José María Andrés "Alzhem" (Santander, 1978) es un interesante ejemplo de lo que ocurre cuando se cruza el 3D con el alocado universo cartoon. Joven autodidacta, inicia en 1994 su andadura en el mundo infográfico y en 2006 se marcha para trabajar en Londres. Aparte de su trabajo para campañas publicitarias, allí ha ido desarrollando su propio estilo "Alzhem", con el que ha creado una de las ilustraciones humorísticas más brillantes de todo 2009, "Fruity Flash", que comenta al final de la entrevista.
1. ¿Cómo llegaste al mundo de la animación y más concretamente al del 3D?
Llegué al 3D en 1994. La razón... pues no la sé. "Toy Story" aún no había salido y nadie alrededor mío sabía o decía nada de 3D. Solo sé que un buen día sabia que quería hacer eso y me puse a investigar hasta que encontré un libro de 3ds4 y con el me puse a trastear. Lo primero que hice fue un toroide con una luz omni que pasaba a través. Días después hice un Transformer a base de cajas y toroides para las ruedas, animado y todo! Lo mejor es que todos los elementos estaban creados desde cero ya que no sabía que se podían hacer copias :-P En 2000 conseguí mi primer encargo de 3D y hasta hoy.
En 3D, mi formación ha sido 95% autodidacta. Hice un Máster en animación en Trazos pero me llego tarde ya que ya andaba bastante curtidillo en 3D. Eso sí... pasar me lo pasé muy bien esos días, tengo muy buenos recuerdos. Aparte de Trazos, también soy Licenciado en Bellas Artes, lo cual ayuda.
2. Trabajas fundamentalmente en publicidad, un sector donde la animación es habitual en países como Francia y el Reino Unido. De hecho, resides en Inglaterra desde 2006. ¿Cómo se entiende la animación en el Reino Unido? ¿Crees que hay más posibilidades de trabajo o más estímulos creativos que en España?
Hombre... es diferente, no te digo que no. Hay cosas positivas, como que los proyectos son grandes y comparado con España, el sueldo no esta mal. El problema es que casi todos los "tresdeseros" europeos vienen a Inglaterra (especialmente Londres) a trabajar y ha hecho que últimamente la cosa esté bastante saturada. Además, a todo esto se le suma que en Londres el 95% de los artistas 3D trabajan de freelance, por lo que hay que estar constantemente buscando nuevos proyectos y luchando por clientes. Tú eres tu propio comercial, así que ¡mejor que seas bueno! jajaja :-)
3. Viendo tu trabajo y los proyectos en los que has trabajado, hay un sentido muy orgánico y estilizado en la mayoría de los trabajos. ¿Tienes alguna filosofía de trabajo?
Mis trabajos personales son 100% cartoon. Es lo que me gusta y a lo que quiero dedicar el resto de mis días de artista 3D... si puedo. Jajaja. También hay que satisfacer esos vicios tontos que tenemos como... el comer :-P Así que nunca descarto ningún trabajo. Tengo siete años de experiencia en infoarquitectura y no dudo en usarla para sacar unos euros cuando la cosa aprieta.
Mi filosofía de trabajo es la de trabajar siempre con modelos que tengan los ojos grandes ya que expresan mucho mejor los sentimientos (Tim Burton también lo hace y a él no le va mal). Además una seña de identidad (la cual aún no sé si me gusta o no... pero que siempre uso) son las cejas. Grandes y separadas del cuerpo. Pueden verse perfectamente en mi último proyecto personal, "Fruity Flash". La personalidad sí que la debo plasmar en lo que hago, porque ya son muchos los que me dicen "Anda, eso que has hecho es muy «ALZHEM»".
4. ¿Qué ventajas le encuentras al 3D sobre otras técnicas?
Dos principalmente... que no te manchas ni tienes que limpiar los pinceles al acabar, y el Ctrl+Z. La vida en sí debería tener "undo". Sería todo taaaaaaaaan fácil y cómodo.
5. A tu juicio, ¿qué es lo más interesante que ha ocurrido en la animación internacional en los últimos años?
Mmmm... creo que el hecho de que "Wall-E" fuese nominada a los Oscar por mejor fotografía. Eso significa que poco a poco se va aceptando que las imágenes y vídeos hechos utilizando un ordenador puedan considerarse Arte. Y ya era hora... porque me pasé Bellas Artes viendo cientos de trabajos con menos estilo y dedicación que muchas de las imágenes mostradas en paginas como CGTalk, y que sólo por estar hechos con técnicas clásicas como carboncillo, acuarela, oleo, etc. ya eran más artísticas que lo hecho con un PC (o eso decían :-P)
6. ¿Qué otros artistas y profesionales de la animación te han influido más profundamente?
He trabajado con muchos hispanohablantes, pero la verdad creo que ninguno me ha influido profundamente, al menos en lo que yo entiendo por influir profundamente. Ese tipo de influencia la tengo de personas como Tim Burton, Walt Disney, Jim Henson, John Lasseter, etc. Lo que sí puedo decir es que en general los artistas hispanohablantes suelen ser mucho más creativos que otros, y desgraciadamente carecen de la autovaloración necesaria para llegar a altos puestos. Los franceses, por ejemplo, en este aspecto suelen quererse mucho mas a sí mismos y desde el segundo proyecto que hacen ya se venden como directores. Posiblemente en el medio esta la virtud.
7. ¿Qué consejo le darías a cualquier otra persona interesada en el mundo de la animación?
Pues primero que piensen si es realmente lo que quieren hacer y evalúen si merece la pena. Este sector no es lo que era hace cinco años así que el hacerse rico con esto... pues casi como que no. Ser "tresdesero" puede ser MUY buen trabajo si se te da bien y es tu pasión, pero una pesadilla si estás en ello porque no se te ocurrió otra cosa. Es básicamente un trabajo vocacional, ya que no sólo tienes que ser artista, sino además sufrir las constantes entregas y las presiones por parte del cliente, jefes, etc. No es fácil ni cómodo, pero bueno... si te gusta crear y sufrir... éste es tu mundo ;-)
Sobre la ilustración "Fruity Flash":
- El último trabajo que he hecho del que puedo hablar libremente (ya sabéis que siempre hay restricciones de ese tipo cuando se trabaja para estudios de animación) es mi último proyecto personal, "Fruity Flash". La trascendencia de esta imagen ha sido muchísimo mayor de lo que esperaba, habiendo sido publicado en 3DArtists, vendido como imanes de nevera en Australia, como disfraz de Halloween en los Estados Unidos, y puede que llegue a estar "forrando" un camión frigorífico en Valencia, jajaja. ¡Esto último sería genial! Aparte de esto también he vendido la imagen como posters a través de mi pagina web. Todo esto deja cierto regustillo curioso, al pensar que otras imagenes más políticamente correctas, y con un humor más refinado no llegan tanto a la gente como la carne de la banana.
- El proyecto lo realicé con 3ds MAX 2010 y fue renderizado con VRay. La composición final la hice con el todopoderoso Photoshop, con cual si no. Mi PC es un Quad Core a 3 Ghz con 8 GB de RAM y una GeForce 280. 2 TB de almacenamiento con 2 discos duros en RAID 0 y... básicamente eso.
- El proyecto lo realicé en ocho días y medio, a una media de 17 horas diarias. Tres días para el personaje principal (banana), 2 días para los dos secundarios (pera y fresa), 1 día para el fondo y lo demás para render, composición y retoques.
- La inspiración me vino haciendo bocetos en el autobús de camino al trabajo. Con cuatro garabatos (literales) me hice una idea de que podía ser y en seguida me puse a trabajar en casa. Aparte de mis bocetos también busqué referencias de frutas y entornos en Internet. Nada fuera de lo común, vamos.
- En este trabajo sólo estuve implicado yo. También añado a mi querida novia Aiza, ya que aunque ella no modelase ni texturizase, me estuvo acompañando todo el rato, noches incluidas. Al menos luego descansamos 7 días en Malta :-)
Más información sobre José María Andrés, "Alzhem": La web personal de Alzhem: www.alzhem.com
"La Dama y la Muerte", el primer cortometraje estereoscópico del cine español, realizado por Kandor Moon y con los nombres de Banderas y Raúl García implicados en su producción, ha conseguido entrar como finalista al Oscar al Mejor Cortometraje de Animación. Queda decidir si será finalmente nominado.
Los otros nueve finalistas son:
“The Cat Piano” de Eddie White y Ari Gibson.
