Una exposición con objetos del cineasta checo Jan Švankmajer formará parte del calendario de eventos de la V Muestra de cine Europeo Ciudad de Segovia (MUCES), que se celebrará del 17 al 23 de noviembre, contando incluso con una visita del artista a la ciudad durante esos días.
La exposición Transmutación de los Sentidos mostrará grabados, pinturas, marionetas, muñecos, carteles, y
cortos de animación del artista en el Centro Cultural La Alhóndiga del 17 de noviembre al 12 de diciembre. Švankmajer es uno de los nombres claves para entender ciertas tendencias del cine de animación contemporáneo, y su obra ocupa un lugar excepcional en la cinematografía animada contemporánea. Sus películas, muy marcadas por el surrealismo y una inclinación acentuada hacia todo lo absurdo, han influido en importantes cineastas como Tim Burton, Terry Gilliam, los Hermanos Quay y muchos otros. Además de director cinematográfico y animador, Jan Svankmajer es también artista gráfico, escultor, poeta y diseñador.
Coronación es un cortometraje realizado por Luis Junquera como piloto para una hipotética serie de animación titulada Landlords. El cortometraje ha sido creado enteramente por Junquera, excepto la música, que ha sido compuesta por Roger Subirana.
La primera edición del Festival Didáctico de Cine de Animación Anirmau, que se celebrará en la población de Lalín (Pontevedra) entre el 26 y el 30 de abril, ha decidido ampliar al 1 de diciembre el cierre de recepción de obras, tras recibir una gran cantidad de propuestas.
Anirmau es una propuesta pedagógica que busca fomentar los contenidos audiovisuales en las enseñanzas de secundaria, invitando a los alumnos a formar un pensamiento crítico, directo y consciente.
Suckers es una serie en 3D sin diálogos protagonizada por un grupo de muñecos que habitan en el interior de los coches. Ha sido realizada por la productora granadina Genoma Animation, en coproducción con BRB International, Screen 21 y Televisió de Catalunya. La serie, que tiene un formato de 108 capítulos de 2 minutos cada uno, obtuvo el premio a la mejor comedia juvenil en el MipJunior de 2009 y un tercer premio en Art Futura 2009. Suckers, se estrena hoy en el canal autonómico TV3, aunque también ha sido comprada por DisneyXDyFrance 3.
Según su director, Álex Colls, el cine de animación de la última década ha olvidado al que fue su público natural desde siempre para centrarse en un público más adulto. Su película La tropa de trapo en el país donde siempre brilla el sol, adaptación al largometraje de la serie infantil del mismo nombre, se reivindica por tanto como una película dirigida a los más pequeños, pero con la peculiaridad de que pasará a la historia de la cinematografía española por haberse convertido en el primer título español realizado en 3D estereoscópico que se estrena comercialmente.
La película ha sido producida por Anera Films, Continental Animación, Abano Producións y La Tropa de trapo, S.L. con un presupuesto de dos millones de euros, "unas trescientas veces menos que "Toy Story 3", ha declarado Colls con sorna en una entrevista a EFE.
La película, adapta las peripecias de los personajes, un grupo de animales de trapo, al formato de largometraje. Colls, que ya ganó el Goya a los mejores efectos especiales por Buñuel y la mesa del rey Salomón, ya están preparando la segunda parte de La tropa de trapo.
MEDIA está realizando una encuesta online para darle forma al nuevo programa tras 2013. Esta encuesta se dirige a todo tipo de profesionales del audiovisual en Europa y servirá para identificar las necesidades de la industria del audiovisual en Europa, especificar sus objetivos, actividades y tipos de apoyos del nuevo programa.
Como CARTOON se encuentra dentro del programa MEDIA, las resoluciones que se tomen ahora serán muy importantes para el futuro de la animación también.
Para realizar la encuesta, podéis acceder a ella a través de este enlace. http://ec.europa.eu/yourvoice/ipm/forms/dispatch?form=futureumedia
Los aspectos de la encuesta que se refieren a eventos organizados por CARTOON son el 4.1. (mercados de promoción: Cartoon Forum y Cartoon Movie) y el punto 1.1. (enseñanza a profesionales: Cartoon Masters). La encuesta finaliza el 30 de noviembre de 2010.
Cartel diseñado por Raoul Servais para el Día Internacional de la Animación 2010.
Desde 2002, ASIFA celebra cada 28 de octubre, no sin cierto chovinismo, el Día Internacional de la Animación, ya que fue el día que tuvo lugar la primera proyección pública del Teatro Óptico de Emile Reynaud, concretamente el 28 de octubre de 1892 en París.
La propuesta ha ido calando cada vez más a nivel mundial y hoy hay diversas actividades programadas en España, Colombia y Argentina para conmemorar el evento.
Madrid
La Academia de Cine proyecta hoy a las 20:30h Vampiros en La Habana de Juan Padrón y mañana viernes 29 a las 20:30 h la proyección de El regreso del viento del norte de Maite Ruiz de Austri.
La entrada es gratuita en los dos casos.
Lleida Animac Mòbil en el Cafè del Teatre a partir de las 22h, con una selección de cortometrajes. La entrada es gratuita.
Valencia
El IVAC han organizado una masterclass de animación a cargo de Grangel Studio. La clase será a las 12h en el Departamento de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia y la entrada es gratuita.
Hablar de Supinfocom - Supinfogame es hablar de una de las escuelas de animación más conocidas y prestigiosas del mundo, con un currículum de cortometrajes galardonados internacionalmente francamente espectacular.
En una conversación mantenida durante las jornadas del 3D Wire 2010 con su directora, Marie-Anne Fontenier, ésta nos confesaba que para ella "el futuro de la animación será un híbrido".
[Fontenier:] En el futuro, en quizás tan sólo diez años, la animación estará presente en todos los campos: en la medicina, en la educación, en los transportes, en los robots, que serán algo frecuente en nuestras vidas y por todas partes en la calle. No será animación en los términos en la que la conocemos actualmente sino un formato híbrido, una mezcla de técnicas.
Sobre Supinfocom y la importancia de las escuelas de animación.
[F:] Las escuelas de animación están haciendo una labor muy importante en el mundo de la animación, ya que están promoviendo la animación de autor y que los alumnos consideren el cortometraje un formato importante. La mayor parte de nuestros alumnos continúan haciendo cortometrajes fuera de la escuela, mientras trabajan, y sus motivaciones suelen ser artísticas, no comerciales. Así pues, podría afirmarse que sí, las escuelas de animación están detrás de la muchos buenos cortometrajes, pero sobre todo en su proyección hacia el futuro.
[F:] La filosofía de Supinfocom, lo que nos diferencia de otras escuelas, es que nosotros potenciamos el trabajo de grupo. Considero que la animación es una labor muy solitaria y además en Francia tenemos el problema de que los animadores suelen ser excesivamente individualistas. Nuestra filosofía reside en hacer que trabajen juntos, que colaboren entre ellos. Y puedo afirmar orgullosa que los resultados son casi siempre muy satisfactorios para ellos y para nosotros.
Sobre la animación india.
