismo tiempo descubrí el manga de la mano de Akira, y durante un tiempo mi interés se centró en el cine de acción real y el cómic. La animación siempre me había gustado mucho pero para mí era algo completamente fuera de mi mundo, algo que se hacía de forma misteriosa en "el extranjero". Cuando tenía 19 o 20 años me fui a Australia por un año con la idea de estudiar cine pero en vez de eso trabajé allí como ilustrador freelance y cuando volví a España sin tener una idea muy clara de que hacer, un amigo me pasó un anuncio de una escuela de animación que se abría en Madrid en esos momentos. La experiencia en esa escuela fue más bien catastrófica, pero me despertó el interés y acabé estudiando un curso de animación en Inglaterra. A partir de entonces he estado trabajando más o menos dentro del mundo de la animación, ya sea haciendo storyboards, animando, dirigiendo o dando clases.
2. ¿Cuáles son tus principales influencias?
Dentro de la animación sobre todo el cine de animación japoné, especialmente las películas de Studio Ghibli de Hayao Miyazaki, Isao Takahata y Yoshifumi Kondo. También me han influenciado mucho las películas de Satoshi Kon, Masaaki Yuasa y Mamoru Hosoda. Fuera del anime me gusta mucho el trabajo de Sylvain Chomet y los cortos de Chuck Jones. No soy un gran fan de las películas de Disney, con las excepción de Dumbo, que si me parece una película extraordinaria.
En general suelo ver mas películas de acción real que de animación y sobre todo "clásicos" de Kurosawa, Ozu, Kubrick, William Wyler, Chaplin, etc. Del cine actual diría que los dos directores que mas me interesan en estos momentos son Zhang Yimou y Hirokazu Koreeda.
Otra influencia muy importante para mí es el cómic y sobre todo el manga japonés. Si tuviese que elegir uno de entre los muchísimos autores que me han influenciado creo que me quedaría con Naoki Urasawa.
3. How to Cope with Death es un corto muy sencillo pero al mismo tiempo tremendamente ambicioso, que demuestra tu capacidad para poner en pie una puesta en escena con un gran sentido cinematográfico. En este caso, resulta curioso compararlo con otro cortometraje nacional posterior también de gran éxito como es La dama y la muerte, del que parece casi la inversión temática a partir del mismo tema. ¿En qué condiciones realizaste este cortometraje y qué aspectos te interesaban más del mismo? How to Cope with Death lo realicé en Londres como parte de un programa que por aquel entonces tenia Channel 4 del Reino Unido. Gracias a esto conté con un presupuesto de animación comercial y la producción de un estudio profesional. A pesar de esto el estilo era tan complicado y trabajoso que el presupuesto se acabó y tuve muchos problemas con la productora. De hecho tuve que simplificar la historia que en un principio tenía tres personajes: la anciana, la muerte y una mosca. Ya había animado todo el corto con los tres personajes pero al empezar a pasar la animación en limpio vi que me estaba eternizando con la mosca, que tenía un diseño muy complejo con muchos pelos y detalles, y al final decidí cambiar un poco la historia y quitar la mosca. Fue una lección de humildad... desde entonces soy un gran fan de los diseños sencillos y la animación limitada.
4. A pesar de que el largometraje comercial parece apostar cada vez más fuerte por la animación digital 3D, tanto en How to Cope with Death como en Arrugas has trabajado con animación dibujada. ¿Se trata de una cuestión estética, de gusto, o simplemente casualidad? ¿Qué opinión te merecen las otras técnicas de animación y qué crees que puede aportar hoy en día la técnica del 2D?
Un poco casualidad y un poco gusto. Como animador solo hago 2D, y en general no me llevo muy bien con los ordenadores así que no creo que me fuese fácil dar el salto al 3D. Como director sin embargo el 3D tiene muchas posibilidades interesantes y es algo que me atrae mucho. Personalmente creo que en 3D aun queda mucho terreno por explorar, es un medio que está siendo un poco la víctima de su propio éxito comercial y corre el riesgo de quedarse atascado en ciertas fórmulas narrativas.