“French Roast” de Fabrice O. Joubert
“Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty” de Nicky Phelan
“The Kinematograph” de Tomek Baginski
“Logorama” de Nicolas Schmerkin
“A Matter of Loaf and Death” de Nick Park
“Partly Cloudy” de Peter Sohn
“Runaway” de Cordell Barker
“Variete” de Roelof van den Bergh
Las nominaciones definitivas de la 82ª gala de los Oscars se anunciarán el 2 de febrero de 2010.
J. G. Arrillaga (Madrid, 1975) es licenciado de Bellas Artes, profesor de dibujo y fotografía y animador autodidacta y posicionado en los extremos de la animación convencional. Sus trabajos muestran un interés por aspectos filosóficos y un estudio de la anatomía humana. Actualmente reside en Aranjuez.
1. Los cortometrajes que muestras como contraextremos tienden a la experimentación con la rotoscopia, a la vez que muestran una mirada muy personal. ¿Cuál es tu formación académica y tu interés por la animación? Me interesó la animación como medio versátil para la comunicación de las propias inquietudes. Suele ser un medio muy cercano y conocido por el público en general. Atrayente, directo y comprensible. Nos acerca al niño que llevamos dentro. Bastante terapéutico. Utilizo Flash porque es un soporte barato y rápido que permite a un animador trabajar de forma autónoma, a la vez que tiene muchas limitaciones.
2. ¿Qué ventajas sientes que te ofrece Flash sobre otros soportes y medios de trabajo? Un entorno sencillo y bastante intuitivo. Verdad, de esas limitaciones, que hacen necesario trabajar con otros programas de edición y mezclar. Muy divertido. La ventaja principal es el resultado y su facilidad para difundirlo. Las limitaciones suelen estar más en nuestras cabezas.
3. Tu forma de enfocar la animación no es la habitual en el panorama audiovisual español, tú mismo declaras en la web que tus piezas son "Un intento de hacer lo que me da la gana". ¿Cuáles son tus principales referencias a la hora de trabajar? ¿Qué es lo habitual? Y perdona que conteste a la gallega. Entiendo que lo habitual puede ser, un enfoque hacia lo que vende, lo que mas nos llega: 3D, manga, publicidad… Si escarbamos un poquito encuentras gente en España que no es nada habitual. Internet ya nos da la posibilidad de que no se acote a un determinado panorama, en este caso el nacional. Pienso que en la variedad esta el gusto y que no hace falta un gran presupuesto para comunicar. Sí, digo eso en la web, por que no dependo de nadie para hacer lo que hago, ya que me lo autofinancio. Y es un intento, por que no se cuanto tiempo podré hacerlo. Referencias: múltiples. Todo se relaciona, puedes sacar un poco de aquí, otro de allí. Llevamos mucha historia de grandes creadores a nuetras espaldas y los temas e historias que se comunican rondan las mismas inquietudes. Diré algunas aunque no tengan que ver con la animación y según se me asomen a la memoria: De Sica, Gaudí, Gabor Szabo, Ocelot y Galup, Francis Bacon, Bou Grasso, Miyazaki, Kennedy Toole, El Roto, Liniers, Madoz, Epi y Blas, Moebius, Miller, Frank Stella, Bukowski,Dalí, Lorca, Samuel Beckett, Matt Eliott,Chaplin, Pierre Jeunet … y tantos otros, la lista es interminable. Varían según pasa el tiempo y el estado de ánimo. Haz un lío, estira, contrae, pega y salgo yo. jeje.
4. El planteamiento actual del Ministerio de Cultura para referenciar un corto de animación se basa en si el formato final se encuentra en celuloide. De esta manera, una gran cantidad de piezas de animación hechas en Flash simplemente no existen dentro de nuestra cinematografía por culpa de este anacronismo. Por otra parte, ante la facilidad para cualquier usuario de realizar piezas de forma "casera", el nivel medio de estos trabajos es en la mayoría de los casos, muy bajo o sin interés artístico alguno. ¿Crees que esta situación puede regularse de alguna manera? A quien pese: el ministerio de cultura suele estar bastante alejado de la cultura. No es muy amigo de la filantropía. Uno de los grandes problemas es que no se incentivan los nuevos valores y se sigue apostando a lo seguro, lo estándar conocido. Sin menosprecios. No es: “por culpa de este anacronismo”. Anacronismo no es un señor bajito. Es despiste de los responsables, que se actualicen. Política y consumo relacionados. ¿Será por eso que se nos van los grandes cerebros a otros países? Pero el que busca encuentra, aunque nos veamos obligados a escarbar en el fango. Hay suficientes soportes para ello. Sobre el nivel de los trabajos, es el tiempo el que pone cada cosa en su lugar y si no nos llega algo que podría convertirse en icono o referente es por que no merecemos conocerlo. Tiene que haber de todo y ser cada uno el que contraste y autorregule su elección. Esta es una puerta que nos abre Internet y el ejemplo es la música.
5. Tus trabajos muestran una gran homogeneidad. ¿Se trata de una opción estilística deliberada o esta forma de trabajar viene impuesta por las herramientas que utilizas? Sí, fueron premisas autoimpuestas para dar linealidad, estilo, itsmo, acote, definición, estructura, llámalo como quieras. Inicialmente me planteé despojarme de todo lo accesorio, de decorados e incentivar la idea en sí. Muy teatral. Pero todo debería tener una evolución. Una búsqueda basada en la intuición y la creatividad. Personalmente me gusta experimentar y arriesgar, con las consecuencias que conlleva. Las herramientas, el medio, determinan el acabado. La lucha esta en dominar esas herramientas para que no determinen al 100%
6. ¿Cómo ves el panorama general de la animación en español, y más concretamente, la animación en Flash? ¿Qué otros autores merecen tu interés? No puedo contestar bien a esta pregunta sin caer en tópicos. Creo que la mayor inversión actualmente en animación y cine en España ha sido “Planet 51” y solo he visto los trailers. Es muy significativo que el personaje principal lleve una bandera de EE.UU… Recordamos “Pocoyo” se ve que quisieron saltarse el sufrimiento inicial. La animación en Flash es relativamente joven (alrededor del 96) creo que tiene muchas posibilidades. ¿Qué voy a decir? Merecen interés todos los autores que dedican su vida al fotograma. Cada uno, que haga su escala de valor.
7. ¿Qué cualidades debería reunir un buen animador en Flash? ¿Qué errores habituales piensas que debería evitar? Imagino que te refieres a alguien que empieza: Buenas ideas, capacidad de ilusión, disfrute, superación y ganas de hacerlo. Los buenos animadores ¿ya saben que lo son? Habituales: No guardar copia cada poco y pensar que solo son dibujitos. Otro bastante común es pensar que no son suficientemente buenos para expresar lo que sienten.
8. ¿Qué consejo le darías a otro animador que quisiera emularte? Los consejos tienen tintes paternalistas, pero le diría que no lo hiciera, que buscara su camino. Ya es de por si relativamente fácil hacer cosas que se parezcan a otras sin saberlo, como para hacerlo a conciencia.
Sobre "? Animación 2D HD":
- "? Animación 2D HD" fue realizado con Audition,Photoshop y Flash. Como equipo utilizo una cámara de video y foto, paleta y computadora, obviamente. - Para su realización me dejo llevar. Pero, normalmente tardo unas tres semanas… más o menos, de edición. Luego hay que sumar la definición de la idea previa y la posterior difusión. Meses. - Este trabajo lo he realizado yo solo aunque en verdad, no estoy calvo. Claro que mi mujer ha puesto la paciencia y el mayor apoyo. Para otros, me gusta que colaboren las personas que conozco, es muy divertido pedirle a la gente que se haga participe e interprete un papel, luego agradecen verse convertidos en dibujos. - La última imágen del corto es un Macro de un palet de pizarras para retejar o en este caso “repizarrear”, y bueno, siempre estoy imaginando. Así que una cosa llevo a la otra. Típico, que de una motita hagamos un desierto.
