El día de Mark Twain

Mark Twain cumpliría hoy 176 años, y Google lo celebra con otro de sus famosos doodles, tal y como ya hizo hace poco con la ilustradora Mary Blair y el animador Art Clockey. Mark Twain es uno de los escritores más estimados en los Estados Unidos, autor de clásicos de la literatura como Tom Sawyer o Huckleberry Finn. Su aspecto excéntrico y su carácter mordaz e irreverente bastarían para convertirlo en una personalidad literaria más que interesante. Sin embargo, son las extrañas condiciones de su muerte y la autopredicción que el propio Mark Twain hizo de esta (afirmó que al haber nacido con el paso del cometa Halley en 1835, moriría cuando este regresara a la Tierra en 1910; Twain murió finalmente un día después de su paso). La obsesión por el cometa Halley es la base argumental de uno de los más hermosos homenajes que se le puedan hacer al padre de la literatura norteamericana (según William Faulkner): el largometraje de animación stop motion con plastilina The Adventures of Mark Twain, dirigido por Will Vinton en 1986 y al que algunos historiadores de la animación como Michael Medvid consideran como "el más audaz y original desde 'Fantasía'". En Animaholic pensamos que no existe mejor forma de honrar al escritor y seguir disfrutando de la animación en el día de hoy.

Sergi Reitg confía en la excelente situación de la animación española

El diario ABC entrevistó el lunes a Sergi Reitg, consejero delegado de Imira Entertainment, con motivo del premio obtenido por Lucky Fred a la mejor serie del Euro Film Festival este fin de semana.

Entre las declaraciones, Reitg afirmó con gran optimismo que la situación del mercado de la animación en España "es más positiva de lo que muchos podrían creer."

La animación es un sector muy internacionalizado, por lo que la crisis que hay a nivel español afecta, pero no tanto como a otros sectores. Afortunadamente, el volumen de negocio internacional es muy alto. (…) [La crisis afecta a la animación española] en el proceso de arranque y de financiación, que es donde se ha producido un freno. Pero las series pueden explotarse muchos años. (…) En Iberoamérica vendemos muy bien. En Europa estamos vendiendo muy bien, especialmente en Francia, Italia, Portugal y en Gran Bretaña. En los Estados Unidos, España es el único país europeo que está colocando producciones de animación.

En la entrevista también se habla de Federación Española de Animación - DIBOOS, de la que Reitg es vicepresidente.

Diboos reúne a todas las asociaciones de productoras de animación españolas para hacer «lobby» ante el Gobierno y con las televisiones públicas. Quiere desarrollar normativas y leyes que favorezcan esta industria. Por fin ya existe una ley audiovisual que protege la industria de la animación, que contempla unas cuotas de inversión de las televisiones públicas en el sector de la animación. Prueba de ello es que desde que se aprobara esta ley hace dos años, ha aumentado considerablemente la producción. (…) Por falta de «lobby» [, el] sector no estaba unido y organizado como lo está ahora. Las propias instituciones se han dado cuenta de que la animación es un sector rentable que genera muchos puestos de trabajo, desarrolla tecnología, capta inversiones del extranjero y permite negocios colaterales con empresas del sector editorial, juguetes, etc.

Las voces de Pos Eso

Sam Ortí confirma la presencia de Anabel Alonso, Álex Angulo, Santiago Segura y Josema Yuste en el reparto de su largometraje Pos Eso.

Sam Ortí acaba de hacer público en su web parte del fichaje que compondrá su primer largometraje Pos Eso, que se encuentra aun en fase de preproducción. Tal y como afirma el carismático animador valenciano,

[gracias a] las intrépidas gestiones del productor Carlos Juárez (…) por un lado tengo a la mitad del reparto de El día de la bestia y por otro al hombre que posiblemente más me ha hecho reír en mi vida [Josema Yuste]... Ahora sé que tenemos una peli cojonuda.

A este reparto se une la presencia del periodista José María Iñigo, haciendo de él mismo.
Conflictivos Productions está de enhorabuena, porque su último cortometraje Vicenta acumula ya más de 75 premios, además de una precandidatura al Oscar al mejor cortometraje de animación.
Más información en el blog de Conflictivos Productions.

La historia de la humanidad en stop motion

Este divertido videoclip creado para la banda norteamericana Kalle Matson y dirigido por el californiano Kevin Parry aspira, nada más y nada menos, que a contar la historia de la humanidad en poco más de 3 minutos y medio.
Aunque la pieza ya tiene unos cuantos meses, no nos resistimos a publicarla aquí, en realidad como excusa para continuarlo con The Artic Circle, un cortometraje dirigido igualmente por Parry que en su momento no publicamos y que cuenta con un fan apasionado y mundialmente famoso: Tim Burton.

El hombre de las mil caras

Amalgamation es, según su propio creador Micaël Reynaud, "una animación que provoca hipnosis, imposible que te deje indiferente". Este trabajo combina una serie de fotografías en blanco y negro de Michael Jang mediante la famosa técnica del morphing que tan popular se volvió a principios de los 90. Reynaud la utiliza de una forma muy sofisticada, para acabar creando una "amalgama" (de ahí el nombre del corto) de rostros que dura poco más de un minuto. La pieza ha recibido millones de visitas en pocos días.

Más trabajos de Micaël Reynaud en su perfil de Google +.

La habitación más pequeña, de Cristóbal León y Nina Wehrle

Der kleinere Raum, del artista chileno Cristóbal León (colectivo Diluvio) y la artista suiza Nina Wehrle (colectivo It's Raining Elephants Again), es una claustrofóbica y sombría pieza de animación realizada con cartón en 2009.y donde el objetivo de la cámara adquiere un papel protagonista que ayuda a aumentar si acaso aun más el carácter enigmático de la obra. Este cortometraje de animación stop motion es un buen ejemplo de cómo los artistas contemporáneos tienen cada vez menos reparos en incorporar obras de animación en su carpeta de trabajos.

Papá soy una zombi obtiene el premio Enfants Terribles en FICXixón

La 49 edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, ha concedido el premio Enfants Terribles al mejor largometraje Papá soy una zombi de Ricardo Ramón y Joan Espinach.
Papá soy una zombi es una producción de Digital Dreams Films y Abra Producciones distribuida por Barton Films que se estrenará el próximo febrero.
La película ha sido premiada, entre 14 títulos de esta sección por la votación de los 13.000 niños y jóvenes que han participado en el festival.
Más información: FICXixón

Katzenberg pronostica la era de los marionetistas digitales

Tras la desaparición de Steve Jobs, Jeffrey Katzenberg sigue empeñado en convertirse en el gran visionario de la industria de animación, haciendo otro de sus vaticinios sobre el futuro de la animación. En este caso, el gran mogul de DreamWorks afirmó en Techonomy que está apunto de ocurrir una nueva revolución en el oficio de animador digital, y que su empresa está a punto de liderar un cambio a la animación en tiempo real. Es decir, que según él, los tiempos de espera en rénders interminables están a punto de ser historia y los animadores trabajarán más como una especie de marionetistas digitales.

Un animador profesional puede hacer tres segundos de animación en una semana. (…) Los animadores trabajan sin tener una idea clara de cómo se verá [su animación]. Es como si trabajaran prácticamente ciegos. Para ver qué es lo que hacen, es necesario lanzar muchos pases [de rénder]. (…) En animación, el Santo Grial siempre ha sido trabajar en tiempo real que permita a los animadores ver realmente lo que están haciendo.

DreamWorks está actualmente a punto de finalizar un acuerdo con Intel para desarrollar aplicaciones y herramientas tecnológicas. Según Katzenberg, Intel ha desarrollado una tecnología de multi-core escalable que la mayor parte de los programas actuales no pueden aprovechar, por lo que han tenido que actualizar toda la tecnología utilizada en la productora. Con esto, la productora está a las puertas de poder animar en tiempo real, trabajando hasta 70 veces más rápido que lo que hace ahora mismo y simplificando a la mitad las fases de producción de animación.