Aunque como digo me interesa el 3D creo que el 2D tiene grandes ventajas respecto al 3D, y ciertamente todas mi peliculas favoritas son 2D, no 3D. La verdad es que son dos medios distintos y ofrecen distintas ventajas y desventajas; la idea de que el 3D ha "superado" al 2D es absurda. Las películas de Mizayaki o Takahata, o películas como Les Triplettes de Bellville de Sylvain Chomet, Mindgame de Masaaki Yuasa o Summer Wars de Mamoru Hosoda son imposibles de imaginar en 3D.
Paradójicamente creo que el 2D es mucho mas realista que el 3D, se acerca mucho más al cine de acción real y permite contar historias mucho más dramáticas que el 3D. Tiene una gama expresiva mucho más amplia que el 3D y el espectador "colabora" con el 2D de una forma que no ocurre con el 3D, pone más de su parte y rellena, por así decir, los espacios vacíos. En 3D hace falta dárselo todo hecho al espectador, no hay tanta cabida para la estilización, tanto de las imágenes como de la animación.
Desgraciadamente en América y Europa se está cayendo en un círculo vicioso en el que cada vez se hace menos 2D, en parte por una percepción equivocada de que el publico solo responde al 3D, y en parte porque cada vez hay menos gente capacitada para hacerlo y montar una producción en 2D es cada vez más difícil. La buena animación en 2D requiere estudios con plantilla muy estable donde los animadores puedan desarrollar un estilo común a lo largo de los años, mientras que las producciones de 3D se adaptan mejor a la movilidad de los estudios de hoy en día, por desgracia.
Pero a nivel global, en países como Japón o Korea donde sí existe una continuidad de trabajo con la que mantener estudios estables, la animación en 2D goza de excelente salud.
Cada técnica de animación tiene algo distinto que ofrecer, ya sea 2D, 3D, o puppet animation; cada una aporta cosas distintas y te ofrece distintas herramientas con las que trabajar.
La única técnica de animación que no acaba de convencerme es el motion-capture que últimamente parece estar poniéndose de moda. Sin entrar en el debate de si se la puede realmente llamar animación o no, es una técnica queme parece produce resultados muy fríos, movimientos muy torpes. La verdad es que aun no he visto Tintín pero lo que he visto en el trailer me parece horripilante; es como una película interpretada por zombis.
Para mí la técnica ideal es algo como Tekkonkinkreet de Michael Arias que combina lo mejor del 2D en cuanto a grafismo y animación con la cámara y posibilidades espaciales del 3D.
5. Tras la experiencia del cortometraje, pasas a dirigir un largometraje. ¿Cuáles han sido las principales diferencias entre trabajar con un formato y otro?
Quizá para mí la diferencia más notable ha sido el tener que dirigir el trabajo de otra gente. En los cortos trabajas tú solo o con un grupo muy restringido pero en un largometraje estás trabajando con mucha gente y a menudo tratas con ellos a través de intermediarios, así que el nivel de control que tienes, sobre todo cuando el presupuesto es limitado como en Arrugas, es mucho menor que en un corto. También obviamente la proporción de trabajo que puedes hacer tú personalmente es mucho más limitada. En el caso de Arrugas elegí concentrarme en realizar el storyboard y la animatica, lo que supuso estar menos involucrado en la animación o el layout, algo que en un principio "sufrí" bastante; uno quisiera estar en todo, pero al final no es posible.
Por otro lado, desde un punto de vista creativo creo que son experiencias más similares de lo que pueda parecer en un principio en el sentido de que para mí cada secuencia de un largometraje es un poco como un cortometraje. Casi podría decirse que un largometraje es una sucesión de 45 o 50 cortometrajes interconectados. Creo que si cada secuencia por separado tiene una buena estructura, es decir, si es un buen "corto" y si la conexión de secuencia a secuencia es buena, la estructura general de la película sale prácticamente "sola" siempre y cuando uno evite repetirse y tenga una idea clara de adonde debe ir la historia.