[F:] Hace poco tiempo hemos abierto una nueva escuela en Pune, en la India, para que de esta manera nuestros estudiantes de Francia puedan hacer un intercambio con los estudiantes indios, y de esta manera ellos también puedan venir a estudiar a Francia. Con esto, lo que queremos es cambiar la noción de la India como país donde se subcontrata animación por el de un país donde se produce animación original y de calidad. La India tiene un potencial humano muy grande que se hará evidente en las próximas décadas y considero muy interesante comenzar a estimular este intercambio entre estudiantes de ambos países.
Supinfocom tiene su sede principal en Valenciennes, donde se imparten cursos de animación 3D, videojuegos y diseño industrial, a la que se suma la nueva escuela en Pune. Cuenta con una delegación especializada exclusivamente en 3D en Arles. Aparte de Pune, los estudiantes pueden realizar intercambios con universidades de Vancouver, Lisboa, Singapur, Puchon y Okinawa.
La escuela está especializada en los campos de animación 3D y videojuegos, con una estructura de dos años de curso básico, donde aprenden a utilizar software, dibujo, historia del cine y del arte, y animación 2D. El curso superior dura tres años, realizando un cortometraje individual en el segundo año y un cortometraje colectivo el último año. Las pruebas de acceso consisten en una selección previa de estudiantes a partir del envío de un portfolio de trabajos y una prueba final con exámenes artísticos y entrevistas personales. Marie-Anne Fontenier es la directora y fundadora de Supinfocom, que oficialmente nace en 1988, orientada hacia la utilización de las nuevas tecnologías en la animación. En 2003 creó Supinfogame para permitr la entrada de alumnos interesados en el campo de los videojuegos. En 2009 fue nombrada Caballero de la Legión de honor francesa.
Siguiendo una tendencia creciente de directores de cine supuestamente serios que de repente se interesan mucho por la animación, uno de los directores de cine argentinos más reputados actualmente, Juan José Campanella, autor de El secreto de sus ojos, ganadora del Oscar a mejor película extranjera 2010, ha confirmado que su próximo proyecto será un largometraje de animación.
Aunque la noticia ya saltó hace un año, ahora ya se sabe que el proyecto, que por ahora se llama Metegol -la palabra usada en Argentina para denominar a los futbolines -, será el más caro de la historia del país, con un presupuesto estimado en 9,75 millones de dólares y estreno previsto para el 2012, según Variety. (La revista también afirma que "se trata de un presupuesto muy bajo para lo que es habitual en el mundo de la animación"). Campanella producirá el filme con su empresa 100 Bares, en sociedad con Catmandú y la española Plural-Jempsa.
Quizás lo más excéntrico del asunto sea la historia, que gira en torno a un joven que debe enfrentarse a jugadores de talla mundial para poder “salvar” a su pueblo y que contará con la presencia de los jugadores de un futbolín, que cobrarán vida para ayudarle. "Estamos buscando un estilo visual que no se haya visto aún en una película animada. Estamos poniendo mucho esfuerzo en eso", ha afirmado Campanella.
Nos parece sorprendente como cada vez más directores de cine, que hace tan sólo quince o veinte años no se hubieran dignado a pensar nunca en la animación como un medio serio, ahora la encuentren tan atractiva y fascinante. Definitivamente, las cosas han cambiado para bien en el mundo de la animación.
A Glass Half... es un cortometraje israelí de Ronit Zweig, una animadora de Tel Aviv con un estilo muymarcado por su uso de la rotoscopia y los referentes contemporáneos en los que ésta es usada. El cortometraje podría funcionar como una metáfora política, que muestra a un puñado de personajes siempre enfadados, de aquellos que "siempren ven el vaso medio vacío". La narración avanza cruzándose con metáforas humorísticas, como la mujer convertida en un helado, mientras habla exasperada sobre el invierno, y acaba con un cambio de tono inesperadamente optimista. Podéis ver más cortometrajes y trabajos de Ronit Zweig en su perfil de Vimeo.
La segunda parte de una de las películas más de culto de los últimos treinta años, Tron, estrena banda sonora con un anticipo de los franceses Daft Punk, un grupo que siempre ha encontrado inspiración en la estética y los sonidos de los ochenta. Tron Legacy se estrenará en España el 17 de diciembre de 2010, envuelta en la polémica de un rodaje dificultoso y una postproducción muy problemática, incluyendo una ayuda de última hora de Pixar, que ya detallaremos más adelante con motivo de su estreno.
Alex Anderson (1920-2010) en una fotografía de 1998.
Alex Anderson (1920-2010), uno de los creadores pioneros de animación para la televisión, falleció ayer 22 de octubre a los 90 años en Carmel, California, a causa de una complicación del alzheimer que padecía desde años. Anderson fue el creador de varias series de animación, entre ellas Crusader Rabbit, la considerada primera serie de animación para televisión, emitida entre 1950 y 1952 en la KNBH de Los Angeles.
Este personaje nunca fue tan famoso como la ardilla Rocky y el alce Bullwinkle, creados también por el propio Alex Anderson. Rocky the flying squirrel, emitida entre 1959 y 1964, se convirtió en una de las primeras series de animación en ser emitidas en horario de máxima audiencia. La pareja protagonista encandiló al público norteamericano, en parte a que el propio Rocky (la ardilla) venía a representar la juventud y la inocencia de América y su sintonía y efectos sonoros se convirtieron en uno de los primeros hitos de la pequeña pantalla. En 1996 Alex Anderson recurrió los tribunales para que se le reconociese como autor de la serie, que sólo figuraba como creación de Jay Ward, productor y amigo de la infancia de Anderson.
A pesar de quedar un tanto oculta bajo el éxito posterior de otras series de animación como The Flintstones, The Rocky and Bullwinkle Show sigue considerándose uno de los mejores ejemplos de animación limitada para televisión y su estilo ágil y fresco aún provoca la admiración de animadores de todo el mundo.
"Soy siete veces más fuerte que tú" es quizás la frase más conocida de la sintonía de David el gnomo (1985), una de las series de animación más apreciadas de Biern Boyd, que un día como hoy del año 1985 comenzaba a emitirse por primera vez en TVE a eso de las tres de la tarde. La "gran mentira" en realidad no es tal, sino es una supuesta incongruencia física, del hecho de que David pudiera ser siete veces más fuerte que un humano. En realidad, según la web Curioso pero inút, en realidad los gnomos deberían ser capaces de levantar 11,3 veces su peso y no sólo siete. El dato se basa en la llamada "ley cuadrado-cúbica", aunque a nosotros se nos escapa el cálculo completo. Éste es el razonamiento de la web:
La fuerza que alguien, sea humano, gnomo u hormiga, puede desarrollar está directamente relacionada con la sección transversal (el área) de los huesos y músculos que esté usando. Lo que importa es el área del músculo, pues a mayor área mayor número de fibras musculares. El peso de ese mismo ser está en cambio relacionado con su volumen. El área varía con el cuadrado del tamaño. El volumen varía con el cubo del tamaño. Si a un hombre le reducimos a la mitad todas sus medidas (la mitad de alto, la mitad de ancho y la mitad de largo), su área muscular se habrá reducido 2×2 veces, es decir, a la cuarta parte. En cambio, su peso se habrá reducido 2×2×2 veces, es decir, a la octava parte. Si antes de la reducción ese hombre podía levantar su propio peso, ahora podrá levantar el doble de su propio peso, pues su fuerza se ha dividido por cuatro pero su peso por ocho. Una nueva reducción a la mitad hará que su fuerza se divida otra vez por cuatro y su peso otra vez por ocho, con lo que comparando con la fuerza inicial tendrá 16 veces menos fuerza pero 64 veces menos peso. O sea, que ahora podrá levantar no el doble sino el cuádruple de su peso. (…) Si a una persona que sólo puede levantar una vez su propio peso la reducimos hasta que mida 15 cm de alto, podrá levantar 11,3 veces su propio peso. David el Gnomo sólo podía levantar 7 veces su propio peso. O sea, que era un maldito enclenque y la frase “soy siete veces más fuerte que tú”, un vulgar farol.