Esto tiene implicaciones para cualquier negocio que use renderizado, ya sean simulaciones petrolíferas, diseño aeronáutico o visualización forense. (…) [Dreamworks es] una empresa de tecnología de la misma forma que lo es de animación. (…) Somos la intersección perfecta entre Silicon Valley y Hollywood.

Cortometrajes de Bielsko-Biala en Valencia

La Filmoteca del IVAC de Valencia programa dentro del ciclo de cine polaco, en colaboración con el Instituto Polaco de Cultura, entre los días 3 y 4 de diciembre y a las 18 horas, cinco cortometrajes polacos de animación producidos entre los años 60 y 80 por el prestigioso estudio de animación Bielsko-Biala. Se trata de dos capítulos de la serie El pequeño caballero azul, dos de la serie Las aventuras de ratoncito y Un cuento, una pieza que mezcla con lirismo imagen animada e imagen real. Una buena ocasión de recuperar la animación de un país histórica y de gran transcendencia en los países del Este pero muy desconocida en España.
Aquí podéis ver el estilo de Gwiazda Kopernika (La estrella de Copérnico), una serie producida por el estudio. Por desgracia, se encuentra en polaco sin subtítulos, pero da buena idea de la calidad técnica en animación 2D que es capaz de ofrecer actualmente.

Manuel Cristóbal, entrevistado en FICXixón

Con motivo de la proyección de Arrugas en FICXixón, varios periódicos asturianos ofrecen diversas entrevistas con Manuel Cristóbal, productor de Arrugas. En el Diario Independiente de Asturias LNE Cristóbal opina acertadamente que

la animación española está a un nivel absolutamente internacional y está demostrando que puede hacer obras muy diversas y puede vender fuera y aquí. Creo que es un sector estratégico y que genera mucho empleo e imagen del país. (…) Afortunadamente las fronteras de la animación han explotado y puedes hacer desde dramas, como «Arrugas», hasta capturas de movimiento, como «Tintín». Si bien hay que mantener el contenido familiar, que es mayoritario y tiene mucha demanda, ahora ya no existe ese sinónimo de animación como algo infantil. La animación es una técnica y no un género.

Para La Voz de Asturias, Cristóbal por otro lado comenta que

yo no hago cine español. Yo hago cine en España. La marca cine español no me interesa. Defiendo el cine que se hace en mi país y defiendo que se le respete, pero las marcas que me interesan son Paco Roca, Ignacio Ferreras, Pedro Almodóvar, Alejandro Amenábar, Javier Bardem… Hay que reivindicar los Goya, que son una marca estupenda, y no crear esta marca, ni construirla contra quienes hacen el mejor cine del mundo, que son los norteamericanos.

La bicicleta precinematográfica

Este vídeo con animaciones sobre ruedas de bicicletas creado por Katy Beverige está causando sensación en el Reino Unido.

El efecto puede ser observado a simple vista, ya que las ruedas de una bicicleta se mueven a gran rapidez, generando el efecto de movimiento dinámico. En realidad, estas animaciones se basan en un principio muy sencillo sobre el que también se fundamentan algunos aparatos precinematográficos como el zoótropo, el fenaquistiscopio o el praxinoscopio, toda una serie de juguetes fascinantes del siglo XIX, que pueden ser contemplados en el Museo del Cine de Girona.
A pesar de no ser por tanto algo absolutamente original (la propia Katy se encarga de explicar el origen del proyecto en la información del vídeo en YouTube), es imposible negar cierto poder hipnótico de las imágenes y algunos efectos realmente ingeniosos, como los martillos golpeando al unísono.
Fuente: BioBioChile

Todoran entrevista a Manuel J.García

La web Todoran ofrece una interesante entrevista con Manuel J. García, director del largometraje de animación 2D Giants the Legend/ Tombatossals: The Legend, cuyo estreno está previsto para 2012 y dirigido a un público infantil. La película está producida por el estudio castellonense Nereida.

Nace el festival mexicano CROMAfest

La primera edición del festival mexicano CROMAfest, que se realizará del 13 al 19 de febrero de 2012 en la Colonia Condesa de la Ciudad de México, está cerrando su programación para un encuentro que promete marcar un referente en el país azteca.
CROMAfest es un festival en México dedicado a la animación, los efectos visuales (VFX) y el videojuego. Nace con el objetivo de generar una plataforma estable y duradera para impulsar a la industria creativa local, funcionando como un espacio de encuentro con la industria internacional para el intercambio de conocimientos y técnicas, los contactos entre mercados, la formación, el trabajo en red y la mutua colaboración.

Los contenidos del festival se distribuirán en tres líneas de trabajo:

· Concurso Internacional CROMA: Convocatoria de carácter internacional con dos categorías: cortometraje animado y efectos visuales para publicidad nacional. La selección oficial de ambas categorías será mostrada durante los días del festival a todo el público, y los ganadores (uno por categoría) tendrán la oportunidad de acudir a Festivales en Europa con el fin de presentar su trabajo y contactar con nuevos mercados.

· Net-Working: En alianza con otros festivales, escuelas, centros de formación, inversionistas y creativos nacionales y extranjeros, durante los 7 días de CROMAfest se presentarán conferencias magistrales, mesas de discusión, clínicas especializadas, y talleres de formación. Adicionalmente se desarrollarán encuentros profesionales y de negocios entre artistas mexicanos e inversionistas internacionales para favorecer la co-inversión y la co-producción.

· Art in Motion: CROMAfest también promueve la participación de creativos que usan la animación y sus derivaciones como medio para ampliar discursos sobre los usos de la imagen digital y el videojuego. Durante el festival, diversos artistas nacionales e internacionales presentarán instalaciones interactivas, espectáculos multimedia e intervenciones híbridas en el espacio urbano.

Continuaremos informando en cuanto se anuncien más novedades.
Más información: CROMAfest

Todo lo que siempre quisimos - Nuevo videoclip de MGMT

All We Ever Wanted Was Everything (Ned Wenlock, 2011) es el nuevo videoclip de la banda de rock alternativo MGMT, una excelente pieza visual, poderosa y muy llamativa, realizada al estilo del revolucionario cómic de Chris Ware, Jimmy Corrigan. Una auténtica gozada para paladares refinados.

Día Mundial de las Librerías

Aparte de ser el Día Internacional para la eliminación de la violencia contra las mujeres, los libreros de todo el mundo también celebran hoy una jornada especial, con horarios de cierre más largos, con motivo del Día Mundial de las Librerías que tuvo lugar ayer 24 de noviembre. El sector afronta el futuro con gran inquietud por la aparición del libro electrónico, que promete ser una revolución en todos los aspectos, dinamizando un sector que ha mantenido una forma de trabajo estable durante décadas y que ante la revolución digital parece en riesgo.
La cultura no es ajena a este cambio, y la desaparición de la biblioteca física como espacio y ámbito corre el riesgo de materializarse si todos los libros dejaran de editarse en formato papel en las próximas décadas.  Con este cambio desaparecería sin duda alguna un mundo mental que ha fascinado al universo del arte durante siglos.
Los siguientes cortometrajes homenajean el mundo de las librerías y las bibliotecas.



Más información:
CEGAL (Confederación Española de Gremios y Asociaciones de Libreros)

Un gato andaluz - Estreno de El gato con botas

El gato con botas (Puss in Boots, Chris Miller, 2011) es sin duda una jugada maestra de DreamWorks por reflotar una franquicia que había dado signos de agotamiento extremo con Shrek felices para siempre (Shrek Forever After, Mike Mitchell, 2010). Antes que seguir explotando unos personajes que no parecían dar mucho más de sí, el acierto estriba sin duda en capitalizar la popularidad del personaje más estimado por el público desde su aparición: el Gato con Botas, surgido en la segunda entrega de la serie Shrek.

(Perdonad la pésima calidad del vídeo, es lo único que he encontrado en español de esta recordada secuencia).
Parte del éxito de esta nueva entrega descansa en la voz de su protagonista, el actor malagueño Antonio Banderas, que quiso dotarle al carismático felino del acento de su tierra, no solo en la versión en español, sino sobre todo en inglés. Según Banderas, "el acento no es andaluz, sino malagueño, porque en Andalucía hay muchos dialectos diferentes, pero yo quería darle el que mejor conozco".