6. Arrugas es uno de los largometrajes de animación españoles más esperados de los últimos años, un proyecto con una aureola de prestigio desde la publicación del cómic de Paco Roca. ¿Qué dificultades ha planteado su adaptación cinematográfica? ¿Hasta qué punto la fidelidad al texto y a la estética de la obra original ha condicionado/favorecido al largometraje?
Una adaptación es una adaptación, y creo que no tiene sentido alejarse de la obra original más que lo justo para que funcione bien en otro medio. La intención fue siempre mantenerse tan cercano al cómic como fuera posible, tanto en la estética como en la historia. Obviamente hay diferencias y también había el riesgo de hacer una adaptación demasiado literal que no sacase partido a los elementos que el medio cinematográfico puede aportar a la historia. Por suerte la gran ventaja de la animación es poder trabajar con el storyboard y la animatica y tener la libertad de probar muchas opciones distintas hasta encontrar lo que funciona bien en pantalla, que no siempre es igual que lo que funciona en viñetas. Creo que lo mejor es partir con la intención de contar exactamente la misma historia del cómic pero una vez has empezado a trabajar en la animática, olvídate del cómic y concéntrate en lo que estás viendo en pantalla.
7. ¿Qué crees que es lo más interesante y qué lo peor que está ocurriendo al panorama internacional de la animación en estos últimos años?
Lo más interesante quizá sea el abaratamiento relativo de la tecnología necesaria para producir animación, lo que esta haciendo posible que se produzcan películas que hasta hace poco hubiesen sido impensables, como la propia Arrugas. Lo peor... las películas hechas con motion-capture. El motion-capture es una herramienta útil dentro de una película 3D, lo mismo que el rotoscopiado es una herramienta útil dentro de una película 2D, pero yo no creo que pueda llevar el peso de una película; es la versión "fast food" de la animación.
8. Y en España, ¿cómo ves el panorama actual de la animación? ¿Ves indicios para ser optimista?
La verdad es que conozco poco el panorama de la animación en España porque hasta Arrugas siempre había trabajado en el extranjero. Mi opinión personal es que la salud de la industria de la animación en un país depende sobre todo de hacer buenas películas dirigidas a su propio mercado interno, y que para que una película de animación española sea buena no puede imitar una película de animación americana, o japonesa, sino que tiene que encontrar su propia voz. Miyazaki hace películas muy japonesas, Chomet películas muy francesas, Nick Park películas muy inglesas y los alemanes películas como Werner que son, afortunadamente, completamente desconocidas fuera de Alemania pero que tienen gran éxito allí. Aunque pueda ser económicamente rentable hacer en España películas como Planet 51 que están dirigidas al mercado norteamericano, desde un punto de vista creativo creo que es un callejón sin salida y a la larga no funciona. Es ingenuo pensar que como las películas americanas se venden en todo el mundo, si queremos vender en todo el mundo tenemos que hacer películas "a lo americano". No creo que el futuro de la animación en España esté en falsificar películas americanas.
Es posible que hasta hace poco el mercado español no fuera lo bastante grande y los costos de un largo de animación demasiado elevados como para hacer rentable una película de animación dirigida principalmente al mercado interno, pero a medida que los costos se abaratan creo que veremos más películas de animación españolas auténticamente españolas que obtengan éxito en el mercado nacional y contribuyan a crear una industria más estable. Paradójicamente creo que una buena película de animación española que haya sido concebida para el mercado español tendrá muchas mas posibilidades de tener éxito fuera de España que una película pensada para la exportación. A otros países les interesa ver algo que ellos no tienen, no una imitación pobre de algo que ellos hacen mejor.
¿Se puede ser optimista? Bueno, mientras hay vida hay esperanza...
9. ¿Qué consejos le darías a otros animadores a los que les gustaría poder seguir tus pasos?