Carlos Kuri, rodeado por los animadores de Héroes verdaderos.
México celebra este año el bicentenario de su independencia con la película Héroes Verdaderos: episodio de la Independencia, creada por el estudio White Knight Creative Productions y dirigida por Carlos Kuri. La película ha sido realizada un tanto a contracorriente en 2D tradicional, un estilo que cada vez más raro de encontrar en la animación actual, y que evoca al cine de animación de los 90, ampliamente dominado por los estudios Disney. La admiración de Kuri por el estilo disneyano le llevó a contar con la presencia de Scott Peterson, un animador norteamericano que había trabajado en Disney y adaptar un par de números musicales en la película. La película, estrenada el pasado 24 de septiembre con 400 copias, está teniendo una vida comercial más bien discreta.
El estudio barcelonés de stop-motionCitoplasmas nos presentan un avance de su próximo proyecto Cuentos del Horizonte, una serie sin diálogos protagonizados por las nubes y los astros celestes, que se despiertan en cada historia sobre diferentes paisajes naturales, viendo como el hombre irrumpe en ellos poniéndolo todo patas arriba. Al final de cada historia, los astros enseñan al hombre a integrarse en el planeta y restaurar la tranquilidad del horizonte.
La serie, todavía en preproducción, tiene un target de 2 a 4 años, estará dirigida por Irene Iborra y cuenta con la distribución de Osibis.
Con el inicio de década, diversos países latinoamericanos, como Costa Rica o Colombia, parecen incorporarse a gran velocidad a la animación 3D en formato de largometraje. El caso más llamativo es el de "Meñique" el primer largometraje cubano en 3D, que será dirigido por Ernesto Padrón. Heidy Curbelo (La Habana, 1980), que trabaja como diseñadora, modeladora y animadora en la película, representa a una nueva generación de animadores cubanos que, sin despreciar la prestigiosa tradición de animación en la isla, se interesan también por las nuevas tecnologías. En esta entrevista hablamos con ella sobre el 3D, el futuro de la animación cubana y el papel que desempeñará en la animación mundial.
Meñique y la Princesa Denise, personajes de "Meñique"
Diseños: Homero Montoya, Heidy Curbelo - Modelo 3D: Heidy Curbelo - Texturas: Rafael Díaz Cue
1. Cuba posee una rica cultura cinematográfica, y algunos autores de prestigio internacional como Juan Padrón. ¿Qué fue en tu caso lo que te llevó a interesarte por la animación?
Yo soy diseñadora industrial de formación. Me gradué en el Instituto Superior de Diseño de La Habana y ahí descubrí el 3D y me enamoré de él. En aquellos tiempos el uso de esta técnica era muy incipiente e incluso en el instituto se utilizaba muy poco. Sin embargo y por lo mucho que me gustaba siempre continué ejercitándolo y para mayor dicha en mi curso llegó la primera propuesta de un proyecto de tesis que requería del 3D, así que la desarrollé en diseño de efectos especiales para espacios virtuales. Esta fue una gran oportunidad para mí, pues estuve vinculada a una empresa de simuladores profesionales (SIMPRO) en donde aprendí muchísimo de 3D y algo de animación (aunque aún nada que ver con el cine), pues un simulador viene siendo como un juego y los efectos especiales requieren en gran medida de diseño y animación. Ahí supe que quería trabajar en algo relacionado con el mundo virtual así que cuando me gradué fui a pasar el servicio social en la Universidad de las Ciencias Informáticas (UCI), en el Grupo de Creación Digital del Departamento de Diseño.
Casa de centro de La Habana para "Meñique"
Diseño: Reynerio Tamayo - Modelo 3D: Heidy Curbelo - Texturas: Delonys Talavera
Ahí aprendí otro tanto, pues tuve la oportunidad de compartir con un equipo multidisciplinario en el que también se utilizaba el 3D. El equipo era muy entusiasta y las relaciones eran muy favorables por lo que se establecía una retroalimentación muy enriquecedora tanto en el tema profesional como en las relaciones personales, siempre nos divertíamos mucho y a todos nos encantaban las películas de animación y soñábamos con participar algún día en una de ellas. Una vez participamos en un videoclip en el que animé a un raro personaje surrealista que era una especie de locomotora con largas patas de jirafa, toda una locura y mi primera animación de un personaje. Esto me dio mucho ánimo y agudizó mi entusiasmo por la animación, que era una semillita que ya tenía sembrada desde hacía tiempo, pues siempre admiré mucho este trabajo. En el departamento a otros tantos les sucedía parecido así que entre lo que yo ya traía y el entusiasmo del equipo nos estimulábamos unos a otros. Imagínate que nosotros veíamos las películas de animación una y otra vez (sobre todo las de 3D), y nos poníamos a debatir cómo habían solucionado tal o mascual plano, que si esta animación debía haber costado más trabajo que aquella, que tal diseño de personaje era extraordinario, en fin, era todo un espectáculo más allá de lo que ya de por sí lo es una película. Todos soñábamos con hacer nuestros propios cortometrajes de animación 3D, y hasta teníamos algunos guioncitos, pero el proceso de producción no es tan sencillo como parece y por falta de tiempo y recursos no habíamos llevado a término nada concreto. En ese momento no imaginábamos que el hacerse realidad nuestro sueño estaría tan cerca.
Bueno, para no hacerte más larga la historia, a Reynier Saavedra, uno de estos muchachos, le proponen trabajar en Meñique, y como hacían falta más profesionales del 3D, él nos propone a algunos de nosotros y así es como llego a los Estudios de Animación del ICAIC. Ahí para qué contarte, yo me sentía en otro mundo. La preparación del proyecto, los diseños, los animadores, yo lo veía todo mágico. Esto me dio un impulso aún mayor que el que yo ya traía, y al involucrarme de lleno en el proyecto ya no sólo modelando sino diseñando personajes y dirigiendo el equipo 3D me hizo darme cuenta de que definitivamente el mundo de la animación era lo mío.
Salón del Tesoro de "Meñique"
2. Cuba, por su historia, ha recibido la rica influencia de la animación de los países del este de Europa. ¿Cuáles han sido tus principales influencias?
Es indiscutible que la animación norteamericana está presente en el ejercicio de cualquier profesional del género, ya sea como influencia o como referencia, pues sin hablar de la enorme difusión de sus animados, hay que reconocer, admirar y estudiar a quienes llevan décadas de estudio y evolución del cine de animación. Tal es así que hoy son clásicos los productos de Walt Disney, con un riguroso trabajo en la animación tradicional, y ya se convierten en referencia obligada los animados de la hoy tan prolífera y cada vez más especializada Pixar, que continúa experimentando y desarrollando la animación en tercera dimensión.