Este hecho, unido a la enorme calidad técnica que siempre derrocha el estudio de Katzenberg, un guión menos autorreferencial y más consistente que los de la saga Shrek y una campaña de promoción excelente, con Banderas absolutamente entregado en vender las excelencias de su personaje, (como ya hizo anteriormente cada vez que tiene que promocionar cualquier producción de Kandor Animación) convierten a El gato con botas en un largometraje de éxito y sin duda, en el inicio de una nueva saga de animación.
Esperemos que el listón siga tan alto en las próximas entregas.
No podemos olvidarnos por último de los españoles que han trabajado en el film, Manuel Almela, Igor Lodeiro y Luis Labrador.

Día internacional contra la violencia de género

Hoy 25 de noviembre de 2011 es el Día Internacional contra la Violencia de Género, una efeméride sin duda luctuosa para muchas personas que han perdido a sus seres queridos debido a la violencia doméstica, sobre todo contra las mujeres, derivada de patrones de conducta machistas. Aunque las estadísticas en España apuntan a una mejora paulatina del problema, la erradicación de este tipo de violencia debería ser una de las prioridades de la sociedad del siglo XXI.
El siguiente vídeo explica cómo surgió la propuesta del Día internacional contra la violencia doméstica.

Esta animación amateur en stop-motion escenifica de forma conceptual la violencia machista contra las mujeres, de una manera bastante efectiva.

Entre las principales víctimas del problema siempre acaban encontrándose los hijos de la pareja, que acaban viviendo de forma directa el problema de la violencia en casa. Uno de los ejemplos más extraordinarios sobre este tema continúa siendo el cortometraje noruego Sinna Mann de Anita Killi. Aquí ofrecemos un fragmento de la obra.

Por último, el cortometraje ¿Por qué? realizado por Xavi Segura en Ars Animación es uno de los escasos ejemplos en la animación española sobre la cuestión de la violencia contra las mujeres.

Más información:
Women's Link Worldwide
Ministerio de Igualdad

Referencias para usar en animación

Hay veces en las que un animador daría cualquier cosa por tener una referencia en movimiento de tal o cual gesto o de algún animal en particular y los libros existentes, como el famoso de Muybridge, son incompletos o no abarcan lo que el animador necesita. En ese caso, los siguientes enlaces con centenares de vídeos gratuitos para usar como referencia en animación pueden ser realmente útiles:

Reference! Reference! es una web enorme con una gran cantidad de vídeos clasificados por temas. Los vídeos han sido creados específicamente para animación y permiten verse desde diferentes perspectivas.

AniRef es un canal de Vimeo que va recopilando vídeos de otros usuarios con vistas a su utilización en una animación. La contrapartida es, por tanto, que los vídeos no han sido realizados pensando en ser usados para animación, pero es una buena fuente también.

Lucky Fred, mejor serie del Euro Film Festival

La serie Lucky Fred, creada por Imira Entertainment, recibirá este sábado el premio a la mejor serie de animación en el Euro Film Festival que se celebra en Marbella. La serie, de 52 episodios de 12 minutos para un público de 6 a 12 años, se estrenará en televisión en el mes de febrero en Disney Channel en abierto para toda España, y posteriormente en TV3.

En el reciente Festival de Cine de Chicago la serie ya obtuvo el segundo puesto en la categoría de animación y en el Festival Internacional de Animación de Italia Cartoon on the Bay fue seleccionada dentro del apartado de Panorama Internacional. La serie de animación también fue seleccionada para participar en la primera Convocatoria 3D Wire de Proyectos de Animación y Videojuegos, en el marco del Mercado 3D Wire en Segovia, entre los 37 proyectos elegidos a nivel internacional de países como México, Brasil, Alemania, Canadá, Francia, Colombia o Estados Unidos.

Las serie ya se ha estrenado el pasado 1 de Noviembre en América Latina por Nickelodeon y en España se podrá ver en abierto y en exclusiva en Disney Channel a partir de febrero y en TV3. Posteriormente, la serie llegará a más de 152 territorios de la mano de Disney Channel (Alemania, Italia, Francia, India, Israel y Australia), de la francesa TF1 (en Francia), de la portuguesa RTP (Portugal) y de Nickleodeon (Países Bajos, Escandinavia, así como Asia y Corea del Sur).

El equipo de la serie incluye a experimentados guionistas como Devin Bunje y Nick Stanton (Los Angeles, EEUU), que previamente escribieron para Phineas y Ferb, Los pingüinos de Madagascar y Kid Knieve'l entre otras series; Evan Gore y Heather Lombard (Los Angeles, EEUU), que trabajaron en George de la jungla, Futurama, Jimmy Neutron, Lilo y Stitch, The Weekenders entre otras, y Txema Ocio (Vitoria, España) creador y guionista de Lola y Virginia, y Sandra, Detective de Cuentos. Los anticipos de venta de la serie están funcionando bastante bien, según afirma Christophe Goldberger, Productor y Director de Distribución y Marketing en Imira Entertainment y esperan cerrar nuevos acuerdos en MIPCOM.

La serie está apoyada por un plan de licensing y merchandising además del lanzamiento de la website y juegos interactivos para móviles para toda la familia, que estarán disponible en la website de Lucky Fred. La aplicación de geo-localización en los móviles llevará a los niños a misiones para localizar y neutralizar a los alienígenas de la serie en su propia ciudad a cambio de premios como coleccionables y descuentos en atracciones locales. Una nueva forma para que los niños se sumerjan en el mundo de Lucky Fred.

Lucky Fred sigue las divertidas aventuras de Fred, un chico normal de 13 años, que accidentalmente se convierte en el dueño de un robot con súper-poderes, capaz de transformarse en cualquier objeto que Fred desee. El verdadero nombre del robot es Aniquilaitor 9-0-9-0-9-0-9, pero responde al nombre que Fred le dio, "Friday". Antes de desviarse de su rumbo, Friday fue enviado a la Tierra para servir a Braianna, la vecina de Fred. Una chica de su misma clase, muy especial y que oculta un gran secreto. Ella es, en realidad, el "Agente Brains", miembro de la fuerza de seguridad intergaláctica secreta "Los Protectores". Brains es la Protectora asignada a la Tierra y su misión es rechazar cualquier amenaza alienígena, antes de que ésta sea detectada por la población. Fred, Friday y Brains forman un trío de amigos que se divierten, van al instituto y juntos salvan el planeta. Mientras Fred y Friday siempre piensan en cómo pasarlo en grande, Brains trabaja duro para mantener a los enloquecidos aliens a raya y su verdadera identidad en secreto.

Más información:
La serie en Facebook

Animación del Sheridan College de Canadá

Sheridan College es una escuela situada en Oakville (Ontario, Canadá) que ofrece, entre otras disciplinas, un grado de 4 años en animación. Estos son algunos de los trabajos de sus alumnos de este año, que tienen como punto en común el haber sido realizados en 2D y un excelente trabajo de fondos, por lo que es de suponer que tienen buenos profesionales en ese terreno. La presente selección de cortometrajes de animación 2D también demuestra la particular conexión de la escuela con Asia, con muchos cortometrajes ambientados en diferentes puntos del continente.

Seedling de Lee Tao es un precioso cortometraje de animación, con una mezcla de animación tradicional y digital en Photoshop CS5 y compuesto con AfterEffects CS5 sobre el proceso de germinación de una semilla y sus peligros. Podéis ver algunos fondos con más detalle.

Sunata es un cortometraje incompleto y algo desconcertante, realizado por el canadiense Christopher Makerewich. El inicio de la pieza resulta muy intrigante.

Abhilasha Dewan es un animador indio con una pieza sobre la muerte de un ladrón y ambientada fotográficamente en las montañas Nainital de la India. El cortometraje tiene cierta discontinuidad gráfica pero resulta bastante interesante.

Meet Mr Brock es otro interesante trabajo gráfico de Vanessa Tam a partir de una persecución por una ciudad asiática (al menos, en apariencia).

El último trabajo que ofrecemos aquí es el de Jiin Park, con un encuentro muy propio de Rudyard Kipling sobre el enfrentamiento entre dos madres en la selva india.