La Sala Parpalló de Valencia nos ha enviado la siguiente nota informativa, informándonos que "por tercer año la Sala Parpalló de Valencia programa el ciclo de animación titulado “Para Niños” un programa específicamente creado para el público infantil cuyo objetivo principal es ofrecer a los más pequeños unos cortometrajes animados que utilizan un lenguaje y una estética apropiados para su edad. Historias que refuerzan valores como la amistad, la solidaridad con los que son diferentes, el valor para superar los problemas, el amor a la familia, el desarrollo de la imaginación, el amor a la naturaleza, etc. Todo ello planteado desde la positividad y el sentido del humor. Un total de 19 cortometrajes de países como: Francia, Alemania, Japón, Sudáfrica, Serbia, Hungría, República Checa, Irlanda, Países bajos, Bulgaria, EE.UU., Rusia y Reino unido. La entrada a las proyecciones será gratuita y el aforo limitado. Información en www.salaparpallo.es o en el 96 393 61 94. Las escuelas interesadas en realizar un visionado en horario escolar tienen la posibilidad de realizar una reserva llamando al 96 393 61 94 (preguntar por Sergio). Pases del 7 al 29 de enero. Consultar horarios." El programa se compone de los siguientes títulos:
Tachaaan Rafael Cano, Carlos del Olmo y Miguel Ángel Bellot / España / 2009 / 4’30’’ Animación 3D / Sin diálogos
Himawarisou (Girasol) Minako Matsuda / Japón / 2008 / 3’ Dibujo sobre papel, animación 2D / Sin diálogos Minako Matsuda trabaja como animador desde 2004.
Chicken Wings (Alas de pollo) Pauline Kortmann / Alemania / 2008 / 5’ 45’’ Dibujo sobre papel, animación 2D / Sin diálogos Pauline Kortmann estudia en la Academia de Cine y Televisión Konrad Wolf en Potsdam-Babelsberg. Trabaja como freelance animadora, ilustradora y pixelartista de PC-, Gameboy y videojuegos móviles. Chicken Wings es su primera película de animación.
Dreams (Sueños) Chie Arai / Japón / 2008 / 2’ 05’’ Dibujo sobre papel, animación 2D / Sin diálogos Chie Arai es animadora e ilustradora. Desde 1996 al 2002 trabajó como animadora en Walt Disney Animation Japan Inc. En 2002 dejó Disney y comenzó como freelance para hacer originales personajes de animación e ilustraciones.
Nuri Kendra Vander / EE.UU. / 2009 / 2’11’’ Animación 3D / Sin diálogos
Kendra Vander Vliet se graduó en el departamento de animación por ordenador de la Ringling College of Art and Design y Nuri es su tesis doctoral. Actualmente trabaja en la industria cinematográfica hacienda lo que más me gusta: películas y obras de arte.
Melodija Života (La melodía de la vida) Miodrag Popović/ Serbia / 2008 / 1’35’’ Dibujo sobre papel, animación 2D / Sin diálogos Miodrag Popović miembro del grupo de animación de la Escuela Superior de Ingeniería Eléctrica de Belgrado. Autor de varios cortometrajes de animación. Actualmente estudia en la Higher School of Electrical Engineering.
Malenkaya Vasilisa (La pequeña Vasilisa) Darina Shmidt / Rusia / 2007 / 15’35’’ Recortables. Escenografía basada en el cosido tradicional ruso / Diálogos en español
Darina Shmidt trabaja en el estudio de animación Melnitsa donde realiza labores de Storyboard, jefa de animación, compositora y directora artística.
Bave Circus from DuDuF on Vimeo. Bave Circus (Circo de baba) Sylvain Kauffmann, Philippe Desfretier, Nicolas Dufresne, Martin Laugero / Francia / 2008 / 4’ 50’’ Animación 3D / Sin diálogos Sylvain Kauffmann, Philippe Desfretier, Nicolas Dufresne, Martin Laugero son estudiantes en la escuela Supinfocom-Valenciennes.
Le Mouton from Pierre Dixsaut on Vimeo. Le Bestiaire (El Bestiario) Pierre Dixsaut, Marianne Peltzer / Francia / 2009 / 3’20’’ Animación de objetos / Diálogos en español Pierre Dixsaut es miembro de Ill-Studio, grupo francés de colaboradores que trabajan en diversas áreas artísticas como el diseño gráfico, fotografía, tipografía, ilustración, vídeo, animación, etc.
You don’t bring me flowers (No me regales flores) Brent Dawes / Sudáfrica / 2009 / 5’ Animación 3D / Sin diálogos Nacido en Zimbawe, Brent Dawes obtiene un diploma nacional en arte dramático tras lo cual comienza a trabajar en el campo de la publicidad para después realizar el primer largometraje de animación africano titulado The Legend of the Sky Kingdom. Al trasladarse a Corea, dirige la serie de humor Jungle Beat, ganadora de numerosos galardones en festivales de renombre. En el 2007, completa la escenografía de la película The Lion of Judah. Ha escrito el largometraje An African Tale que está en pleno desarrollo y actualmente está inmerso creando la segunda temporada de Jungle Beat.
The Happy Duckling (El patito feliz) Gili Dolev / Escocia, Reino Unido / 2008 / 08' 45'' Animación 3D y acuarela / Sin diálogos Gili Dolev es guionista, director y desarrollador de contenidos para animación. En el año 2003 cofundó Ink Animations Ltd. donde ha sido director creativo desarrollando, escribiendo y dirigiendo diversos proyectos para cine, televisión y web. Actualmente vive en Israel donde trabaja como Jefe de Desarrollo de Contenidos para la compañía Primus Design Group con sede en Tel Aviv.
Log Jam – The Moon (Jam en el bosque – La luna) Alexei Alexeev / Hungría / 2008 / 1’ Dibujo, Animación 2D / Sin diálogos Alexei Alexeev tiene una amplia experiencia dentro del campo de la animación en el que ejerce como director y supervisor de cortometrajes y series de animación, animador, director artístico y guionista. Ha obtenido numerosos premios por sus trabajos.
Q & A (Preguntas y Respuestas) Tim Rauch y Mike Rauch / EE.UU. / 2009 / 3’30’’ Dibujo sobre papel, animación 2D / Diálogos en español Mike y Tim Rauch son animadores independientes. Sus trabajos han sido proyectados en más de 30 festivales de todo el mundo. Crean animaciones enfocadas al entretenimiento y el contenido enriquecedor creadas en colaboración con los mejores talentos en literatura, música, actuación y otras artes creativas. En colaboración con StoryCorps, el ganador del premio del proyecto de historia oral “Peabody”, crearon dos documentales animados que incluyen la dirección y animación para los Talleres de Sesame “The electric company”, televisados en PBS.
Comment se débarrasser de son petit frère (Cómo deshacerse de tu hermano pequeño) Céline Ternisien, Maxence Verniers, Sylvain Leclercq, Florian Charlet / Francia / 2008 / 5’ 03 ‘’ Animación 3D / Diálogos en español Céline Ternisien, Maxence Verniers, Sylvain Leclercq, Florian Charlet son estudiantes en la escuela Supinfocom-Valenciennes.
The Rooster, the Crocodile and the Night Sky (El gallo, el cocodrilo y el cielo nocturno) Padraig Fagan / Irlanda / 2008 / 6’35’’ Recortables de cartón y pintura sobre cristal / Diálogos en español Pádraig Fagan nació en Dublín y se graduó en la Nacional Film School en 2007 con una licenciatura en animación. Escribió y dirigió The Rooster, the Crocodile and the Night Sky en 2008.
Dvije Vile (Dos hadas) Miroslav Klarić y Jadranko Lopatić / Croacia / 2007-08 / 3’36’’ Animación de títeres / Sin diálogos Miroslav Klarić ha recibido múltiples premios por su trabajo de animación. Es uno de los fundadores del “Photo-cinema-video-club Zaprešić” fundado en 1995 y donde actualmente trabaja como especialista en trabajos para jóvenes y niños.
Wild Dogs (Perros silvestres) Cat Hicks / EE.UU. / 2009 / 2’36’’ Animación 3D / Sin diálogos Catherine Hicks basa su trabajo como animadora en su interés por el comportamiento de humanos y animales e investiga sobre las emociones y conductas del mundo que la rodea. Ha diseñado personajes para la serie de televisión infantil Pepe's Place. También ha trabajado como animadora de personajes en Pixar Animation Studios.
Homeland (Mi origen) Juan de Dios Marfil Atienza / República Checa - España / 2009 / 6’25’’ Dibujo sobre papel, animación 2D / Sin diálogos Juan de Dios Marfil Atienza realiza la licenciatura en animación en FAMU, Facultad de cine y televisión de Praga (República Checa). Compagina sus estudios de cine con los de música obteniendo el título de Profesor Superior de Piano en el Conservatorio Superior “Victoria Eugenia” de Granada y el Master de Etnomusicología por la Universidad de Maryland (EE.UU.).
"Planet 51" es ya uno de los mayores éxitos empresariales de la animación española.
A pesar de ser la producción más cara de la historia del cine español (55 millones de euros), a los que hay que sumar los 15 millones de euros que han costado el videojuego de la película, desarrollado por Pyro Studios, filial de Ilion Animation Studios, y de que el coste de promoción internacional ascienda a 150 millones de euros, la película ya tiene cubierta la totalidad del dinero invertido en la producción.