No obstante y como señalas, por nuestra historia, crecimos viendo mucha animación del este de Europa. ¿Qué cubano de mi generación no recuerda con nostalgia los “muñequitos rusos”? En aquel momento recuerdo que nos parecían densos, de hecho muchos lo eran, pero hoy son codiciados por los animadores cubanos y son también referencia de muchos. Creo que ahora somos capaces de admirarlos con una visión crítica mucho más madura y consciente, y hay mucho en ellos para aprender: de animación, de recursos expresivos, de técnicas de representación, de la cadencia en la puesta en escena, del trabajo de arte; en fin, aspectos que no se explotan de la misma manera en la animación norteamericana, ya sea por diferencias económicas como de idiosincrasia.
Carreta para "Meñique" - Diseño: Tulio Raggi - Modelo 3D: Heidy Curbelo - Texturas: Alejandro Rodríguez
(Diseño del mulo: Modelo: Yimit Ramírez - Texturas: Rafael Díez Cue)
Yo creo que tengo un poquito de todo eso, casi siempre el resultado depende de los requerimientos de la obra y de la visión del director, sobre todo cuando se trabaja por encargo. Ahora, en lo personal, me gustan mucho los diseños y la animación francesa, tiene mucha fuerza y los diseños son muy atrevidos, los deforman y exageran dándote a veces la naturaleza del personaje sin mover un dedo. Me gusta mucho su trabajo de arte y la soltura aparente de su estética, “descuidando” incluso a veces el acabado, cosa que actúa también en el espectador conformando y acentuado la atmósfera que ellos desean. Me parecen espectaculares en el trabajo de arte. En este aspecto hoy son referencia indiscutible los animados de Gobelins, la importante escuela francesa, que se alza cada vez con más fuerza graduando profesionales del género cada vez más creativos y competitivos, y cada vez se torna más riguroso el festival de Annecy, también de Francia, por la fuerza y la calidad que el animado europeo (aunque participa no solo Europa) continúa desarrollando.
Modelo para "La muñeca negra", cortometraje 3D que será dirigido por Nelson Serrano.
3. En los últimos dos años América Latina parece estar recuperando cierto terreno perdido en el mundo del 3D, con largometrajes en producción en México, Argentina y Costa Rica y ahora también en Cuba. ¿Es el 3D imprescindible para que Latinoamérica recupere su importancia internacionalmente o lo consideras una técnica más?
No creo en lo absoluto que el éxito o el reconocimiento dependan del 3D ni de cualquier otra técnica, aunque a mí ésta me gusta mucho. El 3D no es más que otro lápiz para dibujar u otro pedazo de plastilina para modelar. Es, como dices, una técnica más. De hecho se han realizado muchas películas en 3D que no han trascendido. Pienso que lo fundamental es tener una buena historia y una buena puesta en escena, y claro, el ingenio con el que se lleve a cabo la propuesta es muy importante. Aunque el 3D representa indiscutiblemente un avance tecnológico que supone una visión de actualidad y futuro que atrae la atención de muchos, pienso que la creatividad y el deseo de hacer cosas buenas va más allá de los recursos disponibles, aunque es cierto que sin estos se pasa más trabajo.
En cuanto a Latinoamérica, fíjate en el cine de ficción latinoamericano, que ha ganado mucho espacio en los últimos años y la calidad de sus propuestas es indiscutible, sin embargo los recursos para su realización continúan siendo escasos. Creo que lo mismo podría suceder con el cine de animación, pero no creo que dependa del 3D.
Un ejemplo muy ilustrativo es el caso de “20 Años”, que es un cortometraje realizado con la técnica de stop-motion. El corto se hizo con muy pocos recursos, sin embargo, el resultado es sorprendente, porque tiene una buena historia que además trasciende fronteras, y el rigor técnico y la dirección artística es exquisita. Aquí tienes un producto latinoamericano que aún está recorriendo el mundo y que ha sido merecidamente reconocido y premiado internacionalmente. Es un ejemplo de lo que te digo de la creatividad, del rigor y de la voluntad de hacer algo bueno, independientemente de la técnica utilizada.
Interior del cuarto del rey de "Meñique"
Modelo: Felipe González - Texturas: Alejandro Rodríguez, Delonys Talavera, Heidy Curbelo.
4. Has trabajado en el diseño de personajes de diferentes producciones y distintas técnicas, tanto stop-motion ("20 años") como 3D ("Meñique"). ¿Crees que existen diferencias a la hora de diseñar personajes entre técnicas? ¿Consideras que se ha de tener en mente cómo se animará el personaje para realizar su diseño?
Bueno, en el caso de “20 Años” los diseños de personajes son de Bárbaro Joel Ortiz, su director. Lo mío en este corto fue el diseño y animación de un par de efectos digitales. En “Meñique” sí me enfrenté al diseño de personajes que antes habían estado concebidos para 2D y que sufrieron cambios al determinarse llevarlos a la tercera dimensión. Y con esto ya vamos viendo que sí ha de tenerse en cuenta la técnica y el estilo de animación para diseñar un personaje y para construirlo. También la estética de la película lo condiciona, así como los recursos y el tiempo de producción influyen mucho.
En el caso de las técnicas te pongo el ejemplo de la princesa de “Meñique”, que tenía un largo y coposo pelo suelto para ser animado en 2D, sin embargo para el 3D decidimos que era mejor recogerlo en una cola que facilitara el trabajo de animación. Así mismo sucede con el vestuario de los personajes. Las largas telas colgando así como el pelo realista suelen dificultar el proceso de producción y la animación, cosa a la que también hubo que prestarle atención en “Meñique” y determinar el estilo de diseño. En el caso de la animación 2D, sin embargo, lo que se tiende es a optimizar el nivel de detalles en el diseño de los personajes, porque de dibujo a dibujo es más difícil mantener la limpieza y lograr la fluidez en los movimientos y los escorzos, pues ahí todo es dibujado (o animado en flash u otra técnica digital, pero igualmente bidimensional). Las texturas y los colores en estas técnicas 2D también tienden a ser planos por la misma causa, cosa que en el 3D y el stop-motion no suponen un problema, pues una vez aplicados no hay que tocarlos más, solo animar y todo se mueve a la vez.
El cómo se animará el personaje también influye y a veces es incluso determinante. Desafortunadamente a esto no siempre se le presta toda la atención y esto puede dar lugar a futuros retrasos por modificaciones imprevistas. Todo lo que pueda conocerse de antemano de la obra es fundamental en una producción. Es por eso que es tan importante un buen trabajo de mesa y un storyboard bien definido. Es como saber adónde vas, para decidir qué ropa ponerte: unas veces se precisa de elegancia, otras de comodidad, o incluso ambas y a romperse la cabeza. Lo que no puede limitarse nunca es la creatividad.
Personaje del Edecán para "Meñique"
Diseño 2D: Ernesto Padrón, Homero Montoya - Diseño 3D y Modelo 3D: Heidy Curbelo - Texturas: Rafael Díaz Cue
5. ¿Qué impacto tendrá Meñique dentro de la propia animación cubana? ¿Habrá un antes y un después?