Podéis consultar todos los cortometrajes de animación realizados en la escuela en la promoción 2011.

CalArts y su concurso de cortos de animación en 48 horas

La escuela de animación californiana CalArts mantiene como tradición realizar un corto anual en 48 horas con sus alumnos a partir de un tema. Este año la palabra en cuestión era "cactus" y estos son algunos de los cortometrajes realizados.











Más info en el blog de Character Animation de CalArts.

Lux Animation coproducirá el nuevo largometraje de Las tres mellizas

Según informa Variety, la productora francesa Lux Animation coproducirá el nuevo largometraje de Cromosoma Las Tres Mellizas y la Máquina del Mundo, que será dirigido por Cesc Gay. Este será el primer acercamiento de Gay a la dirección de animación. El guión, coescrito entre el propio Gay, Anna Manso y Francesc Orteu, retoma los personajes creados por la ilustradora catalana Rosa Capdevila, con un presupuesto de unos 6 millones de euros, y el apoyo de ICIC, TV3 y TVE.
La historia gira tiene un componente ecológico muy fuerte y resulta notable por el salto a la animación del autor de En la ciudad (2003) y Ficció (2006).

Se crea la primera Asociación de la animación española en Estados Unidos

El Festival Internacional de Cine de Animación, Vídeo Juegos y Efectos Especiales - Animayo presenta hoy en Los Ángeles (California) el Primer Encuentro de animadores, directores, productores y artistas digitales españoles de la ciudad californiana. El encuentro está coordinado por Damián Perea y Raúl García, y cuenta con el apoyo del Patronato de Turismo de Gran Canaria y EGEDA. La idea es convertir Beverly Hills en una base permanente del festival de animación, efectos especiales y videojuegos de Gran Canarias.
En el evento del viernes 18 de noviembre, Animayo presentó el festival al sector norteamericano en la American Film Institute - AFI de la Universidad de Cine de Los Ángeles, una de las universidades de cine más reconocidas y de mayor prestigio internacional. En el encuentro estuvo presente Kevin Blank, responsable de efectos visuales de de Monstruoso, Alias, Misión Imposible, Star Trek y Blade, y en el que Perea afirmó que

convertir Animayo en itinerante y llevarlo a nuevos espacios como la ciudad de Los Ángeles puede crear un nexo beneficioso para el festival y para Gran Canaria, es contacto directo con los profesionales de la industria y con las universidades que comienzan a conocer a Gran Canaria y las posibilidades únicas que tenemos para rodar.

Para la jornada de hoy, Animayo presentará el proyecto de creación de una primera asociación de artistas de la animación, efectos especiales y videojuegos españoles en la industria americana, seguido de un networking lunch.

L'Idem, la formación de animación francesa en Barcelona

L'Idem Barcelona es la nueva escuela de enseñanza multimedia que se ha incorporado al mercado de las artes gráficas, con formación específica y potente en animación 2D-3D. El centro surge como filial de L'Idem Perpignan, con 15 años de experiencia, por lo que se puede considerarse como una propuesta muy interesante de entender la formación en animación francesa que tan buenos resultados obtiene en el país galo.

El curso de realizador y animador 2D - 3D consta de 4 años y ésta es tan solo una de las novedades frente a otro tipo de propuestas en España. El primer año de formación orienta a los alumnos a través de un tronco común de enseñanza junto al resto de formaciones de la escuela en realización audiovisual y diseño gráfico. Los siguientes tres años, ya de formación específica, los alumnos reciben las siguientes asignaturas: Dibujo anatómico, Modelado en vivo, Técnicas artísticas, Cultura cinematográfica, Cultura profesional, Infografía 2D, Infografía 3D, Análisis de guión, Estudio de los personajes, Estudio de los fondos, Animática, Storyboard, Biblia gráfica, Layout posing, Layout fondos, Modelización / animación 2D-3D, Posing, Intervalos cleanage, Fondos, Montaje, Sonido, Compositing, Efectos especiales y Master y PAD, además de la realización de un cortometraje de fin de carrera. A partir de aquí, el alumno también tiene la posibilidad de realizar un máster suplementario en 3D y efectos especiales y otro en audiovisual, que le permitirán especializarse en Diseñador 3D, Storyboarder, Animador 2D / 3D, Motion Graphics, Layout man, Fondista, FX o Modelador 3D.

Las clases se realizan en catalán, castellano, francés e inglés según el profesor y la formación, por lo que el centro también pone a disposición de sus alumnos clases en inglés y francés para aquellos que deseen realizar prácticas en el extranjero. Además, l’Idem Barcelona acoge semanalmente estudiantes franceses en régimen de intercambio, por lo que se crea un buen ambiente de trabajo internacional.

Uno de los platos fuertes de la escuela lo constituye también la posibilidad de realizar prácticas concertadas en centros situados en Nueva York, París, Raleigh y Montreal, denominadas "embajadas" de la escuela a nivel internacional. Entre algunos de los centros que han servido de prácticas para los alumnos de L'Idem Perpignan se encuentran Method Film (París / Luxembourg), Digital Graphics (Lieja, Bélgica) o Supabanja Digital (Raleigh). Entre sus antiguos alumnos se encuentran Etienne Badia, actualmente en Wendigo Studio (Canadá) o Gerald Clevy, en los reputados Weta Digital.



Otro aspecto interesante es que la escuela reconoce los cursos con una doble titulación, el Bachelor of Arts -equivalente a una diplomatura europea- así como el título profesional francés, inscrito en el Repertorio Nacional de Certificaciones Profesionales (RNCP) permitiendo obtener la licenciatura y el máster europeo. Además, durante la duración de los cursos, el centro alterna las evaluaciones, los exámenes y los créditos europeos creados por la Unión Europea, de tal manera que los alumnos pueden contabilizar créditos en otras escuelas de la UE y cada estudiante tiene la posibilidad de seguir sus estudios en otro país europeo o terminarlos en la escuela, con la seguridad de un reconocimiento académico posterior.

Para entrar en la escuela, se puede acceder tras la realización de la Selectividad o Bachillerato para un ciclo completo, o bien tras cursar superiores o una diplomatura para máster. La admisión del alumnado está adscrita a una entrevista personal y a evaluación de las capacidades de cada persona, orientándolos en la vía de estudio más adecuada para ellos.

Sin duda alguna, toda una revolución que trae nuevos aires a la formación de animación en España.
Para más información:
www.lidembarcelona.com
info@lidembarcelona.com
C/ dels Almogàvers, 125 (08018 Barcelona - Districte 22@)
Tel: +34 934 854 550

Avalancha de estrenos europeos este fin de semana

La producción euskera Gartxot, la francesa Panique au Village y la italiana Winx 3D marcan los estrenos de animación de esta semana.

Un detalle interesante de tres estrenos que probablemente pasen muy desapercibidos en la cartelera es su absoluta disparidad de propuestas: animación 2D histórica para adultos, stop motion de humor enloquecido y una secuela en 3D de una serie de éxito destinada a un público infantil femenino.



Estreno de Gartxot
Dirigida por Juanjo Elordi y Asisko Urmeneta, el film Gartxot (Konkista aitzineko konkista) llega hoy a las pantallas vascas. La cinta, producida por Somuga con un presupuesto de 1,7 millones de euros y la participación del Gobierno vasco y otras instituciones, se proyectará en versión original con subtítulos en castellano, en muchos casos. Ambientada en el siglo XII, narra la historia del bardo Gartxot, desterrado por el abad de Roncesvalles para quedarse con su talentoso hijo Mikelot, un niño de hermosa voz a quien quiere despojar del euskera y convertir en un monje que cante en latín. Pero su padre consigue rescatarle y juntos siguen cantando de pueblo en pueblo, convertidos en símbolo de resistencia y desafiando a una Iglesia que no se detendrá hasta darles caza. El film, dirigido a un público adulto, se basa en el cuento de Arturo Campión El bardo de Itzaltzu, escrita en 1917.
La idea de rodar una cinta de animación surgió, según cuenta Asisko Urmeneta para el Diario Deia, porque hacerlo con imagen real hubiera sido demasiado caro y difícil. Somuga ya ha realizado anteriormente el largometraje La vuelta al mundo, ¡gratis!, también dirigido al público adulto.