Les aconsejaría que se busquen un trabajo de verdad con jubilación y vacaciones pagadas antes de que sea demasiado tarde... es lo que estoy intentando hacer yo. Pero si esto no (nos) funciona, diría que el trabajo de director es sobre todo trabajo de storyboard y a la hora de hacer storyboards los grandes maestros en el mundo de la animación son los japoneses. Como consejo concreto les recomendaría que estudiasen los storyboards de Miyazaki, que en Japón están publicados en forma de libros y que creo se pueden obtener a través de internet (quizá buscando por "E-konte" que es la palabra que usan en Japón para referirse a los storyboards).
Ignacio Ferreras, aparte de ser el director "Arrugas", el largometraje de animación producido por Perro Verde Films (cuyo estreno está previsto para el 27 de enero de 2012), es también un animador de gran experiencia internacional. Destaca su trabajo en el largometraje de Sylvain Chomet "The Illusionist", (2010), el segmento "1000c SMS Finals", que dirige y anima para "Tokyo Onlypic 2008" (2008) y su trabajo de storyboard en el largometraje "Asterix and the Vikings" producido por A Film (2004). En 2002 completa su premiado corto "How to Cope with Death", como creador, animador y director, encargado por Channel 4 y ganador del premio “Jean-Luc Xiberras” al mejor primer cortometraje en Annecy 2003, además de otros 22 premios internacionales. Desde el 2005 compagina su labor profesional con la docencia, dando clases y conferencias en el prestigioso Animation Workshop (Dinamarca), la National Film School of Denmark, y en el Volda University College (Noruega).
Creative Focus, la sección de nuevos talentos del festival de animación Annecy, ya ha abierto su convocatoria para 2012, que se celebrará del 4 al 9 de junio. Esta edición admite proyectos en las categorías de largometraje, cortometraje, series y especiales de televisión y formatos cross-media.
En el caso de los proyectos de cortometraje, estos tienen que estar en una fase realmente muy embrionaria, ya no se admitirán proyectos que ya se encuentren en fase de producción, o que cuenten con algún tipo de ayuda o financiación pública o privada ya aprobada.
En los largometrajes, este requisito no está indicado, aunque sí se especifica que solo se puede presentar un proyecto por autor y productor, aunque os recomendamos echarle un vistazo al reglamento específico en cada caso, especialmente a series y especiales de televisión y formatos cross-media.
Todos la documentación tiene que enviarse antes del 15 de febrero de 2012 a CITIA y los proyectos seleccionados a finales de abril serán presentados a productores, broadcasters, distribuidores y otros compradores entre el 4 y el 8 de junio.
La edición 2011 de Creative Focus recibió un total de 182 proyectos de todo el mundo, de los que se seleccionaron 28 de ellos y se premiaron finalmente 10, actualmente en producción. Más información en la web de Creative Focus
El trailer oficial es muy diferente del primer teaser que Baleuko presentó allá por 2010, en especial, la oveja protagonista parece haber sufrido un rediseño completo de imagen.
Hoy se celebran varias efemerides especiales para el mundo de la animación. La primera, y más luctuosa, los cinco años sin Joseph Barbera, una de las personalidades claves de la animación del siglo XX. El 18 de diciembre de 2006 desaparecía el mítico cofundador junto a William Hanna del estudio de animación más influyente en Estados Unidos de la segunda mitad del siglo pasado, Hanna-Barbera.
Barbera se inició en el mundo de la animación en 1932 en los estudios Van Beuren. En 1937 entra en el departamento de animación de Metro-Goldwyn-Mayer, donde conoce a William Hanna. Juntos crean y animan los personajes de Tom y Jerry, que les lleva a ganar hasta siete veces el Oscar al mejor cortometraje de animación. En 1957, y tras la disolución del departamento de animación de MGM, los dos socios se dan cuenta que el negocio está en la televisión y crean Hanna-Barbera. Bill Hanna describe a Joseph Barbera en su biografía A Cast of Friends, como
una personalidad opuesta a la mía, (…) [Joe era] un espabilado neoyorquino de desenvuelta y elegante rimbonbancia. (…) Joe sentía una gran afinidad por los encuentros sociales de Hollywood desde sus primeros años de nuestra asociación profesional. Las fiestas glamurosas y los parpadeantes eventos del show business siempre fueron un ambiente ideal para Joe, y su estilo para manejarse en estos círculos le ganaron numerosos amigos con personas importantes de la industria del cine y la televisión. (…) Joe Barbera y yo raramente nos veíamos fuera del trabajo.