Creo que ya está habiendo un antes y un después dentro de los propios Estudios de Animación del ICAIC. El problema de las técnicas nuevas es romper el hielo, claro está, con calidad. Al 3D se le tenía mucho miedo en los estudios, pues todos lo veían frío y falto de gracia. Es cierto que lo primero que se hace en 3D son cositas medio cuadradas y animacioncitas lineales y medio tiesas. No obstante el 3D es mucho más que eso, y si se explora y se explota, sus potencialidades son inmensas. Pero hasta el momento en Cuba eran pocos los productos con calidad y casi no se conocían. Salvo estos casos aislados de especialistas empíricos, el panorama del 3D cubano de manera general no era de confianza para los estudios, y en ese momento no se había interesado en formar un equipo de 3D. Pero Ernesto Padrón quiso incorporar algunos elementos y a nosotros llegaron a través de Reynier Saavedra, al que le propusieron trabajar en la película y que luego nos reclutó a otros tantos. Fue entonces y luego de ver nuestro trabajo que en los estudios se comenzó a apreciar el 3D y a creer que sí se podía, sin verlo como un imposible, aunque se sabía que no sería fácil.
Por fortuna para la película (y para nosotros en cuanto a superación y especialización se refiere) desde el principio contamos con diseñadores que nos impusieron un gran reto artístico a la hora de llevar aquellos primeros diseños 2D, con locaciones abarrotadas de detalles por el genial Tulio Raggi o muy frescas y desenfadadas diseñadas por el artista plástico Reynerio Tamayo, a modelos 3D igualmente “cálidos y vivos”. Poco a poco fueron saliendo entonces una serie de modelos muy buenos que llenaron de confianza al equipo de dirección, que posteriormente decidió hacer la película totalmente en 3D, incluyendo los personajes. Por esta razón, como te comenté anteriormente, los personajes sufrieron cambios de diseño que también fueron muy apreciados, y luego de modelados y texturizados hicieron reflexionar a los escépticos de antes.
Ya hoy en los estudios el 3D no es mal visto, por eso te dije que ya estaba habiendo un antes y un después, y se está solicitando e incluyendo esta técnica en otras producciones en las que con orgullo también participo. Así que me imagino que el entusiasmo de los animadores cubanos crezca aún más cuando “Meñique” esté en los cines, que será además algo que celebraremos, con satisfacción, todos los que participamos.
"20 años", cortometraje dirigido por Bárbaro Joel Ortiz.
6. Has trabajado como diseñadora en uno de los cortometrajes más hermosos salidos en los últimos años de la animación cubana, el extraordinario "Veinte años" de Bárbaro Joel Ortiz. ¿Qué retos te supuso este proyecto?
Uff..!!! 20 Años, “uno de los cortometrajes más hermosos salidos en los últimos años de la animación cubana”, tal y como dices. Ante todo tengo que decir que siento un gran orgullo de haber tenido la oportunidad de trabajar en un proyecto tan lindo, al que llegué prácticamente por casualidad.
Imagínate que yo fui a parar un día al local en donde se encontraba el set de filmación del corto acompañando a un amigo, como te dije, de pura casualidad. En cuanto vi el escenario me quedé maravillada. Los mueblecitos, los personajes, los detalles tan minuciosamente cuidados, no te puedo explicar los que sentí, pero estaba anonadada. Entonces, con un tanto de timidez pero no menos atrevimiento le pregunté a Bárbaro Joel (a quien veía por primera vez) con mucho cuidado y respeto, que si él me permitía llegarme de vez en cuando a echar un vistazo, pues no quería perderme cada nuevo detalle que apareciera (todo esto sin imaginarme que yo acabaría participando, pues nunca había tenido que ver con el stop-motion y yo no tenía idea de que se necesitaría el 3D). Joel es una persona muy noble y extraordinariamente sencilla, y accedió sin reparo alguno. Así comencé a ir a menudo y a mantenerme al tanto del proyecto, así como Joel comenzó a interesarse por mi trabajo y las relaciones poco a poco se fueron estrechando. Él se reía luego de mí burlándose jocosamente de cómo yo al principio lo trataba de usted y cómo a él le molestaba hasta que me pidió que dejara de hacerlo, cosa que me costó un poco de trabajo, pues yo lo veía (y aún lo veo) como un gigante de quien no puedo más que aprender.
Para no divagar, un buen día Joel me comenta que necesitaba hacer una gota de agua cayendo y que en stop-motion le sería muy engorroso hacerlo, y me pregunta que si creía que se podía en 3D, pero que tenía que ser bien coherente con el resto de la película, que si a mí me interesaba y si lo podía hacer. Imagínate preguntarme aquello, y yo que estaba enamorada del proyecto. Accedí de inmediato viendo las puertas del cielo abiertas y me propuse cumplir con sus expectativas a como diera lugar. Esto fue, no obstante, un reto bien grande para mí, tanto por el nivel técnico que requería como por el temor de no cumplir las expectativas de quien tanto admiraba, que además era uno de los escépticos con respecto al 3D, pues en varias ocasiones me confesó entre sonrisas que solo se atrevió a pedirme aquello después de conocerme mejor, de haber visto mucho de mi trabajo y de darse cuenta de que soy muy quisquillosa. Esto me dio gracia por lo de quisquillosa, pero por supuesto que me hizo sentir muy orgullosa y a su vez inmensamente comprometida.
Ahí puse manos a la obra y me metí de a lleno en algo a lo que nunca me había enfrentado: simular el stop-motion con el 3D. Lo primero fue lograr que aquella gota tuviera la apariencia imperfecta del resto de los elementos, que se viera real pero caricaturizada, más densa que el agua común, como una gota hecha de un material real para ser luego animada, como de silicona o algo así. Luego me enfrasqué en la animación, que debía quedar igualmente “imperfecta” para que fuera perfecta. Y luego vino la iluminación y el ajuste de cámara, no menos complicado. Lo mismo ocurrió con el plano del reflejo en el charco: modelado, animación, iluminación, todo aquello intentando simular la tan particular realidad del cortometraje. Por supuesto que pasamos por etapas de prueba y ensayo, y terminamos renderizando de corre corre dos días antes de que había que entregar el DVD terminado, en medio del proceso de edición, en el que también metí las narices junto a Joel (jeje) Todo debía estar minuciosamente cuidado para que el uso del 3D no fuera un intruso en medio de toda aquella belleza artesanal. Sinceramente no fue fácil, así que espero que haya funcionado.
7. Desde tu punto de vista, ¿qué es lo mejor y lo peor que está pasando en el panorama de la animación internacional? ¿Y en la animación cubana?
Lo mejor es que hay talento joven con muchas ganas de hacer, y algunos espacios y festivales que promueven y premian los trabajos de animación. La animación para adultos también toma auge y es un género que muchos agradecemos. Lo peor es que sigue existiendo el "facilismo" en algunos casos, y los bajos presupuestos también atentan contra la calidad de los productos. En Cuba sucede algo parecido. Hay que confiar en los nuevos talentos y destinar más espacios a los trabajos de animación. No obstante creo que de manera general se puede esperar un futuro bien animado.
Favelas de "Meñique"
Diseño: Reynerio Tamayo - Modelos 3D: Heidy Curbelo, Delonys Talavera, Manuel Alejandro Capdevila
8. ¿Qué consejo le darías a cualquier otra persona que quisiera seguir tus pasos y entrar en el mundo de la animación?