Estreno de Pánico en la granja
Dirigida por Stéphane Aubier y Vincent Patar a partir de la exitosa serie belga de animación del mismo título, la crítica cinematográfica ha sido unánime allá donde la película se ha estrenado (en Sitges obtuvo el premio a la mejor película de animación en 2009), calificada por algunos como "cocaína para los niños" por su ritmo enloquecido, trepidante y surrealista. El film está coproducido por La Parti Production, Beast Productions y Les Films du Grognon, la RTBF, Made In Productions, Gebeka Films, y Melusine Productions.


Estreno de Winx 3D
Continuación de Winx, el secreto del reino perdido, este film ha sido dirigido por Iginio Straffi y coproducido por Medusa Produzione y Rainbow CGI S.r.l. El argumento, muy inspirado en Harry Potter, se ambienta en la escuela de hadas Alfea y el enfrentamiento de las protagonistas con otro grupo de hadas perversas.

Entrevista a Damián Perea

Damián Perea (1974, Gran Canaria) es, a pesar de su juventud, una de las figuras más activas y relevantes de la animación canaria. El primer contacto de Perea con la animación le lleva a dirigir el primer cortometraje de animación realizado en las islas Canarias ("Podría ser peor", 1999). Poco después se encarga de dirigir la animación de la célebre campaña publicitaria del euro "Los García" (2001). En 2006 consigue poner en pie la primera edición de Animayo, el festival de animación de Gran Canaria y el primero de las islas afortunadas.

1. A pesar de ser uno de los principales talentos de la animación canaria, comenzaste estudiando Dirección y administración de empresa. ¿Cómo llegaste al mundo de la animación y con qué dificultades te encontraste?
Tengo pasión por el cine desde que tenía cinco años, cuando mis padres me sentaron en la primera fila para ver El imperio contraataca. Imagínate el impacto siendo tan pequeño ver aquellos bichos tan grandes, en esa pantalla tan cerca. A partir de ahí nace mi afición al cine. Más adelante, ya de adolescente, realizaba con mis amigos los típicos "cutrecortos" durante los fines de semana, los cuales se iban acumulando hasta llegar a más de doscientos sin acabar ninguno. Un fin de semana mis amigos me llamaron para decirme que era la Copa del Rey y no podían quedar para terminar el corto, en ese momento vi una bola de plastilina blanca en casa, y me dije "pues si no puedo tener actores me los crearé". Aquello fue la catarsis con la animación porque me di cuenta de las posibilidades de la animación y que en definitiva estabas dando vida a un objeto y eso es maravilloso. Te sientes como un dios dando vida a un trozo de plastilina, una sensación maravillosa, única, todavía recuerdo el momento en el que empecé a animar. Fue algo realmente fortuito, ya que yo iba para director de ficción pero empecé por la dirección de animación.
Por otro lado, mi decisión de estudiar empresariales proviene de que en aquel momento si te querías dedicar al cine tan solo podías estudiar Ciencias de la Información, algo que considero muy alejado del cine, o irte al extranjero a gastarte una fortuna. Estudiar empresariales me sirvió por tanto para tener otro tipo de mentalidad, ya que todas las asignaturas y trabajos de la carrera los adapté como si estuviera preparando una empresa cinematográfica. A los profesores les hacía bastante gracia, ya que se preguntaban qué hacía yo allí, cuando en realidad debería estar estudiando cine. Solo a partir del momento en el que fui nominado a los Goya fue cuando decidí que había aprendido todo lo que tenía que aprender en empresariales y comencé a trabajar profesionalmente en el cine. Con el tiempo esto me ha servido de mucho, ya que me ha posibilitado tener una faceta de productor y un impulso de emprendedor muy valioso. Sin eso, probablemente todavía estaría buscando cómo ganarme la vida y eso ya es bastante difícil aquí en Canarias, donde lo importante para tener éxito es mantener una actitud empresarial que te obligue a salir fuera y llamar a todas las puertas.
Mi recomendación en este sentido para otros animadores es que no se torturen si por dinero no pueden ir a estudiar cine fuera, com me pasó a mí. Un ejemplo, Almodóvar era telefonista y Amenábar no llegó a terminar la carrera. Lo más importante de estudiar en una escuela de cine es que tienes ya todas las facilidades, equipo y sobre todo gente como tú que puedes liar para tus producciones. Pero puedes perfectamente estudiar de forma autodidacta como hice yo combinándolo con otro tipo de estudios. Esto sirve para mantener otro tipo de mentalidad, como por ejemplo ser un productor o ayudarte a financiar. Yo por ejemplo, todo lo he aprendido de manera autodidacta, fui buscando a los maestros que yo quería o las materias que necesitaba. Por ejemplo, a John Matterson, director de fotografía de Gladiator, o a Juanma Bajo Ulloa, o a Syd Field y a Linda Seger para guión, yo quería que estas personas me enseñaran, así que fui eligiendo a los profesores que yo quería tener para trabajar con ellos; también viendo muchas películas, parando las películas fotograma a fotograma para ver cómo se hacían. Así que si tenía que aprender de los maestros, quería aprender de los mejores, lo cual no desmerece el papel de los profesores de la universidad, pero para mi carácter la mejor escuela ha sido establecerme como productor y comenzar a trabajar de forma autónoma.

2. Has desarrollado tu trabajo en ámbitos muy diferentes, como el stop-motion, el 3D o la animación flash, ¿qué diferencias encuentras en todas estas técnicas? ¿Con cual te sientes más cómodo?
Para mí, la técnica más mágica y a la que más cariño le tengo es a la animación con plastilina. Por otro lado, soy consciente de que tras haber dirigido la animación de la campaña del euro, tuve unas condiciones de trabajo que no me permitían volver atrás, al bajo presupuesto. Por eso no he vuelto a trabajar con esta técnica, y no lo haré hasta que tenga unas condiciones parecidas de presupuesto y recursos. Tras esta experiencia comencé a explorar otras técnicas. En ese sentido el 3D me parece muy cómodo a la hora de trabajar y corregir, es una técnica muy intuitiva. Lo que no me gusta del 3D es que te permite cambiar indefinidamente la historia. Como yo tengo un gran afán perfeccionista, trabajar con el ordenador me da muchas posibilidades de volver otra vez sobre lo mismo y retocar y corregir. Con el 2D tengo una relación peculiar. Llevo diez años trabajando en un cortometraje muy lento de realizar porque lo estoy realizando todo en la hoja de papel. Se trata de una técnica muy hermosa pero a la que no pienso volver en cuanto acabe este proyecto, ya que no tienes tanto control sobre ella, has de confiar demasiado en tus animadores, de una forma muy similar a como cuando trabajas con actores. Esto me lleva a pensar que lo más cómodo para mí es trabajar en 3D pero lo más romántico quizás sea la plastilina, porque tocas y mueves el muñeco directamente. Hablando con Peter Lord, me comentaba que echaba de menos el mundo de los platós y los rodajes. Eso es lo malo del 3D, que ya no puedes tocar el muñeco. Ese también es otro problema de ser director, ya que a mí me gusta mucho estar sobre el muñeco, tocar y animar, y como director o productor tienes que aprender a delegar, a confiar en el animador y pierdes ese control directo, pero no te queda otra. Una forma de compensar esta falta es la de aprovechar y reservarte ciertas escenas para ti, o hacer pequeñas piezas tú solo. De esta forma compenso la necesidad que tengo de animar.