Por otro lado, hoy también cumple años Steven Spielberg y Leonard Maltin (Brad Pitt y Alejandro Sanz no tienen nada que ver con la animación, pero también cumplen años).
Spielberg, que cumple hoy 65 años, es uno de los directores norteamericanos más influyentes de la industria cinematográfica de las últimas décadas, sobre todo para el desarrollo de efectos especiales, con títulos esenciales para el desarrollo tecnológico de la animación como Parque Jurásico, Inteligencia Artificial o Tintín y el secreto del unicornio y en Pero ¿quién engañó a Roger Rabbit?, El pequeño Sherlock Holmes, Casper o las tres entregas de Transformers como productor. Spielberg es uno de los cofundadores de DreamWorks, aunque esto no ha impedido que su vinculación con Disney/Pixar sea cada vez más estrecha, como demuestra el estreno el 25 de diciembre de este año de Caballo de batalla (War Horse, 2011), una película que será distribuida por Touchstone.
Leonard Maltin es uno de los principales historiadores de la animación norteamericana y uno de sus mayores difusores. Maltin ha publicado varios libros de animación, entre ellos el excelente Of Mice and Magic: A History of American Animated Cartoons (1980), aunque es mucho más conocido entre el gran público por su guía de películas anual (Leonald Maltin's Movie Guide), similar a la Guía de vídeo cine del crítico español de Carlos Aguilar. En el vídeo puede verse su estilo comunicativo, muy erudito, pero también apasionado y divulgativo.
Júzcar, el primer pueblo Pitufo del mundo por decisión de Sony Pictures, podría dejar de serlo pronto si en el sondeo popular de hoy sus vecinos deciden recuperar el blanco encalado de sus casas, una vez transcurridos los seis meses estipulados por el contrato de promoción del film.
El alcalde del pueblo, David Fernández Tirado, afirma que "es mucho el beneficio que se ha generado por estar en azul: aumento de la economía local, ilusión, alegría, empleo y expectativas empresariales son los beneficios que se han generado en el pueblo desde que están sus fachadas en azul, además de su popularidad al ser conocido en todo el mundo".
Es cierto que si no fuera por este hecho, difícilmente estaríamos hablando hoy de este pueblo andaluz, pero nos preguntamos si no hay formas más estéticas de relanzar la economía de una región.
Seguiremos pitufando todo lo que pase.
Las opciones para ver animación se han multiplicado exponencialmente desde la aparición de Internet. La red constituye el principal medio para ver cortometrajes de animación, un formato cuyo visionado hasta hace tan solo una década estaba restringido a festivales cinematográficos, algunos pocos programas de televisión y a la edición escasa en VHS y DVD.
Hoy en día todo esto ha cambiado y ya es posible ver cortometrajes de animación gracias a plataformas como YouTube, Vimeo y otros. Redux es una nueva e interesante opción que viene a sumarse a los anteriores, con un planteamiento más cercano al de la televisión que al de las otras plataformas. Al entrar en la web, podemos escoger el canal de animación entre otros de diferentes temáticas. De forma aleatoria la web escoge un corto que comienza a reproducirse. También es posible buscar por tags, pero quizás la primera opción es mucho más interesante, ya que permite descubrir pequeñas joyas casi por casualidad. Podéis informaros de otras novedades a través de su blog.
Hoy llega a las pantallas españolas la tercera parte de Alvin y las ardillas (Alvin and the Chipmunks: Chipwrecked). El film, dirigido por Mike Mitchell, director también de Shrek, felices para siempre, y producido por Fox 2000 Pictures, además de Bagdasarian Productions,Regency Enterprises y TCF Vancouver Productions, aunque la animación y creación de efectos especiales corre a cargo del conocido estudio Rhythm & Hues.