En primer lugar, los derechos de distribución ya están vendidos en 170 países, cuyas distribuidoras son las que costearán los gastos de promoción en cada país. En segundo lugar, Ilion tiene cerrada una serie de acuerdos comerciales y venta de licencias, que asegurarán la presencia del largometraje en campañas de otras empresas como Burger King, El Corte Inglés, Heinz, Nesquik, Volkswagen o la franquicia norteamericana Dippin' Dots o el videojuego, que será distribuido por Sega.
De esta manera, tal y como afirma Pérez Dolset, productor de la película, en "Público", sólo será necesario que en el primer fin de semana de estreno la película tenga una recaudación de siete millones de euros para obtener beneficios. Sin duda, todo un ejemplo para futuros largometrajes de animación hechos en nuestro país. Fuente: Diario Público
"El ultimátum evolutivo" es el nuevo cortometraje de uno nuestros clásicos, el cineasta valenciano Pablo Llorens. El cortometraje parte de un encargo de la ONG "Setem Comunidad Valenciana" para difundir el consumo responsable y ha sido realizado en unos seis meses con un equipo de quince personas.
Tal y como nos cuenta el propio Llorens, "Es uno de los pocos trabajos "para todos los públicos" de mi filmografía. En este caso, como la historia requería de muchas situaciones diferentes, opté por primar el diseño y la puesta en escena en lugar del detalle y la complejidad de la animación, así que buscaba decorados minimalistas que lucieran bien a pesar de su escasez de acabados y detalles. Los muñecos también cumplían esta premisa, ya que al ser tan desproporcionados quedaban limitados anatómicamente a pocas acciones, lo cual quedaba gracioso y al tiempo era más sencillo y rápido de animar."
Muchas felicidades a su creador y a todos los que han participado en el corto.
El próximo 18 de noviembre se proyectará a las 11:30 de la mañana el cortometraje "Margarita" deHampa Studio en la sede de la Academia de Cine. Aquellos interesados pueden contactar con Hampa Studio y tratar de obtener alguna invitación.
Hoy se estrena "Cuento de Navidad" ("A Christmas Carol"), dirigida por Robert Zemeckis para los estudios Disney. Zemeckis siempre ha mostrado un gran interés por acercar animación e imagen real dentro de los parámetros del cine comercial. No olvidemos que Zemeckis produjo y dirigió "Quién engañó a Roger Rabbit", una de las piezas cumbres de la animación de los ochenta. Desde "The Polar Express", el director se ha convertido en el más visible defensor de las técnicas de captura de movimiento, que él considera muy rentables y rápidas. "Cuento de Navidad" llega tras "Beowulf", adaptando de nuevo el clásico de Dickens, que tantas versiones para animación ha tenido ya.
Para Zemeckis, la captura de movimiento es una formidable herramienta con la que poder experimentar. Tal y como comenta para Animation World Magazine, "cuando comenzamos a rodar, lo grabamos todo, porque no hay película; sólo es un disco duro en marcha. Así pues, hacemos las escenas de principio a fin, igual que harías una escena teatral. Trabajamos la escena con los actores y si alguien sugiere: "Oye, Bob, me gustaría entrar por el otro lado de la habitación porque pienso que quedaría mejor", entonces lo intentamos. Es como trabajar con ensayos tecnológicos y cuando a todo el mundo le parece que la escena ha quedado bien, entonces paramos para comer y pasamos a la siguiente escena." "Todos tus movimientos quedan registrados", afirma Colin Firth, actor que ya había participado en "Beowulf". "Es incluso mejor que actuar en el teatro, porque no existe la cuarta pared ni cámara ni proscenio. Puedes girarte y seguir interpretando sin preocuparte de si te ven o no, porque todo el movimiento físico queda capturado".
Sin embargo, la película está sentando como una bomba entre animadores y críticos cinematográficos. Para la comunidad de animadores, la animación resulta muy poco coherente y sus movimientos poco convincentes, lo que la hace visualmente muy desagradable. Para la crítica, la historia se hace esclava del proceso tecnológico, lo que ha provocado numerosas malas críticas. Pero quizás lo más importante sea la pobre respuesta que está teniendo en taquilla. Esta falta de entusiasmo del público puede complicar la recuperación de los 180 millones de dólares invertidos por Disney.
Quizás un moderado fracaso sirva para marcar un punto de reflexión sobre el uso de la captura de movimiento, una técnica interesante, que mal utilizada resulta poco natural, pero bien utilizada, puede abrir enormemente la animación a terrenos insospechados.
La Academia de las Artes y las Ciencias de Hollywood afirma que veinte películas se han presentado como candidatas a mejor largometraje de animación, por lo que, por segunda vez desde 2002, los Oscars tendrán cinco nominadas a mejor película de animación. Para que esto pudiera ser posible, era necesario que se presentaran al menos dieciseis largometrajes, que estuvieran realizados después del 1 de enero de 2008 (lo que ha descalificado a "Evangelion") y hayan sido estrenados en Estados Unidos en 2009.
Las películas candidatas a nominadas representan bien la variedad y riqueza del largometraje de animación de este año. (Hemos destacado con un asterisco * las candidatas no norteamericanas y en negrita las dos candidatas españolas.)
"Alvin y las Ardillas: la secuela" (EE.UU.) (3D)
* "Astro Boy" (Hong Kong, EE.UU., Japón) (3D)
"Battle for Terra" (EE.UU.) (3D)
"Lluvia de hamburguesas" (EE.UU.) (3D)
“Los mundos de Coraline” (EE.UU.) (Stop-motion)
“Cuento de Navidad” (EE.UU.) (3D) * “The Dolphin – Story of a Dreamer” (Italia) (3D) * “Fantastic Mr. Fox" (EE.UU., Reino Unido) (Stop-motion)
“Ice Age: la era de los dinosaurios” (EE.UU.) (3D) * “Mary and Max” (Australia) (Stop-motion) * “El lince perdido” (España) (3D)
“Monstruos contra alienígenas” (EE.UU.) (3D)
“9” (EE.UU.) (3D) * “Planet 51” (España, Reino Unido) (3D) * “Ponyo en el acantilado” (Japón) (2D tradicional)
“Tiana y el sapo” (EE.UU.) (2D tradicional) * “The Secret of Kells” (Francia, Bélgica, Irlanda) (2D digital)
“Tinker Bell y el tesoro perdido" (EE.UU.) (3D) * “Panique au village” (Bélgica, Luxemburgo, Francia) (Stop-motion)
“Up” (EE.UU.) (3D)
Entre las presentadas, “Alvin", “The Dolphin – Story of a Dreamer”, “Fantastic Mr. Fox” “Planet 51” “Tiana y el sapo” “The Secret of Kells” y “Panique au Village” aún no se han estrenado comercialmente en Estados Unidos, por lo que existe la posibilidad de que puedan ser descalificadas, aunque la mayoría ya han organizado pases en Los Ángeles o tienen previsto su estreno a finales de este mes o comienzos del siguiente.
Aparte de secuelas y películas que podrían haber sido estrenadas directamente en DVD (como las enésimas secuelas de "Tinker Bell" y "Alvin"), algunas han recibido fantásticas críticas por la prensa seria y si la selección hace honor a la calidad, podríamos tener la más ajustada nominación que haya habido nunca en la historia del premio.
¿Qué películas creéis que conseguirán entrar? ¿Lo hará alguna de las dos cintas españolas? Podéis comenzar a dejar vuestros comentarios. (¡Gracias Dani por sus comentarios!)
Evgeni Tomov, director artístico de "Les triplettes de Belleville (Bienvenidos a Belleville)", el largometraje de 2003 de Sylvain Chomet, ha colgado en su web algunas nuevas imágenes de la película de Chomet en la que está trabajando, "L'Illusioniste", uno de los proyectos más esperados en Francia de los últimos años. Viendo esta pequeña selección, es comprensible el entusiasmo que el largometraje suscita entre muchos animadores franceses.
La película parte de un guión escrito y nunca llevado a la pantalla de Jacques Tati, el comediante y director francés, autor de algunas de las obras más exquisitas de la cinematografía francesa de mitad del siglo XX y cuenta la historia de un viejo mago que trata de no defraudar a una niña convencida de que sus trucos de magia son reales.
La producción se ha realizado en los estudios Django Films de Edimburgo, donde ahora reside Chomet, con un equipo de 70 personas, mezclando 2D con 3D.