3. De igual manera, has creado trabajos por cuenta ajena, como videoclips o publicidad y trabajos propios. ¿Cómo es tu forma de trabajo habitual? ¿Sigues un mismo patrón de trabajo en cada caso?
Mi suerte o desgracia fue que gracias a la campaña del euro pude trabajar en publicidad de una forma que ya no es posible. Hoy en día todo está en manos de los creativos de publicidad, no hay mucho margen para la creatividad, y de esa manera yo ya no quiero trabajar más. Cuando hoy en día me encargan publicidad es porque confían de mí de manera absoluta. Lo último que hice fue para la campaña del 2016 Las Palmas de gran Canaria capital cultural europea, y fue porque me dieron absoluta libertad creativa.
Mi sistema de trabajo es el siguiente: trabajamos a partir de una idea o guión con el cliente con muchos bocetos e ilustraciones y después nos ponemos a hacer el storyboard, aunque a mí me gusta mucho el trabajo de creación mientras se va preparando la historia. A continuación se reúne todo el equipo y realizamos una sesión de brainstorming y mientras unos van lanzando ideas otros van dibujando y a partir de esos dibujos me voy inspirando. Cuando trabajo solo, me inspiro mucho en la música.
Esto que voy a decir a continuación no lo he contado nunca pero yo de pequeño cogía y grababa todas las películas en cinta de casette, solo el audio, y me imaginaba toda la historia plano a plano en mi cabeza. Esa ha sido la mejor escuela de montaje y creatividad que he tenido en mi vida y se lo recomiendo a otras personas como ejercicio para sus hijos. Esto fue algo que descubrí jugando,como todo buen aprendizaje. Muchas veces cuando estoy con creativos soy capaz de visualizar las escenas rápidamente, es una capacidad para la que he sido entrenado sin querer y que a ellos tanto les sorprende. Yo hablo visualizándolo todo. Por ejemplo, cuando estoy hablando con alguien por teléfono, puedo imaginarme gracias al eco de la voz de la otra persona el espacio en el que se encuentra, la habitación, etc. Hay gente que simboliza con palabras, o colores, yo lo visualizo todo con escenas.

4. A partir de 2006 te embarcas en la aventura de dirigir un festival de animación en Las Palmas de Gran Canaria. ¿Qué dificultades tiene la dirección de un festival tan especial como Animayo?
El festival surgió como necesidad de realizar cosas sin tener que gastarnos una fortuna para atender a otros festivales ni salir de aquí. Los canarios somos muy de nuestra tierra, nos gusta vivir aquí ya que se vive muy bien, por lo que me planteé traer un festival hasta Gran Canaria, que es un paraíso, y que el festival fuera creciendo, en vez de tener que ir a Annecy, donde hace frío y siempre llueve (que no sé cómo consiguen que esto pase pero lo cierto es que cada año es así). Llegará un día dentro de veinte años que todo el mundo prefiera venirse al festival de Canarias antes que a Annecy.
Por ahora el festival sigue siendo una apuesta de todo el equipo de Animayo, que hacemos con mucha ilusión y con mucho amor. Ya nos compensa cuando vemos a todos los animadores, super contentos y felices, escribiéndonos después de muchos años y diciéndonos que quieren volver al festival. Todos los años tenemos a Bill Plympton, al que le encanta venir. Hay gente que nos ha llamado para decirnos, ya desde el segundo año, que los hemos tratado mejor que en Cannes. Somos un festival pequeñito en comparación con Cannes, pero quizás por eso podemos dar un mejor trato que en otros festivales tan grandes y muy conocidos. Como tenemos pocos invitados, los tratamos como a reyes. Hay años en los que tenemos muchos invitados, y luego me doy cuenta de que prefiero tener menos, ya que lo paso mal pensando que no los estoy cuidando tal y como se merecen. No sé, supongo que es una manía que tenemos todos los que nos gusta ser buenos anfitriones. Cuando estoy en una fiesta, también me siento mal porque quiero estar y hablar con todos. Me gusta enseñarles la isla, no sé, en definitiva que se encuentren bien y cómodos, y creo que esta ha sido la clave del éxito del festival.
Luego está el éxito del público. El año pasado tuvimos 4000 personas, y esto se debe a que la gente valora tener a un artista de forma tan cercana. Para mí es importante que entiendan que el mundo de la animación es diferente, un mundo mucho más sencillo que el del cine y donde es muy importante la colaboración entre todos. En una película de animación lo más importante es el equipo, y yo creo que este espíritu se transmite al público que asiste. Cuando vienen grandes profesionales, como Roger Kupelian (El señor de los anillos), Kevin Blank (supervisor de Lost, Alias o la última de Spielberg Terranova), o Ryan Woodward (storyboarder de Iron Man y Spiderman, entre otras), la gente alucina y quiere acercarse y preguntarle cómo comenzaron a trabajar.
Por otro lado, otro aspecto esencial de Animayo es que es el único festival de toda Europa que pone su programación infantil en el hospital oncológico para los niños internos, con la colaboración de Antena3 y la Caja de Canarias, y este es para mí el proyecto más bonito del festival. El hecho de llevarte un animador de de Disney como Raúl García o Pixar como Carlos Baena hasta el hospital me parece algo precioso, que los niños le pidan dibujar a Nemo o a otro personaje, es un lujo que podemos ofrecer.
Ahora gracias al Patronato de Turismo de Gran Canaria y a la colaboración con Egeda US hemos podido llevar a Los Angeles en Beverly Hills lo mejor del festival y además de hacer presentaciones del festival en las mejores universidades de Los Angeles como la AFI (American Film Institute), o Los Angeles Film School.
Pero esto no significa que las cosas sean fáciles o vengan rodadas. Nuestras dificultades son todas las que uno se pueda imaginar, ya que somos un festival independiente. Nos pasamos seis meses buscando presupuesto y eso desgasta muchísimo, mientras que otros festivales ya tienen su presupuesto atado en cuanto se acaba la última edición. Aunque haya crisis, Animayo está sobreviviendo porque nos planteamos una filosofía a la japonesa que hace que, a pesar de contar con menor presupuesto, decidamos trabajar más. Esto nos permite tener una mayor participación de público y que el festival continúe en activo. Otros festivales en cambio, en el momento en que no tienen presupuesto, hacen menos o no hacen nada, para demostrar que no trabajan sin dinero. Esta no es nuestra mentalidad. Les entiendo pero como nosotros no vivimos de esto, nos lo podemos permitir por ahora.

5. Por tu trabajo, sueles moverte fuera y dentro de España. ¿Crees que el nivel de profesionales de la animación en España puede compararse con el de otros países?
No considero que tengamos un nivel superior al de otros países, ya que hay dos condicionantes: dinero y mucha gente haciendo lo mismo. Son dos cosas que en España no tenemos. A pesar de ello, actualmente hay gente buenísima, excelente. Yo he notado el salto cuántico de cuando empecé a ahora mismo. A pesar de ello, nunca deberíamos compararnos con otras industrias como la norteamericana, la alemana o la francesa - la cual está últimamente empeorando muchísimo - porque ellos llevan mucho más tiempo. España siempre ha vivido de realizar los trabajos de otros países, igual que China ahora. De esta manera no puedes despegar. En el momento en el que comienzas a realizar tus propios productos, vuelves a recuperar animadores que estaban fuera. Yo creo que es ahí donde está la clave, en dejar de producir cosas para América u otros países, con los que aprendes muchísimo, y comenzar a trabajar en tus propios proyectos y trabajos.
Es por ello que creo que las comparaciones son odiosas y sobre todo cuando comienzas. Para mí es ya es todo un logro que mi primer corto fuera la primera película de animación realizada en Canarias. En ese momento jamás podría haberme comparado con Aardman. En vez de pensar eso, considero que el cortometraje podría haber sido mucho peor, porque lo hice con nada, casi con un millón de pesetas, así que puede considerarse casi un milagro, aquí nadie había pensado en invertir en animación, no existían escuelas ni tradición. Me puse a animar yo solo, en un estudio encerrado durante siete meses, perdiéndome los carnavales de Gran Canaria y unos días de sol increíbles, pero bueno, todo tiene su recompensa. Después cuando acabas y ves el resultado es cuando te sientes muy orgulloso. Por ejemplo, cuando trabajé en la campaña del euro, traje a animadores de Aardman y al contarles que yo realizaba 700 fotogramas al día y ellos tan solo realizaban 100 al día, alucinaban, pero claro, yo lo veía como algo normal porque era una necesidad en ese momento, incluso pensaba que eran pocos fotogramas al día y siempre intentaba hacer más. El hecho de trabajar también fuera de la industria, no encorsetarte y ver otras cosas puede ser útil.