La primera versión en 3D los cantarines personajes de voz de helio fue en 2007, con una reactualización brutal de los diseños de la serie de televisión, que originalmente fue concebido como un grupo musical virtual en 1958, lo que los convierte en antecesores de otras bandas virtuales como The Archies y Gorillaz.
De hecho, Alvin y las ardillas surgió primero como banda pop para niños en 1958 y en 1961 nació la conocida serie.
Como curiosidad, en la animación han participado el colombiano Luis Carlos Uribe, además de Freddy Burgos y Abraham Aguilar.
Ya sé que faltan muchos días para la Navidad pero me parecía un delito no postear la felicitación navideña del estudio de Tom Drew, uno de los virales más divertidos que he visto en varias semanas. En particular, esta parte.
No la he visto. A mí esto de la animación en 3D me parece como tramposo. No le veo el sentido a intentar hacer una animación que parezca real. Me parece un quiero y no puedo. La animación tiene que ser cómica, disparatada, loca.
Tiene sentido la pregunta sobre Tintín, sobre todo teniendo en cuenta que Max es uno de los principales defensores de la llamada "línea clara" en el cómic español.
Más adelante, el autor catalán añade:
Muchos [de mis personajes] se podrían convertir en dibujos animados. En actores de carne y hueso, ya no lo tengo tan claro. A mediados de los 80 tuve un par de ofertas para pasar "Peter Pank" al cine: una con personajes reales y la otra con marionetas. Ninguna cuajó, aunque llegó a haber guiones. Yo me lo miraba todo desde la barrera, simplemente dejaba hacer.
Max es uno de los autores de cómics de mayor prestigio en España, responsable de Peter Pank (1984), La biblioteca de Turpin (uno de mis cómics españoles favoritos, creado en 1990 para El Pequeño País) o Bardín el superrealista (con la que ganó el Premio Nacional del Cómic en 2007).
La idea de que alguien llegara a adaptar alguno de sus cómics a la animación es algo que estoy seguro que haría las delicias de mucha gente (yo incluido).
Ánima Estudios, responsables de los dos principales éxitos de animación mexicanos de 2011, han unido esfuerzos con el Festival Internacional de Cortometrajes de Animación de Querétaro CutOut Fest para producir el cortometraje de animación titulada El Columpio en el cerezo, de Leopoldo Aguilar Guerrero.
La asociación entre el estudio y el festival surgió tras una convocatoria de CutOut Fest para recibir propuestas de cortometrajes. Otras propuestas finalistas fueron Dr. Wens, de Juan Carlos Reyes, y Tierra seca, de Ricardo Torres.
Desconocemos más datos sobre el proyecto de cortometraje ganador y sobre cómo y cuándo se realizará pero esperamos poder continuar informando pronto.
Joseph Wallace es un animador residente en Bristol, con intereses en la ilustración, la animación, la moda y el teatro y una obra que comienza a abrirse paso por su variedad e interés. Algunos de sus clientes son la BBC, Bristol Old Vic y Real Design and Media. Es uno de los artistas asociados con compañías teatrales inglesas como Twisted Theatre, Fairground, Bristol Old Vic, Young Company y el Wardrobe Theatre.
Uno de los aspectos más curiosos de Joseph Wallace es que muchos de sus trabajos suelen contener elementos que parecen surgidos directamente de la estética (y la ética) victoriana. Por ejemplo, Showdown at Yohoko Valley (2007), un trabajo que recuerda al excepcional Panique au Village de los belgas Stéphane Aubier y Vincent Patar, contiene una formidable pelea entre soldados europeos y población autóctona, casi como una relectura surrealista del colonialismo británico. La pieza fue seleccionada para los festivales DepicT y Encounters International en 2007.
El extraño gato-mono de Curioser and Curioser (2007) acaba capturado en una especie de iglesia rústica. Imposible no evocar la obsesión por las especies exóticas importadas de África, América y Asia que sacudió la Europa en el siglo XIX y que está en la base del desarrollo de la biología y las teorías evolucionistas de Charles Darwin.