Su estreno, que estaba previsto para comienzos de este año, se ha aplazado finalmente al 22 de diciembre de 2009. Pathe International, France 3 y Canal + están tratando de cerrar la distribución internacional de un largometraje en el que han invertido 22 millones de euros, una cantidad muy superior a los 8 millones con los que se hizo "Belleville".
JibJab, uno de los pocos estudios supervivientes de la "crisis-punto-com", creó en 2004 "This Land", uno de los hitos de la década.
Aunque la perspectiva actual es muy limitada y sólo será posible hablar de una forma más objetiva a largo plazo, la década que ahora se acaba se nos antoja como un largo periodo de transición dentro de la historia de la animación internacional, con escasos cambios estructurales frente a todos los que se produjeron durante la década de los 90.
La década actual se inicia de facto el 11 de septiembre de 2001 con el atentado a las Torres Gemelas en Nueva York. Este hecho pondrá en marcha el resto de acontecimientos que marcarán la década. Los Estados Unidos decretan la "guerra al terrorismo", amparándose en la alarma mundial ante un nuevo tipo de terrorismo global. Bajo esta excusa, el miedo se empleará de forma constante como instrumento político y social, no sólo por parte de los gobiernos occidentales sino incluso por grandes corporaciones comerciales. Tal y como han demostrado algunos investigadores, como la historiadora Joanna Bourke, el miedo es una estupenda arma de dominación política y control social, capaz de paralizar a las masas y ralentizar los acontecimientos históricos.
Comparando ambas décadas, es evidente que durante la última década del siglo anterior tuvieron lugar una serie de cambios esenciales para la humanidad, no sólo a nivel político, con hechos como el fin de la guerra fría, la materialización geopolítica de la Unión (económica) Europea o la emergencia de futuras potencias como China o India. Durante quince años de crecimiento ininterrumpido ha tenido lugar la mayor bonanza económica vivida jamás en Occidente.
Pero son sobre todo los aspectos tecnológicos los que más nos interesan aquí. Los 90, con el desarrollo masivo de Internet y la aparición de la telefonía móvil, desencadenan toda una serie de sucesos que afectarán a su vez a lo social y a lo cultural. Es entonces cuando surge la idea de "aldea global" y su respuesta, con los movimientos "antiglobalización".
En la animación, el momento del cambio trascendental se produce con el estreno de "Toy Story" en 1995, la primera película enteramente creada con imágenes sintéticas, y que provoca un enorme efecto dominó en toda la industria, dando paso a una edad de oro en la animación digital.
Sólo un año más tarde Macromedia lanza Flash 1.0, el software que abre las puertas a la animación para Internet y a la democratización de la producción de animación.
Los cambios producidos entre 1990 y 1999 son tan profundos y trascendentales que su influencia se prolongará mucho más allá del fin de la presente década. En cambio, apenas surgen innovaciones durante la década actual. En comparación, el momento actual se caracteriza por una cierta parálisis. Esto no es necesariamente malo o negativo. El revulsivo que supone la década de los 90 es tan grande que se hacía necesaria una pequeña pausa para poder asimilar y madurar todas estas novedades.
Es el caso de Internet.
El crecimiento exponencial de Internet.
"Frog in a Blender" de Joe Cartoon popularizó el uso de Flash para la animación en Internet, convirtiéndose en uno de los primeros videos virales de toda la historia de la Red: 90 millones de visitas a día de hoy.
A finales de 1999 se produce el estallido de la primera y mayor burbuja financiera que la Red haya experimentado hasta ahora, en parte debida a un excesivo optimismo financiero, capaz de invertir enormes cantidades de dinero en un entorno tecnológico todavía demasiado incipiente. El estallido fue tal que consigue llevarse de por medio todas las esperanzas depositadas en la animación para Internet y varios canales de animación en la red como AtomMedia o Shockwave desaparecen por completo o se ven obligados a reconducirse por caminos totalmente diferentes al de la distribución de animación online.
Resultaba por tanto comprensible que tras esta debacle, Internet haya avanzado de una forma muy conservadora durante esta nueva década.
Los movimientos de fusión empresarial han existido siempre en la historia del capitalismo, pero si algo caracteriza la década del 2000 es una tendencia a fusiones gigantescas que han reducido la competencia en Internet, dando lugar a macroempresas tecnológicas y grandes conglomerados del ocio. Es el caso de Google, Time Warner-AOL, Adobe, Autodesk o la compra de Pixar y de Marvel por parte de Disney. Frente a la explosión de buscadores portales, propuestas y empresas en Internet entre 1995 y 1999, Google acaba imponiéndose sobre todas las opciones. A partir del 2000, lo habitual será que si una empresa ofrece un servicio nuevo y original en la red (como es el caso de Youtube), esta acabe siendo absorbida por otra empresa más grande dentro de la red.
La sensación de continuismo-inmovilismo entre 2000 y 2009 es tan grande que incluso el gran símbolo empresarial de la era informática de los 90, Microsoft, parece paralizado y hasta obsoleto en el entorno tecnológico actual: el sistema operativo Windows se estanca en 2001 en la versión XP durante casi siete años, agobiada por una impopularidad creciente y un agrio proceso legal, mientras la empresa pierde posiciones frente al empuje de Google y el ascenso imparable de Apple, la otra gran empresa triunfadora de la década.
El estudio de animación virtual: la gran novedad de la década.
"Home on the Range (Zafarrancho en el rancho)"
simbolizó el fin de un momento dorado para la animación tradicional.
Pero ¿por qué centrar el análisis del panorama de la animación en Internet y la tecnología?
Porque actualmente ésta lo es todo para la animación. Por suerte o por desgracia, no es posible entender la animación actual sin la avalancha de novedades tecnológicas iniciada en la década de los 90. Actualmente, la industria del videojuego ha desbancado a otras formas de ocio, generando más beneficios por sí sola que el resto de las formas de entretenimiento juntas. Por otra parte, todas las producciones comerciales actuales de animación (y con todas, queremos decir el 100%) conllevan obligatoriamente una fase en la que el trabajo pasa por el ordenador. El estudio de animación paperless, es decir, que ya no necesita del papel como herramienta de trabajo, ya es una realidad a día de hoy, algo que en 1990 podía sonar a ciencia-ficción, pero que ya se planteaba como una realidad factible en 1999.
En sólo quince años se ha producido la mayor transformación en los modos de producción y distribución que jamás hayan existido anteriormente en esta forma artística.
Si a comienzos de la década asistíamos a un renacimiento espectacular de la animación clásica, en sólo unos años se produce un espectacular declive de las técnicas clásicas frente a la imparable moda del 3D, lo que lleva al cierre, ya a principios de la década actual, de todos los departamentos de animación tradicional para largometraje: Disney cierra las puertas de sus departamentos de animación, desaparece Fox Animation Studios yDreamworks apuesta exclusivamente por el cine 3D.
Tras más de sesenta años de monopolio absoluto en el cine occidental, la animación clásica (en 2D) llega a encontrarse casi al borde de la extinción en un período muy rápido de tiempo, al menos en Occidente.
En este proceso, muchas cosas parecen haber desaparecido o transformado de una forma en algunos casos excesivamente brutal: la reconversión en el sector ha sido forzada y en muchos casos, despiadada con algunos profesionales, que se han visto repentinamente fuera del mercado tras varias décadas de experiencia acumulada, provocando una ruptura en la trasmisión de conocimientos a las generaciones actuales de animadores, muy difícil de sustituir.
El fin de la hegemonía de la animación 2D también ha tenido una contrapartida positiva. El panorama actual es mucho más abierto a otro tipo de técnicas y el público se encuentra más receptivo a otras formas de animación como el stop-motion, el flash o la rotoscopia, acontecimiento aprovechado de forma notable por el cine comercial, con los trabajos de Henry Selick, Richard Linklater o los de los estudios Aardman.
En el caso de creadores independientes, como Nina Paley o David O'Reilly, por primera vez en la historia del cine estos es posible prescindir de intermediarios y mostrar sus trabajos a escala planetaria gracias al desarrollo de las tecnologías de video en streaming y la difusión de sus trabajos a través de Internet.
Lo más importante de todo es que la producción de animación actual ya no depende de un lugar físico central. El animador sólo necesita en muchos casos tan sólo de una conexión a Internet para poder trabajar.
Epílogo: el futuro de la animación en España.
"Donkey Xote" fue una de las películas de animación española
que más expectación crearon en la mitad de la década.
En las próximas semanas iremos repasando año por año toda la década, centrándonos más en la animación producida en España, a la que no hemos dedicado ni una línea en este apartado.