6. Tras una primera década de siglo XXI en el que la animación en 3D se ha consolidado como la principal técnica de la animación comercial, esta segunda década está llena de incertidumbres creadas en torno a la animación estereoscópica. ¿A qué retos se enfrenta la animación en esta nueva década del siglo XXI?
Yo tengo la idea de que no deberíamos cometer el error que se está cometiendo ahora, aunque todo tiene su equilibrio y acaba equilibrándose con el tiempo. Ahora está de moda la estereoscopía y todo el mundo quiere utilizar la técnica y para mí es un auténtico desastre ya que satura la imagen de efectos, igual que cuando ves un videoclip. Lo importante debe ser contar una historia y luego buscar una técnica que sirva para contarla. Si decido utilizar la estereoscopía es porque ayuda a la historia a contarse mejor. Las técnicas no deberían estar "de moda", deberían estar en función de la historia. Yo he utilizado 2D, 3D, animación con plastilina, con actores, ficción o Flash por esta misma razón, porque cuando escribo la historia ya pienso en una estética y una técnica determinada.
Aunque todo el mundo considera que el 2D está pasado de moda, yo pienso que algún día volverá, aunque ahora mismo sigue siendo demasiado caro y si lo vas a utilizar, es importante utilizarlo bien con suficiente presupuesto. Piensa que la moda de realizar estereoscopía viene de la década de los 50, y ha tenido varios momentos de olvido y resurrección, así que no creo que esto vaya a sustituir nada hasta que no exista un 3D que salga de la pantalla sin necesidad de utilizar gafas. Me da mucha pereza sustituir mi televisión por otra con tecnología 3D, de la misma manera que me da mucha pereza cambiar toda mi colección de películas en DVD y VHS por otra en Blu-Ray. Para mí todo esto es una forma de obligarte a consumir. Los que aman el cine de verdad ven películas sin importarles que sea estereoscópica o no.

7. ¿Cuáles son tus principales influencias artísticas o profesionales?
No he tenido tantas influencias de la animación como del cine de ficción. Obviamente he visto mucho cine de Disney de pequeño, y sobre todo mucha animación checa y del este, pero cuando creces comienzas a conocer el trabajo de otros artistas como Petrov, aunque no considero que este me haya influido, ya que él es como el Mozart de la animación y todo el resto somos como los Salieris. Sí que puedo hablar en cambio de películas que me han marcado, como Pesadilla antes de Navidad, La guerra de las galaxias, 2001 una odisea del espacio. Los cortometrajes de Wallace & Gromit fueron para mí algo muy especial, ya que aprendí a animar viéndolos a fotograma a fotograma. Otras influencias incluirían a Werner Herzog, o artistas como Klimt, Picasso o Dalí y el surrealismo en general, y artistas canarios como Alberto Manrique o César Manrique, un gran artista, arquitecto-urbanista de Lanzarote, que me inspiró en otros sentidos como por ejemplo en ese amor por su isla, con su lucha por preservar un entorno y hacer que una acción local pueda tener una repercusión internacional que haya sido seguida en otras partes, para mí eso ha sido una inspiración de vida. Otros profesionales con los que he trabajado y que me han influido enormemente han sido Mike Woods, Juanma Bajo Ulloa, así como los invitados y amigos que acuden a Animayo. Otros profesionales con los que he trabajado y que me han influido enormemente, así como los invitados y amigos que acuden a Animayo. Me gusta sentirme siempre como un alumno que intenta aprender, el día que piensas que ya lo sabes todo, se acabó la cosa. Soy una persona muy observadora y me gusta aprender hablando. Otras influencias provienen de la gente que tienes alrededor, tu familia, mis amigos, así como mi isla, que también me inspira mucho. También sirve mucho viajar, porque me permite volver a mi isla y verla con otros ojos. De hecho, me gusta mucho hacer fotografías, he realizado también exposiciones de fotografía y es algo que me permite ver los sitios con otros ojos, las cosas que me sorprenden de los sitios. Eso es porque intento mantener un poco la mentalidad budista del aprendiz. Esta es la única clave tras doce años de realizar animación profesional, cada vez tengo la sensación de saber menos, de que me queda por aprender cada vez más. Soy muy competitivo, deportivamente hablando. Me encanta la competitividad, es algo que considero muy positivo para aprender.

8. Uno de los aspectos favorables de la pasada década fue que permitió una cierta diversificación y descentralización de la producción de animación en España. ¿Cómo ves en este sentido el panorama de la animación en las islas Canarias?
Con Año Cero formamos a más de trescientos animadores, muchos de ellos están haciendo ahora sus propios proyectos. Yo creo que la labor realizada durante estos años con Animayo y con Año Cero va hacer que en una década el panorama en Canarias sea impresionante. Ten en cuenta que el 65% del contenido de Animayo es formativo, cualquier invitado que viene aquí da una charla o realizar una masterclass. Esto está creando a los asistentes la oportunidad de ver a los mejores y aprovechar esos conocimientos. Yo creo que está generando futuro para las islas y que en breve tendremos muchísimas producciones de calidad, aunque no podemos hablar de una industria de la animación en España o en Canarias. El panorama en general está muy desestructurado, hay animadores independientes pero falta un engranaje para que todo eso ruede de forma conjunta. Lo que sí hay es mucha gente trabajando y generando ilusión y proyectos, y confío en que en Canarias acabe pasando como en el País Vasco, donde hay una gran cantidad de empresas y gente trabajando sin depender de Madrid o Barcelona. Lo bueno de Internet es que permite romper las barreras físicas. Para mí tampoco es malo que muchos profesionales se quieran marchar, porque más adelante querrán volver pero lo harán con la formación y la experiencia adquirida. También ocurre, por ejemplo, que yo haya dado clases en CalArts en Los Ángeles y en Nueva York y que en la Universidad de las Palmas en cambio no haya dado jamás una clase. Cuando acabe ese complejo que considera que todo lo de fuera es lo mejor, irán saliendo buenas cosas.
La clase que di en CalArts trataba sobre cómo realizar proyectos con poco dinero y pocos recursos, un poco a la manera "cubana" o canaria, que es también la forma en la que se trabaja en Europa. Los alumnos estaban todos encantados, la profesora me miraba pensando que se le irían todos a Europa, porque para ellos fue muy inspirador, ya que la mayoría se encuentran muy desanimados en esa escuela tan cara. Entre otras cosas que les dije, comenté que si yo tuviera 50.000 dólares, que es lo que vale al año estar allí, no me los gastaría en CalArts sino en hacer un corto. La escuela funciona para prepararte a trabajar en la industria pero si lo que quieres de verdad es ser un autor, desarrolla tu propia historia y ponte a trabajar. Hay muchos animadores españoles que están saliéndose de Pixar para hacer sus cortometrajes, porque sus ambiciones son otras, no quieren pasarse diez años animando el tornillito de Buzz Lightyear. Si reúnes el trabajo realizado por muy buenos animadores en los grandes estudios, igual lo que han hecho no pasa de una hora y además no les pertenece. En cambio, en Europa tienes autores que se han hecho ellos solos varias horas de animación con su propio material y en poco tiempo. En ese sentido creo que es importante quitarse la idea de que fuera se trabaja mejor. Yo elegí no trabajar en la industria, eso me perjudicó de alguna manera pero también tuvo sus ventajas. Si entras en un estudio grande, debes plantearte lo que quieres hacer ahí, intenta aprender todo lo que necesites y más tarde hacer tus propias cosas.