Lo primero que les diría es que tengan voluntad y ganas de hacer. El ICAIC convoca cada cierto tiempo a cursos de animación tradicional (2D) y en ocasiones propone a los mejores del curso trabajar para los estudios. En el ICRT también se abren a veces convocatorias para cursos de animación tradicional, y hace un tiempo se impartió un curso de stop-motion. Estas convocatorias no tienen mucha divulgación así que hay que cazarlas.
En cuanto al 3D lo más recomendable es la autosuperación, y el contacto con amigos que dominen la técnica: preguntar y hacer, hacer y preguntar. En Cuba el 3D solo se imparte como asignatura complementaria en carreras de diseño o similares, o en cursos básicos del CENSAI para profesionales de centros específicos. No hay hasta ahora una escuela cubana de 3D, y en el ICAIC solo se ha impartido para capacitar a los propios animadores para producciones que lo requieran. Pero esto no es usual, normalmente se busca personal que ya domine la técnica. Así que hay que aprenderlo de forma autodidacta. No sé si en un futuro se habiliten cursos de 3D, como hoy se hacen los de animación tradicional. Esperemos que sí.
Damián Perea, uno de los nombres más activos de la animación canaria, es el responsable de Una luz en el océano, un cortometraje realizado para la candidatura de Las Palmas 2016 a capital de la cultura europea que ha sido grabado con una cámara RedOne. El cortometraje podría describirse como un documental-futurista, muy influenciado por películas como AI (Inteligencia Artificial, 2001, S. Spielberg), y se ambienta en una hipotética ciudad de Las Palmas de Gran Canaria en el año 2066, donde los seres humanos conviven en equilibrio con robots y se ha alcanzado un equilibrio sostenible con el medio ambiente.
El cortometraje fue realizado en cuatro semanas, de las cuales tres se dedicaron exclusivamente a labores de postproducción.
Con una recaudación récord de 54 millones de euros (3343 millones de rupias), en un país con cifras que suelen ser de récord, Enthiran (The robot, 2010, S.Shankar) se ha convertido en la película más taquillera de la India, sorprendiendo a los analistas del cine indio. El fenómeno de Endhiran no es fácilmente explicable para ojos occidentales, ya que se trata de una película que combina la más pura tradición bollywoodiense -con la superestrella más cara de la India, el actor Rajinikanth-, junto a la animación y los efectos especiales más propios de películas como The Matrix (1999, Andy Wachowski, Lana Wachowski) o I, Robot (2004, Alex Proyas).
La película tardó dos años en realizarse, con el presupuesto más elevado hasta el momento para una película india (25 millones de euros), del que un 35% fue destinado exclusivamente a los efectos especiales. El enorme éxito del film podría reorientar una buena parte de la gigantesca producción india -en 2009 la India produjo 1288 largometrajes- hacia la animación y los efectos especiales, repercutiendo de manera exponencial sobre su propia industria de la animación.
El cambio de registro de Zack Snyder (300) en Ga'Hoole. La Leyenda de los Guardianes (2010) en realidad no es tan grande como en un principio cabe suponer. Ambos títulos muestran la pasión de su director por historias de corte épico y la parafernalia militar de Ga'Hoole en realidad no está muy alejada de la de 300.
La película narra la historia de Soren, un joven búho que trata de salvar a la comunidad del reino de los búhos, de las fuerzas del Mal -una metáfora del fascismo-, que amenazan con destruir la paz del bosque Tyto. Para evitarlo, Soren tendrá que buscar el gran árbol Ga'Hoole, y allí someterse a una serie de pruebas, con las que aprenderá a convertirse en una lechuza honesta, valiente, sabia y sincera.
La película no ha conseguido muy buenas críticas en los Estados Unidos, donde han valorado la excelente calidad técnica de la animación y la puesta en escena, pero que no consigue salvar una historia rígida y maniquea. Animal Logic, responsables de Happy Feet (2006, G. Miller, W. Coleman), se han encargado de recrear el universo épico de Ga'Hoole, en lo que ha constituido un reto técnico muy superior al de recrear a los pingüinos en el Ártico, teniendo en cuenta la elaborada atmósfera visual de la película. El equipo de Animal Logic tuvo que encontrar un equilibrio entre la tendencia natural de los animadores hacia los aspectos más caricaturescos de la animación y el hiperrealismo casi documental deseado por el director. El aspecto técnico más importante de la película, y quizás su mayor contribución al desarrollo del 3D, fue el sistema de plumas, desarrollado en software propietario, para que fuese realista y coherente con todos los ambientes y situaciones en los que estaban presentes (escenas de viento, nieve o choques entre lechuzas).
La animación de los ojos también planteó algunos retos al equipo de animadores, ya que a diferencia de las lechuzas y búhos, que giran la cabeza cuando quieren mirar algo, los animadores encontraron que esto hubiera hecho muy difícil la empatía entre los protagonistas y los espectadores, por lo que finalmente los animales mueven los ojos de una forma bastante humanizada.
Alma, uno de los cortometrajes españoles más comentados y premiados del 2009, parece que acabará convirtiéndose en un largometraje producido por DreamWorks. Esto es al menos lo que afirma Hollywood Reporter, que asegura que Rodrigo Blaas se encuentra en negociaciones actualmente y que él mismo dirigiría la película, bajo la dirección ejecutiva de Guillermo del Toro. Por otra parte, Blaas codirigirá Trollhunters junto al director mexicano. Alma fue realizada por Rodrigo Blaas con equipo completamente español mientras trabajaba en Pixar. En Animaholic entrevistamos a Jonatán Catalán, que se encargó de la iluminación de Alma.
La confesión de Sajud es un cortometraje de humor negro ambientado en una especie de palacio eclesiástico en el pasado, con tres únicos personajes: Saduj (Judas al revés), un obispo y un gato. Su autor, el argentino Juan José Surace deja bien claras las intenciones de la obra, afirmando que el cortometraje
pretende profundizar sobre el legado histórico que nos han dejado las instituciones eclesiásticas a nivel individual: el sentimiento de culpa. el temor a Dios o en su defecto al infierno, la necesidad de sentirnos perdonados por nuestros “pecados”. A la vez que critica a los que se sienten capacitados para redactar y sentenciar lo que es moralmente apropiado, aun sabiendo que ellos son incapaces de cumplir con estos preceptos.
MEDIA acaba de abrir nuevas convocatorias de ayudas al desarrollo para proyectos de ficción, animación y documentales para cine y televisión.
Las ayudas sólo se dirigen a cubrir los costes de la fase de desarrollo del proyecto, e incluyen dos modalidades: proyectos individuales, con ayudas entre diez mil y ochenta mil euros; y las ayudas para desarrollo de catálogo (entre tres y seis proyectos), que van desde los setenta mil euros a los ciento noventa mil.
La fecha máxima para la presentación de proyectos es el 29 de noviembre de 2010. Más información en la página oficial de MEDIA.