La animación española también ha vivido su período de mayor crecimiento durante estas dos décadas: jamás se habían producido tantas horas de animación en nuestro país ni las empresas habían prestado tanta atención a la animación como durante estos años y la situación parece ir en aumento.
Sin embargo y para ser honestos, a pesar de los intentos de Filmax por crear un departamento estable de animación a la manera de los estudios norteamericanos, de la existencia de un icono global como "Pocoyo" y de la excelente reputación que los profesionales españoles tienen por el resto de Europa y Estados Unidos, la importancia real que la animación española ha tenido estos años a nivel internacional ha sido realmente insignificante. Los largometrajes de animación han seguido siendo invisibles en la mayoría de los casos para el gran público y muy pocos se han exportado fuera de nuestras fronteras. Habrá que ver si tras el estreno de "Planet 51" tendremos algo más interesante que decir y sobre todo, gente interesada en oírlo.
Con la ocasión de la 22ª edición del Festival de Cine de Dresde, el festival pone en marcha un Foro Internacional de intercambio de jóvenes talentos europeos muy interesante. Este año el país invitado es Serbia y el festival ofrece la posibilidad a algún joven animador español a viajar primero al festival en Alemania como invitado y más tarde a Belgrado, con todos los gastos de viaje, alojamiento, acreditación al festival y una comida por día pagados. Lo único que tenéis que hacer es enviar vuestro currículum, una relación de trabajos realizados por mail y en inglés a Lars Meyer (forum@filmfest-dresden.de) antes del 22 de enero de 2010. El idioma de trabajo es el inglés y si sois aceptados, tendréis la oportunidad de asistir a conferencias y charlas con productores europeos que quizás puedan ayudaros a darle salida a ese proyecto que hace tanto tiempo que queréis realizar, o conocer algún talentoso animador con el que os gustaría colaborar. La propuesta también está abierta a productores españoles que deseen establecer relaciones comerciales con los países del este. Por desgracia, sólo está abierto a profesionales que vivan en España. Para más información, podéis contactar con el mail indicado anteriormente.
Por otro lado, también se ha abierto ya el plazo para enviar cortometrajes al festival.
Gracias a Dani de Protoones nos hemos enterado de la existencia de Puck Cinema Caravana, la última propuesta de Toni Tomàs y el cineasta Carles Porta, una idea absolutamente brillante y a contracorriente de nuestra era, donde lo habitual es acercarnos a las imágenes a golpe de clic. Para la iniciativa han habilitado una caravana como cine ambulante, según ellos mismos, el más pequeño del mundo (sólo siete personas por proyección) donde poder mostrar una selección de cine de animación poco conocido por el gran público y casi delante de su casa.
La caravana inició su recorrido el pasado 25 de Octubre en el espacio natural de Guilleries-Savassona (Vilanova de Sau, provincia de Barcelona) y desde hoy, 8 de octubre, se encuentra en Manresa, aunque su objetivo es poder continuar su recorrido por otros puntos de la geografía española.
Una propuesta muy honrosa que merece toda nuestras felicitaciones y mejores deseos.
La quinta edición de Animacor, el festival de animación más importante de Andalucía y uno de los que más han crecido en nuestro país en menos tiempo, ha galardonado el largometraje de Gàbor Csupo "Immigrants - L.A. Dolce Vita" como mejor largometraje de animación.
Los tres cortometrajes galardonados han recaído sobre tres trabajos franceses, que constatan la buena salud de la animación del país vecino:
Primer premio para "Mei Ling" de Sthéphanie Lansaque.
Segundo premio para François Leroy; "Madagascar, carnet de voyage" de Bastien Dubois.
Tercer premio para "Ex - E.T" de Benoît Bargeton, Rémy Froment, Nicolas Gracia y Yannick Lasfasde.
De igual manera, la mejor serie de televisión ha recaído a "Au pays du Pere Noël" de David Alaux y Eric Tosti, así como elPremio Especial del Jurado Infantil a la Mejor Serie de Televisión a la francesa "Poémes du Monde: Paraboles de Aurélien Maury".
La mención especial ha sido para el cortometraje "Laska" del polaco Michal Socha.
El Premio RTVA a la Creación Audiovisual Andaluza ha recaído en el cortometraje "Alma" del granadino Rodrigo Blaas, que actualmente se encuentra trabajando para Pixar.
El Jurado Internacional de Animacor’09 estaba compuesto por Juan Padrón, Arthur Qwak, Ricardo Ramón González y Jez Hall.
Quizás lo más relevante de esta quinta edición ha sido la apuesta decisiva del festival por el terreno del videojuego, con la creación de la primera Feria de la Innovación, Videojuegos y Entretenimiento Digital, FIVED’09, hasta tal punto que la propuesta de convertir el FIVED en el referente nacional de la industria del videojuego a nivel nacional puede acabar eclipsando al Animacor en sí.
Los cortometrajes en español que han participado son la tercera parte de "Bendito Machine" de Jossie Malis, "El jardín de las delicias" de Juan Ibáñez Mantero, "Chokopulpitos (Marketing y cefalópodos)" de Pablo Llorens, "Virus" de Eñaut Uribesalgo, "No corras tanto" de César Díaz, "Mi vida en tus manos" de Nuno Beato, "La leyenda del ladrón del árbol de los colgados" de Sami Natsheh, "Margarita" de Alejandro Cervantes, "O coidador de gatos" de Fernando Cortizo, "Tachaaan!" de Rafael Cano, Carlos Olmo y Miguel Ángel Bellot, "La cama" de Walter Tournier, "French Roast" de Fabrice O. Joubert, "The lady and the reaper" de Javier Recio Gracia (España), mientras que en el apartado de largometraje sólo competía "Animal Channel" de Maite Ruiz de Astri, y en series de televisión, "Los cuentos de Gloria Fuertes" de Manuel Sirgo González, "DR. W" de Muyi Neira, "Sandra, the fairytale detective" de Myriam Ballesteros.
En un interesantísimo artículo de la revista National Geographic sobre un experimento realizado en un laboratorio de neuroetología de primates en la Universidad de Princeton, en el que cinco macacos contemplan tres monitores de televisión.
En cada uno de los monitores, el equipo dirigido por el investigador Asif Ghazanfar había colocado una secuencia en movimiento de la cabeza de un macaco vivo, otra secuencia con una cabeza no realista, y una tercera con una cabeza animada y con un grado de detalle más realista. Los resultados del experimento han demostrado que los monos tendían a mirar durante más tiempo la cabeza real y la no realista, evitando mirar la cabeza realista animada.
Aunque el estudio no es concluyente, parece demostrar que la teoría de la robótica del "valle inquietante" (traducción literal de "uncanny valley") vendría heredada de nuestros ancestros primates y por tanto, tendría una base más genética que cultural o heredada. Esta teoría, ampliamente criticada pero muy interesante, fue desarrollada en los 70 por el robotista Masahiro Mori, y afirma que la respuesta emocional de un humano hacia un robot va creciendo de forma empática conforme el robot está hecho en apariencia y comportamiento similar al humano, hasta que de repente, en un cierto punto, la respuesta emocional del humano hacia el robot se vuelve fuertemente repulsiva, para luego crecer de nuevo a niveles positivos. Es decir, que para un ser humano un muñeco antropormofizado es visto con simpatía, mientras que un robot "casi humano" es visto de forma general como extraño y se rechaza.
Esto explicaría porque sentimos simpatía afección hacia personajes estilizados (que incluirían personajes dibujados, plastilina, y 3D estilizado) y porque nos sentimos incómodos frente a personajes altamente realistas (muñecos y personajes creados mediante mo-cap, como los de "The Polar Express", "Beowulf" o "Final Fantasy").
Sólo un robot cuyo comportamiento fuese indistinguible del humano podría alcanzar una empatía similar. Algunas posibles explicaciones de esta teoría habrían tratado de buscar razones culturales (por ejemplo, se trataría de un tabú profundamente asentado en nuestra sociedad, como el incesto) mientras que otras tratarían de hacerlo por el aspecto biológico (un ser casi humano, un autómata, nos recuerda a un cadáver y por tanto, a nuestra propia mortalidad, y eso nos produce rechazo).
Lo más interesante de todo este experimento para la comunidad de animadores es resaltar como una animación excesivamente realista nos provoca un rechazo mayor que una altamente estilizada, y que será necesario comprender e incorporar aquellos detalles que hacen que una animación incorpore aquello que hace una animación más creíble y humana y no necesariamente más realista, algo que los animadores de Disney llamaban crear "ilusión de vida".