No es casualidad que Wallace participará realizando las animaciones para el documental The Life and Death of Isambard Kingdom Brunel (2009), uno de los ingenieros más prototípicos de la era de la revolución industrial. La animación recuerda en algunos momentos a los gags de Terry Gilliam con The Monty Phyton.
Stopping by Woods on a Snowy Evening (2009) se basa en un poema del mismo título del americano Robert Frost, el Antonio Machado de los norteamericanos. El cortometraje realizado en la Newport Film School.
La luminosa We Weren't The First Ones Here (2010) explora el paso de diferentes generaciones en una casa, pero sin los traumas domésticos ni los fantasmas torturados de la doble moral británica que pueblan la novela gótica de finales del siglo XIX. Digamos que el cortometraje sería como un regreso a los temas de novelas como Otra vuelta de tuerca (1898, Henry James), o el largometraje Rebeca (1940, Alfred Hitchcock), pero desde una perspectiva contemporánea, sin dolor ni frustración.
El largometraje de animación mexicano El secreto del medallón de jade, que aun se encuentra en producción por parte de Kaxan Media Group, desearía poder inaugurar la edición 2012 del festival de cine de Guadalajara. En declaraciones a la prensa,Ricardo Gómez Quiñones, productor del film informó que ya se inscribieron para ser considerados en la competencia oficial y que su deseo es sentar un precedente en los festivales de cine latinoamericanos.
Estamos esperando la respuesta, que es en febrero. La película tampoco tiene todavía distribuidor porque a diferencia del cine tradicional, donde se pueden ver a los actores, en la animación sólo se ven los esqueletos (de las figuras), es algo complicado y que las distribuidoras quieran ver. Preferimos mostrarla cuando ya esté lista y estamos cerca de estarlo.
El film narra la historia de cuatro chicos a quienes se les muere el abuelo y van en busca de un tesoro, está codirigido por Rodolfo Guzmán y Leopoldo González.
Rodolfo Guzmán dirigiendo a los actores Carlos Cacho, Dolores Sarre y Copatzin Borbón durante el proceso de captura de movimiento de El Secreto del Medallón de Jade
Sean Peacknold es un artista multidisciplinar de Portland (Estados Unidos) que tiene la suerte de ser el hermano del principal componente de Fleet Foxes, la banda norteamericana de folk rock.
Sean Pecknold suele trabajar con stop motion, cut-out y postproducción digital para empacar hermosas ilustraciones de las canciones de su hermano, como es el caso de la poderosa atmósfera tribal y remota en The Shrine / An Argument, estrenada escasamente hace un mes. Las enormes diferencias musicales que hay entre ambos temas quedan unificados gracias a la progresión de la historia del enorme venado mitológico perseguido por los lobos.
El interesante trabajo de cut-out de Pecknold, la apariencia artesanal de sus personajes y el inteligente trabajo de iluminación, con abundantes degradados, dotan a sus piezas de una atmósfera onírica que casa perfectamente con la música cálida y vaporosa de los Fleet Foxes, casi su traducción ideal en imágenes. Mikonos, por ejemplo, es un videoclip realizado casi íntegramente con figuras geométricas de gran simplicidad, pero a pesar de ello, consigue transmitir la sensación de contemplar una historia épica como si el espectador estuviera dormido. El videoclip obtuvo un justo reconocimiento, y fue exhibido en 2009 en el festival de animación de San Francisco, en Onedotzero o en el festival de cine de Los Angeles.
A pesar de haber realizado más de seis videoclips ya para Fleet Foxes, Sean Pecknold no solo trabaja para la banda de su hermano. Otras bandas del indie americano, como Elvin Perkinso Beach House han echado mano de sus recursos para plasmar sus canciones en imágenes. Como la música de estas bandas suele estar en una órbita musical muy similar a la de Fleet Foxes, el estilo de Sean Pecknold realmente no se ha resentido demasiado con estos trabajos.
Es el caso del tema While You Wait For The Others, de Grizzly Bear (otros adictos a utilizar la animación en sus vídeos, por otro lado).