Édouard Salier es un creador interdisciplinar francés, que opera en el campo de la publicidad, el motion-graphic y la animación, conocido sobre todo por sus videoclips para bandas como Orishas, Air y Massive Attack, pero que en los últimos tres años ha ido reconvirtiéndose en uno de los autores franceses más interesantes de la animación contemporánea. Es a partir sobre todo de sus cortometrajes independientes donde Salier ha ido desarrollando un estilo críptico, pero repleto de obsesiones recurrentes, en las que el panorama político actual es contemplado con un pesimismo oscuro y agobiante, pero sin perder la fuerte influencia del lenguaje del videoclip.
Quizás una de las piezas más interesantes de Salier sea su díptico Flesh/Empire (2010), que son los que mejor definen la posición actual de su autor. Ambos trabajos parten de la contraposición entre la América herida tras el 11-S y una cierta visión idílica de los Estados Unidos a través de su iconografía audiovisual. Flesh es sin duda la obra más impactante del conjunto, pues ficcionaliza un apocalíptico 11 de septiembre de 2001, mientras sobre las fachadas de los rascacielos neoyorquinos aparecen proyectadas escenas de pornografía soft-core. Este trabajo viene precedido por las enigmáticas líneas de su autor "El Imperio lo destapa todo pero no ve nada. Sus enemigos lo idealizan todo pero no toleran nada. Para algunos, el orgasmo terrenal de las putas virtuales. Para otros, el orgasmo eterno de las vírgenes celestiales de los 70. ¿Qué ocurriría si todo se hiciera carne?"
Empire fue realizado antes que Flesh y avanza alguna de las ideas del siguiente trabajo. Yuxtaponiendo una idealizada visión de la América de los 50, a través de las imágenes de la comodidad doméstica que ofrecía la televisión de la época, toda una serie de maquinaria militar se sobreimpresiona y deforma estas imágenes como si fuera una lente.
Como un díptico indisoluble pueden considerarse también los dos videoclips que Salier ha realizado para el disco Heligoland de los británicos Massive Attack.
El primero de los videoclips, Splitting the Atom utiliza la técnica de la cámara virtual que se desliza dentro de un fotograma congelado, para mostrar algo así como el último día de la humanidad, con una estética muy cercana al sonido pesimista, nostálgico y elegante de la banda de Bristol.
Atlas Air funciona como una precuela del videoclip anterior y desarrolla más el personaje del conejo blanco demoníaco que acaba con la humanidad y que aparece al final del videoclip anterior. Aquí el ritmo es casi asfixiante, con fotogramas intercalados muy rápidos e inquietantes. Tal y como afirma el propio Salier: "Decidí realizar una precuela de Splitting the Atom, a la vez que dejaba una interpretación abierta al espectador que de alguna manera se mezclada con el sentido real del texto y la canción de Del Naja. La canción va sobre la rendención, y esto fue de alguna manera una inspiración".
Salier también es autor de algunas piezas publicitarias muy conocidas, como el anuncio de Coca-Cola de los Mundiales de Fútbol de 2010 o su trabajo para Nike. Sin ser tan personales como las obras vistas aquí, es fácil reencontrar algunos aspectos visuales en ellos que también aparecen en sus otros trabajos, como el aspecto sucio y polvoriento de la imagen, y el aspecto inquietante que dan los brillos y reflejos de las rocas y las piezas cortantes.
Para acabar, nos quedamos con su trabajo más complejo hasta la fecha, Four (2008), una pieza en la que están presentes todas sus obsesiones y la que mejor define su estilo y que obtuvo el primer premio en el Circuito Off de Venecia y en la Semana de Cine Experimental de Madrid.
La XXXI Mostra de Valencia ha entregado hace escasos minutos la Palmera de Oro a Peter Lord en la gala de clausura del festival. Lord, que es co-fundador de los estudios Aardman y sobre todo, el creador de Wallace y Gromit y director de Chicken Run (Evasión en la granja, 2000), confesaba en su perfil en twitter:
Me encuentro en un teatro de Valencia, me van a dar un premio. De repente, muy nervioso - (...) Pequeño ataque de pánico en el escenario. Las palabras de agradecimiento me salieron de una forma un tanto incomprensible.
La ceremonia se ha celebrado el Teatro Principal de Valencia.
Flying Lotus es una banda norteamericana experimental multigénero que editó su primer disco en 2006. Este videoclip para su disco Cosmogramma ha sido realizado por Mike Winkelmann, un activo diseñador gráfico del estado de Wisconsin que ha creado una gran cantidad de piezas de animación experimental 3D bajo el nombre de Beeple. La pieza, sin ser una gran maravilla, es interesante y tiene cierta personalidad, y sirve como ejemplo de la expansión gráfica actual de la animación 3D.
Un artículo de la revista La Civiltá Cattolica en el que se afirma que Los Simpsons es la serie de animación que mejor refleja los valores católicos, ha sido comentada positivamente por L'Osservatore Romano. El periódico vaticano afirma que "tras cada episodio, detrás de la sátira y las bromas, se abren temas antropológicos ligados a los sentimientos y a la calidad de vida". Lo más chocante, tal y como refleja el periódico Público, es que el capítulo analizado, "The Father, The Son, and The Holy Guest Star" (capítulo 21 de la 16ª temporada, "Padre, hijo y santo invitado"), no sea precisamente muy benevolente con los católicos y el catolicismo: al final del capítulo, Marge, junto al religioso Flanders y al reverendo, impiden que Homer y Bart tomen la comunión católica. No olvidemos que los Estados Unidos es un país principalmente protestante y evangélico.
Aunque sorprende que las más altas esferas eclesiásticas vaticanas hayan dado el visto bueno a la serie, quizás lo más beneficioso de todo sea que han definido un nuevo concepto de lo que es una serie religiosa, definitivamente muy alejada de toda la enorme cantidad de productos televisivos trasnochados, la mayor parte de ellos inspirados en la Biblia.
El Tesoro del Rey Midas, la última película de la productora extremeña Extra, ha sido seleccionada en la competición oficial de Expotoons, el festival de animación de Buenos Aires que se celebra del 30 de noviembre al 2 de diciembre.
La película se estrenará en España el 5 de noviembre.
En la edición de hoy de El País se publica una entrevista con Isabel Herguera, que se encuentra impartiendo un curso de animación en el National Institute of Design de Almedadad, en el Estado indio de Guyarat. Fue en esta ciudad donde la autora vasca encontró la inspiración para realizar su último cortometraje, Ámár, que ha sido "lo más narrativo que he hecho hasta ahora y lo más difícil."
Era un reto para mí. Contar una historia es un arte extraordinariamente dificil de dominar. La experimentación es una actitud que conlleva riesgos económicos. Para muchos, es un gran sacrificio. En mi caso, me causa tanto placer hacerlo que sigue siendo algo positivo. (...) [En Almedadad] He recuperado el hábito de volver a salir a dibujar a la calle. Aquí hay gente con mucho talento. Es muy inspirador trabajar con personas tan receptivas e interesadas por lo que se hace en Occidente. Es un lugar donde experimento mucho, una especie de laboratorio.
Brenda Chapman deja la dirección de "Brave" y se marcha de los estudios Pixar.
Según informa Cartoon Brew, Brenda Chapman, la que iba a ser directora de Brave (anteriormente llamada The Bear And The Bow), se ha marchado de los estudios Pixar, y que al parecer ya la semana pasada fue apartada de su posición como directora de la película, aunque el cambio parecía inevitable desde hacía tiempo. Al parecer y siempre según el citado blog, Mark Andrews (co-director de One Man Band) la habría sustituido en el puesto.