Virginia Curiá y Tomás Conde estudian en la Escuela de Imagen y Sonido de A Coruña, para después formar "Algarabía Animación" en 1993. Desde entonces han creado más de diez cortometrajes de animación en plastilina, un sin fin de piezas publicitarias y continuidad televisiva así como la producción del largometraje "Pica Pica Circus", convirtiéndose en una de las empresas más reconocidas y longevas y con una producción más regular dentro de la animación en stop-motion en nuestro país.
1. En 1993 iniciáis una de las empresas más longevas del stop-motion español, Algarabía Animación, con la que habéis realizado casi una quincena de cortometrajes, además de una gran cantidad de piezas para otras empresas. ¿Cómo comienza esta aventura y qué significaba la animación para vosotros antes de llegar a Algarabía?
Tuvimos la suerte de estudiar en la Escuela de Imagen y Sonido de A Coruña, allí nos conocimos y allí fue donde realizamos nuestra primera animación con plastilina. Fue nuestro proyecto final de estudios. Durante el curso habíamos visto una pieza de Aardman y a Virginia se le ocurrió que sería bonito ver un cuadro flamenco en plastilina. Todo se basó en descubrir los problemas y buscarles las posibles soluciones. El resultado “Alegrías de Puerta Tierra” fue muy satisfactorio y encontramos que en este tipo de animación podíamos crear historias de una forma muy controlable y a nuestro alcance. Con el paso del tiempo vemos que éramos unos inconscientes, afortunadamente la ignorancia nos dio pie a adentrarnos en esta maravillosa profesión.
2. Desde "Alegrías de puerta tierra" hasta ahora, ¿qué es lo más importante que habéis aprendido en este oficio y cuál es la mayor dificultad que os habéis encontrado?
Seguramente lo más importante que hemos aprendido es que esta profesión es un trayecto de largo recorrido en la que vales lo que vale el último fotograma que has rodado. No hay proyecto pequeño, siempre está tu nombre detrás de cada foto. De todas formas a veces se acierta y otras se falla, lo importante es continuar rodando.
Las dificultades son muchas, mejorar los medios técnicos, mejorar la narración, mejorar la realización, la animación, la sincronía, las expresiones faciales, producir más rápido, bajar los costes sin mermar la calidad, tener proyectos en cartera, estar presentes en el mercado, ser más graciosos, mejorar, mejorar, mejorar…
Desde que empezamos siempre hemos intentado que cada proyecto nos enseñe cosas nuevas, hemos ido incluyendo pequeños retos para saber si somos capaces de resolverlos. Después de "Alegrías de Puerta Tierra" hicimos dos cortos con el objetivo de estudiar stop-motion y desarrollar la narratividad. Poco a poco han ido surgiendo proyectos publicitarios, cortinillas, nuevos cortos, nuevos personajes, la serie “¿Y por qué?” en todos ellos hemos profundizado en un montón de temas. Es una lenta maduración.
3. El cortometraje tiene una relación conflictiva con la industria del cine española: a menudo despreciado, tiene cada vez una mayor aceptación popular gracias a Internet y su especial formato. ¿Qué diferencias, virtudes y carencias presenta para vosotros el cortometraje de animación frente al resto de formatos y metrajes?
La queja principal es la falta de un espacio de distribución y exhibición, los cortometrajes de animación requieren un esfuerzo enorme desde muchos aspectos: financiación, producción, rodaje… Sería muy interesante hacer un corto y que con la distribución se pudiera recuperar la inversión… Ja, ja, ja. Afortunadamente nosotros trabajamos en Galicia y en esta comunidad existen ayudas a la producción de cortometrajes. Actualmente nuestros equipos de trabajo son absolutamente profesionales, o sea, que todo el mundo cobra lo que tiene que cobrar, desde el más sencillo modelado hasta el que enchufa las luces. Para poder rodar así hay que conseguir una estructura financiera que se complica de forma directamente proporcional al tiempo de rodaje. Cada vez es más difícil. Muchos nos dicen que hagamos un largo de plastilina porque es un formato más fácil de comercializar, pero cuando nos ponemos a calcular tiempos, presupuestos y plan financiero para hacerlo, la verdad es que nos da vértigo.
Visualmente la plastilina con el stop motion generan una imagen con una calidez que, de momento, los ordenadores no nos permiten tener. Como decía Tim Burton nada es comparable a la energía que el animador de stop motion transmite al personaje en cada movimiento, esta fuerza no hay máquina que la imite. Además podemos, con unos costes muy controlables, contar cualquier tipo de historia, desde una película espacial a una submarina, infantiles, para adultos, humor, cine negro,… Tenemos total libertad, como creadores no podemos pedir más.
4. Tenéis fama de encabalgar un proyecto detrás de otro, de tal forma que la percepción es de que sois muy prolíficos. ¿Realmente hay tanto trabajo o es que sois unos afortunados?
Realmente nos sentimos muy afortunados por esta circunstancia, aunque no siempre fue así. Al principio teníamos que alternar nuestros proyectos con otros trabajos publicitarios en los que participábamos como realizadores, ayudantes de dirección, cámara, producción,…
Siempre hemos intentado terminar los proyectos con uno nuevo en cartera. Por norma general nosotros creamos la demanda, generamos el proyecto y lo presentamos a las diferentes entidades que les pueda interesar, además, siempre que es posible, lo diseñamos de manera que sea multidisciplinar en sus aplicaciones, es decir, que beneficie a distintos usuarios. Por ejemplo: Cuando ideamos la serie “A Lingua Animada” desarrollamos cortometrajes inspirados en la obra del autor al que se le rinde homenaje en el día de las Letras Gallegas. Cada pieza se emitió en la TVG en ese día, con lo que había un cortometraje para todos los públicos especialmente creado para la fecha, pero además construíamos el guión de manera que se pudiera utilizar el corto en las aulas a modo de introducción general al estudio de la vida y obra del autor homenajeado. Como resultado, este trabajo ha sido estudiado por especialistas en literatura gallega y por profesores de secundaria, quienes ha elaborando Unidades Didácticas para su aplicación directa en el aula, analizando todos los aspectos de cada corto: música, guión, diseño de los personajes, obra del autor, iluminación… Además se han incluido en la selección Cinema Dixital de la Xunta de Galicia para ser proyectados en los ayuntamientos gallegos.
5. ¿Qué es lo mejor y lo peor que está ocurriendo actualmente en el mundo de la animación?
En tiempos de crisis las quejas ya se sabe hacia dónde van, pero por concretar en un punto sería necesario que las cadenas de televisión se implicasen con el sector de la animación de una forma constante. En la cantera de las series está la formación profesional necesaria para emprender otros proyectos de más nivel y la continuidad de la carga de trabajo para que las productoras podamos contar con un equipo profesional estable que no se vaya al paro cada vez que terminas un proyecto.
Lo mejor es que con el desarrollo tecnológico se está facilitando el proceso de rodaje y postproducción radicalmente. Nosotros empezamos rodando en cine, tardábamos quince días de rodaje en enviar una lata de la que nos hacían un telecine a una luz, si había algún fallo teníamos que recuperar decorado, iluminación, personajes… hoy en día con las cámaras digitales, hacemos la postproducción mientras se rueda el plano.
6. En "O Soldadiño do Chumbo" habéis trabajado a partir de una partitura de Emilio Aragón para llegar al producto final y en otras entrevistas habéis comentado el fuerte interés que os despiertan medios como la radio o la música. ¿Cómo es la relación el sonido y la imagen en el stop-motion?
Cuando Chelo Loureiro nos propuso rodar “O Soldadiño de Chumbo” nosotros ya conocíamos la composición de Emilio Aragón y nos planteamos escribir un guión para esa música. La idea fue crear un texto de manera que pareciera que la música había sido compuesta para la imagen, aunque en realidad en este caso era la imagen quien se creaba para la partitura. Para conseguir este objetivo, buscamos ideas visuales de cada momento de la composición y las estructuramos para que todo fluyera en una única narración.
El sonido en el cine es para nosotros la mitad de la película, tanto la música, como las voces, como los efectos la van completando de manera que cada vez que incorporas un nuevo elemento sonoro hace que la película coja cuerpo y crezca. Los personajes cobran vida de forma autónoma, el montaje se suaviza en cada cambio de plano, los objetos pesan lo que deben pesar… Cuando está terminada la fase de sonorización, la película ya se defiende por si sola. Se libera de nuestras riendas y pertenece enteramente a cada espectador. Es muy emocionante.
Si además tienes la suerte, como fue en este caso, de contar con una excelente composición musical, el placer es máximo.
Habitualmente nosotros incorporamos al compositor en la fase de preprodución porque nos aporta ideas y conceptos propios del lenguaje musical que a nosotros se nos escaparían.