9. ¿Qué consejo le darías a otros animadores, sobre todo a los más principiantes?
Creo que es importante hacer lo que uno le guste. Como decía antes, si te planteas que quieres trabajar en una gran producción, has de ser consciente de que encargarás tan solo de realizar pequeñas partes, que igual en conjunto no llegan a completar minutos. Es lo que pasa cuando haces publicidad, ¿qué le vas a decir a tus hijos? En cambio, si miras por ejemplo a Bill Plympton, te das cuenta de lo bien que le ha ido profesionalmente. Cuando ganó el Oscar, le ofrecieron una gran cantidad de dinero para hacer cosas, y él dijo que no, que quería hacer que sus propios proyectos. Imagino que lo pasaría mal al principio, pero él está ahora como quiere. En Estados Unidos no es tan conocido como en Europa, donde lo tratamos como si fuera un dios, un poco como a Woody Allen, pero está realizando casi un largo al año y multitud de cortos.
Si tienes dinero para estudiar, vete a una escuela, pero piensa que con ese dinero podrías estar haciendo un cortometraje. Si no lo tienes, anímate y lucha por hacer lo que quieres. Cuanto más te cueste sacar adelante tu proyecto, más lo valorarás en comparación con alguien que ha tenido muchas facilidades y que a la mínima que se caiga, no será capaz de levantarse. Esto es muy importante, aprender a resistir todas las adversidades ya que este es un mundo muy difícil. También le diría a cualquier principiante en la animación que no le haga caso a los making offs que salen en los DVDs de la industria, son muy bonitos e inspiradores, pero falsos. Dejad de soñar y comienzad a hacer muchos "cutrecortos", porque llegará un día que ese "cutrecorto" ya no será tan cutre y se podrá enseñar. Así pues, ver menos y hacer más. También es fundamental leer mucho, ya que noto que cada año hay menos calidad en los guiones de las películas, mientras que la calidad técnica va aumentando, pero sin historias. Para dar alma, tiene que haber un fondo y algo que merezca la pena ser contado. La pelota que bota ya se ha contado mil veces, así que hay que buscar las historias y cuando creas que no puedes más con tu alma, hay que encontrar la motivación para seguir trabajando.

Más información:
Web de Damián Perea
Festival Internacional de Cine de Animación, Efectos Especiales y Videojuegos de Gran Canaria - Animayo

Rosa, de Jesús Orellana, acapara la atención de Hollywood

Rosa es un cortometraje realizado por el ilustrador catalán Jesús Orellana que ha despertado el interés de varias productoras norteamericanas en adaptar este proyecto de estética ciberpunk. Después de un año en la Escuela Joso de Barcelona, Orellana decidió realizar un teaser por su cuenta para un concurso de falsos tráilers, y a partir de aquí realizar el cortometraje durante un año de forma completamente autónoma. Según explica para 20 Minutos:

Más de la mitad de la producción fue aprender y cometer muchos errores. Al trabajar solo y no tener la más mínima idea del medio, improvisé sobre la marcha. Decidí crear el corto como si se tratara de imagen real: escribí un guión, hice un storyboard muy simple  y a partir de ahí fui creando planos.

La pieza se ha proyectado en los festivales de cine de Seattle, Sitges, Toronto, Los Angeles y podría verse también pronto en Sundance y entre los nominados a los premios Goya 2011.
Tanto THR como SlashFilm, entre otros medios, especulan si Orellana acabará convirtiéndose en un nuevo talento importado para la industria norteamericana y si por tanto, el largometraje se realizará finalmente.

Allison Schulnik: la belleza de la putrefacción

Allison Schulnik, fascinante tela de araña.

Allison Schulnik es una joven artista estadounidense con una breve pero muy sorprendente filmografía, que está causando una gran sensación en Internet con su último cortometraje. A pesar de diversos comentarios en Internet que la vinculan equivocadamente a Tim Burton o el cine de horror japonés, la californiana tan solo comparte con ellos una cierta fascinación por lo mórbido, pero sus fuentes y sensibilidad resultan bastante distintas. La artista finalizó sus estudios de animación experimental en CalArts en 2000 y hasta la fecha ha realizado seis cortometrajes de una gran coherencia estética, que continúan o de alguna forma prolongan su obra pictórica. Ambos soportes -la pintura y la animación- la muestran muy vinculada al neoexpresionismo y a pintores como Francis Bacon, Anselm Kiefer, Lucien Freud o Jean-Michel Basquiat. Lo interesante sin embargo es la fijación que parece sentir la autora por el kitsch, como una versión perversa del catalógo de Lladró (entre sus cuadros abundan las naturalezas muertas de flores, payasos, gnomos y animales domésticos) y como ha sabido trasladar de forma genuina este universo pictórico tan particular al ámbito de la animación.
En sus piezas de animación hay un afecto y una ternura tan solo intuida en los cuadros de Schulnik. La magistral alternancia entre fragilidad y repugnancia convierte a Mound en una de las más importantes piezas de animación de este año 2011 que se acaba.

Las espectrales figuras del cortometraje celebran, a diferencia de la intensa angustia que sienten los personajes de los infiernos de El Bosco, la descomposición de sus formas en un ritual orgiástico y colectivo. Todo en esta obra produce una extraña vibración, desde la sabia construcción del espacio-tiempo, suspendido en un más allá eterno gracias a la combinación de fondos negros, blancos y ocres, hasta el incesante movimiento de sus figuras, que recuerda los time-lapse de los documentales de naturaleza, con sus continuas referencias a las flores, los hongos y demás miembros de una botánica en putrefacción. Resulta revelador ver como la pureza de este gnomos y plantas originalmente puras e inmaculadas, de una belleza de porcelana, se ha ido contaminando con otros colores hasta desfigurar sus contornos. En este sentido el tema musical de Scott Walker, It's Raining Again, en frágil equilibrio entre el horror y el romanticismo más adocenado, aporta una importante clave de sentido: se trata de un retrato de la belleza en pleno proceso de caducidad y putrefacción, y por tanto, de lo hermosa que puede ser también la muerte y la decadencia, tal y como desvela el baile fúnebre final.

Schulnik es una bailarina frustrada; la animación le da la oportunidad de coreografiar formas al ritmo de la música.

La naturaleza turbadora: un tema muy presente en el audiovisual contemporáneo.

El bosque fantasmagórico de hongos por el que pasea uno de los personajes de Mound.

Sin duda alguna, la composición más inquietante y enigmática del cortometraje: una enorme forma arropada por una gran cantidad de seres, engulle y regurgita de nuevo dos seres que le dan .

No hay sexo ni malicia en los seres que pueblan Mound, pero sí sexualidad y horror.

Dos hermosas imágenes que evocan la intensa imaginería mexicana sobre la muerte.

Más de cien figuras abren el cortometraje.

Podrían ser las piezas de una colección de porcelanas...

Antes de llegar a Mound, Schulnik realizó varios videoclips para la banda de indie-folk norteamericana Grizzly Bear, como Hobo the Clown (2008) o Forest (2009), que ya indagaban en la sensibilidad de su obra pictórica.


Los cortometrajes que la artista realizó en CalArts (The Slaying, 1997; Vedma, 1999; Pistacchio, 2000) no se encuentran disponibles en Internet, por lo que no podemos comprobar si en ellos ya se aprecia su estilo actual, aunque es posible pensar que sea así, si nos atenemos a la sinopsis del segundo de ellos: un cuento medieval sobre una reina malvada que obliga a un bufón de la corte a suicidarse mientras baila para ella. De sus entrañas nace entonces una sustancia pegajosa que recubre todo el castillo, sublimando la maldad del lugar.
Más información sobre Allison Schulnik:
Web de la artista
Entrevista en The Huffington Post
Exposición de la artista

Nullarbor y The Renter triunfan en BAF 2011

La 18ª edición del Bradford Animation 2011, que se ha celebrado del 8 al 12 de noviembre en la localidad británica de Bradford, ha premiado los cortometraje Nullarbor (Alister Lockhart, Patrick Sarell, 2011) y The Renter (Jason Carpenter, 2011).

Otros premios fueron para A Morning Stroll (Grant Orchard, 2011) como mejor película profesional, 366 Tage (Johannes Schiehsl, 2011) como mejor cortometraje estudiantil, Miss Daisy Cutter (Laen Sanches, 2010) como mejor videoclip, Tiger (Janis Cimermanis, 2010) y The Itch of the Golden Nit (Sarah Cox, 2011) como mejores cortometrajes infantiles.

Geoff Dunbar recibió el premio al reconocimiento de toda una carrera.

BAF 2011 proyectó también Vlogger de Ricard Gras (2011) y producida por Zentropa España.