La noticia tiene relevancia porque Brenda Chapman iba a ser la primera directora en dirigir un largometraje en Pixar.
La 43 edición del Festival de Cine Fantástico de Sitges ha otorgado una mención especial a Vicenta, el último cortometraje de Sam (Conflictivos Producciones). La siguiente secuencia corresponde a una parte intermedia del cortometraje, que funciona como homenaje a Frankenstein y también como punto de inflexión muy importante dentro de la historia.
Dentro de la sección Anima't, el festival consideró Jackboots on Whitehall de Edward McHenry y Rory McHenry como el mejor largometraje de animación.
Une nouvelle vie de Fred Joyeux se llevó el premio al mejor cortometraje de animación (lo podéis ver íntegramente en la web de su autor).
El mejor largometraje de animación para niños fue The ugly Duckling, de Garry Bardin.
Barack Obama se ha convertido en un personaje de animación 3D, junto a una buena parte de la clase política norteamericana (Sarah Palin, Bill Clinton o el mismísimo Ronald Reagan) en I want your money, el documental que refrenda las tesis conservadoras del Tea Party Movement. Los medios de comunicación ya han calificado a su director, Ray Griggs, como el Michael Moore de la era Obama. Tomando el eslogan "el gobierno no es la solución a nuestros problemas, el gobierno es el problema" como base, el documental ataca al gobierno norteamericano de forma bastante maníquea, mostrando en varias escenas a Obama vapuleando verbal y físicamente a Ronald Reagan.
No es la primera vez que se utiliza la sátira animada con fines políticos. De hecho, el propio Michael Moore utilizó la animación flash en una de las secuencias más famosas de Bowling for Columbine. (La secuencia fue animada por Matt Stones, coautor de South Park).
De hecho, la base de la popularidad de JibJab está precisamente en su enfoque humorístico de la política. En comparación con el tosco diseño y la ramplona animación de I want your money, una pieza visualmente tan elaborada como It's time for some campaigning se convierte en un puro goce sensorial.
Homeland de Juan de Dios Marfil Atienza ha obtenido el premio al Mejor Cortometraje de Animación Nacional 3D Wire, que tiene la peculiaridad de estar representado por los directores de los distintos festivales de animación de España (Animabasauri-Animabasque, Animac, Animacam, Animacor, Animadrid, Animainzón, Animayo, ArtFutura, Mundos Digitales y SICARM). Tal y como declara la organización de 3d Wire, la razón de este premio es la de "aunar las fuerzas del sector de la animación y promocionar las producciones españolas que circulan anualmente por el circuito nacional de festivales".
El jurado ha valorado el enorme lirismo y sensibilidad de una propuesta nueva dentro de la animación española, de un autor con una carrera que se antoja prometedora y original. Marfil Atienza, que presentaba un nuevo proyecto en el mercado, ha recogido el premio emocionado.
La presentación del II Mercado Internacional de Animación, 3D y Videojuegos en la sala de Protocolo del Museo Reina Sofía ofreció la ocasión perfecta para la reunión de numerosos profesionales de la animación y el ocio digital en España. José Luis Farias fue el encargado de anunciar la creación del I Premio 3D Wire al Mejor Cortometraje de Animación Nacional. Un galardón impulsado por el Mercado 3D Wire y que ha contado con el apoyo y el trabajo de todos los festivales y muestras de animación de España. Este premio supone una iniciativa pionera en el ámbito de la animación, que responde al interés del mercado en dar visibilidad y reconocimiento a los mejores talentos nacionales: “Con este premio queremos contribuir a exportar una imagen competitiva y moderna de España en el sector de la animación hacia el extranjero”, aseveró Farias, que consideró prioritario conocer y reconocer el enorme talento que existe en nuestro país para que estas dos industrias sean respetadas y potenciadas desde todos los ámbitos de nuestra sociedad. Los finalistas al I Premio 3D Wire al Mejor Cortometraje Nacional de Animación son Alma, de Rodrigo Blaas; Daniel's Jouney, de Luis Zamora Pueyo; El pintor de los cielos, de Jorge Morais Valle; Homeland, de Juan de Dios Marfil; La Dama y la Muerte, de Javier Recio; Like Crude Oil, de Daniel Pardo; Molt Be Les Campanes, de Laura Ginès y Pere Ginard, y No corras tanto, de César Díaz. El ganador saldrá de la deliberación de todos los directores de los festivales y muestras de animación de España.
En la presentación se dieron a conocer los detalles más importantes del II Mercado 3D Wire, que tendrá
lugar los próximos 14 al 17 de octubre en Segovia. En este segundo año de vida, el Mercado 3D Wire ha
experimentado una mayor internacionalización, con más de 900 cortos recibidos, procedentes de 45
países diferentes. También se destacó la jornada dedicada en exclusiva a videojuegos y el papel especial
que ocupa la estereoscopía, técnica cinematográfica en auge, que protagonizará una mesa redonda en
la que se analizará la actual realidad desde el punto de vista de la industria. Un debate acorde con la
labor de investigación y difusión que 3D Wire y el CAT llevan a cabo en este ámbito. Farias hizo especial hincapié en el interés que posee el mercado de convertirse en la puerta de acceso al ámbito laboral de la industria de la animación y los videojuegos para los jóvenes animadores, para así sentar las bases de una industria solida y competente, y favorecer que los futuros cineastas no escapen al extranjero y puedan desarrollar su labor creativa en España.
Con esta segunda edición, el Mercado 3D Wire se consolida como el evento de referencia de la
animación en España, y así lo hizo constar Manuel Cristóbal, asesor del Mercado 3D Wire, productor de
Perro Verde Films y miembro de la Academia de las Artes y la Ciencias Cinematográficas de España.
Cristóbal alabó también la estupenda labor de difusión que el Círculo de las Artes y la Tecnología y 3D
Wire están llevando acabo desde su puesta en marcha: “Una iniciativa que ha apostado por el
movimiento, por el cambio en el modelo productivo y por invertir en proyectos de talento, que si no
existieran sitios como este no se podrían desarrollar”.
José Luis Farias estuvo acompañado por el concejal de Tecnología del Ayuntamiento de Segovia, Óscar
Alonso Barba, quien reiteró “el apoyo que el Ayuntamiento de Segovia, a través del Círculo de la Artes y la Tecnología (CAT), otorga a la industria de la animación y el videojuego”, y que se traduce en este “II Mercado Internacional de Animación, 3D y Videojuegos 3D Wire”. Así mismo, resaltó como gracias a este evento y la revista online 3D Wire, a lo largo del año pasado se ha realizado una importante labor
de difusión que está obteniendo importantes resultados”. También el gerente del CAT, Claudio Galindo
Enjuto, enfatizó que no estamos sólo ante un punto de encuentro: “Es un foro para compartir, formar y
sobre todo tomar conciencia del gran potencial con el que contamos”.
Tras las intervenciones se proyectó un vídeo estereoscópico de lo que será esta segunda edición y se
presentó el cortometraje Doomed, último trabajo del director y creador de Pocoyó Guillermo García
Carsi.
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