7. Uno de los aspectos más sugerentes del stop-motion es su manera de crear ambientes sumamente envolventes, donde la relación entre la historia y los espacios a menudo aporta más contenido narrativo que en el propio cine de imagen real, y que ahora, después de películas como "Coraline" puede parecer evidente pero que no se ha explotado tanto como el medio parece indicar. ¿Cómo entendéis el espacio físico y arquitectónico en vuestras historias?
No es solamente el espacio arquitectónico, en una película todos los elementos que entran en juego forman parte de una idea global con el afán de transmitir. El espacio, la puesta en escena, el atrezzo, el vestuario, la iluminación, la climatología, los colores, las escalas, la duración de los planos, el silencio, las sombras, los movimientos de los personajes, el acabado del modelado, el ángulo de la cámara, la focal, sus movimientos, la profundidad de campo, los efectos de sonido, la música, la cuerda de una voz, su entonación… Intentamos que cada elemento aporte connotaciones a la historia. Afortunadamente en animación dominamos todo lo que ocurre un cada fotograma, es una capacidad de control máxima.
Ya centrándonos en la arquitectura y el espacio físico, la utilizamos según nos interesa para la historia, algunas veces es una forma de definir la psicología del personaje, o su estado anímico, otras es una forma de explicar su situación social, época. En ocasiones la hemos utilizado para hacer homenajes a otras obras que nos gustan, en esos casos es como un juego del escondite y quien lo descubre se lleva el premio.
Evidentemente esta es una situación excepcional, cuando el presupuesto es muy ajustado (lo más normal) los decorados se ciñen a la capacidad de producción, se reduce el número de personajes, un único vestuario, se cierra la focal de la cámara… todo para que la producción funcione dentro del coste presupuestado. No se puede hacer "Coraline" sin un presupuesto que defienda ese producto final.
8. Galicia es una de las regiones más intensamente vivas del panorama de la animación española, y lo cierto es que gran parte de los proyectos originados allá, tienen una relación con la cultura y la tradición gallega. ¿Podría hablarse de una escuela o tendencia gallega de la animación? ¿Sentís que la animación gallega tiene una personalidad distinta a la del resto de la península?
Nosotros no lo vivimos así, de hecho, en Galicia contamos con productoras de animación como Bren Entertaiment que están haciendo películas del tipo “Pérez, el ratoncito de tus sueños” que es un producto muy poco “gallego” en lo que a culturalmente se refiere. De todas formas, cuando tienes la oportunidad de contar una historia, siempre van saliendo las propias vivencias. En ese sentido, seguramente se notará la personalidad de cada equipo.
[Tomás:] Virginia nació y vivió en Cádiz hasta los 26 años, y me atrevería a decir, que es una de las personas que más literatura gallega ha llevado a la gran pantalla.
Más que una escuela gallega de animación, seguramente lo que existe es un grupo de productores que creen firmemente en la viabilidad de los proyectos de animación. El concepto escuela entendido como una tendencia creativa, en este tiempo en el que desde casa tenemos una ventana para observar todo lo que hay en el planeta, se pierde al intentar ubicarlo en una zona delimitada. Tal vez podríamos buscar una temática común cuando se trata de trabajos promocionados por la Xunta de Galicia, pero ni en este caso se establece un factor que unifique tendencia. La producción gallega es muy diversa, afortunadamente.
9. Aunque vuestra obra tiene un aspecto muy artesanal, es indudable que la revolución digital ha llegado para todos y que más o menos todos los animadores hacen uso de ellas, algunos en mayor y otros en menor medida. ¿Qué peso tienen para vosotros las nuevas tecnologías y hasta qué punto hacéis uso de ellas?
Como antes decíamos, la tecnología digital nos ha facilitado el proceso de producción de forma radical. Desde el ordenador de plató se envían las imágenes de prueba a postproducción y ya vamos comprobando todos los efectos antes incluso de rodar el plano. Eso en cine era inviable.
Por otra parte los costes con relación al proceso de imagen se han rebajado a más de la mitad, y la inversión en equipos es cada vez menos costosa y más eficaz. Nos faltaría que bajasen los precios de las grúas para stop motion, pero todo llegará.
A modo de ejemplo, hace 9 años compramos una cámara Mitchell de 35mm por más de 18.000 € y nunca llegó a funcionar bien. Hoy en día rodamos en nuestro estudio con una cámara que nos da calidad final de 4K y que nos costó menos de 600. Cosas de la vida.
10. Después de quince años en el oficio y tras una década de ver como la animación en plastilina va ganando en visibilidad comercial, ¿qué otros autores admiráis y os siguen influyendo en vuestro trabajo?
Desde que empezamos a trabajar, Aardman es una referencia permanente así como Hayao Miyazaki, ¿cómo no? Para nosotros son los verdaderos maestros tanto en la animación como en la forma de contar las historias. Y es un placer poder ver las producciones de animación de Tim Burton, aprendemos de todas ellas así como de la última película de Henry Selick “Los mundos de Coraline”, es una maravilla.
Lo que a nosotros nos gusta es el CINE en mayúsculas, todo lo que vemos intentamos disfrutarlo en primer lugar y después analizarlo para ver si podemos entresacar ideas que se puedan utilizar en nuestros proyectos. La suerte que tenemos es que mucho de ese Cine en mayúsculas es cine de animación que compite con el cine convencional, ahí tenemos ejemplos como “El viaje de Chihiro” o “Up”.
11. ¿Qué consejo le darías a cualquier persona que quisiera trabajar como animador en stop-motion?
En primer lugar que no se rinda, este trabajo se aprende poco a poco, fotograma a fotograma. En segundo lugar que se fije mucho en cómo solucionan los demás sus problemas a la hora de animar, que no se corte en analizar foto a foto una película, se aprende mucho haciendo esto. En tercer lugar que practique todo lo que pueda, hoy en día no es necesaria una gran infraestructura para montar una unidad de rodaje. También le diría que dimensione bien sus capacidades y que no intente empezar haciendo “La novia cadáver”, una pieza corta bien trabajada es más resultona que una demasiado larga y tosca. Por último, y no menos importante, que se relacione con otros animadores de stop motion.
Sobre O Soldadito de Chumbo:
“O Soldadito de Chumbo” es un cortometraje Stop Motion en el que participan personajes de plastilina, madera, tela y pastas rígidas. Algunos de los personajes tienen una estructura artesanal y otros simplemente de plastilina. Fue rodado con una cámara Olympus C8080, aunque ahora Algarabía Animación trabaja con una Canon 450D.
El rodaje duró seis meses de trabajo con una única unidad, animándose a 25 movimientos por segundo, aunque la duración completa, desde la concepción del proyecto hasta su estreno llevó un año completo.
La idea para el proyecto surgió de la composición para orquesta sinfónica que Emilio Aragón compuso hace unos años inspirada en un cuento original de Andersen.
Con estos materiales como referencia Chelo Loureiro, productora ejecutiva de Continental, planteó al equipo de dirección la posibilidad de realizar un cortometraje de animación con plastilina. Centrándose en la base musical y en el cuento original de Andersen Tomás y Virginia elaboraron un guión buscando la incorporación de elementos propios de la cultura e imaginería gallega, como si el cuento hubiese sido escrito el cuento en Galicia y tratando de actualizar tanto la narrativa como la definición de los personajes que interpretan la historia. Una vez elaborado el texto Alfonso Costa diseñó los personajes bajo su mirada personal.
En total en el corto han participado un número cercano a cien personas entre las que destacan todo el equipo de Continental, los estudios Cinemar e Image Film, la Orquesta Sinfónica de Tenerife, el equipo de doblaje y el ayuntamiento de Allariz.
Filmografía de "Algarabía Animación" 1994 - Alegría de Puerta Tierra 1997 - Cuaderno de Bitácora 1998 - Noite Meiga 1999 - Adiviña, adiviña 2000 - Ignotus 2000-2003 - A lingua animada 2001 - Meigallos, sombras e papas de arroz 2002 - A escola das areas 2002 - Good night mon ami 2003 - A Xaguarana 2003 - Alistán, o demo oveiro 2003 - Spot publicitario para MMT Seguros 2004 - Pica Pica Circus (dirección del desarrollo del largometraje de animación, producido por Lúa Films) 2005 - Spot Publicitario "Coopi" (realizado para la Dirección General de Cooperativismo de la Xunta de Galicia.) 2005 / 2007 - ¿Y por quééé? (Serie de televisión) 2005 - Las noticias del guiñol (Cabecera de televisión para Canal + y Cuatro) 2007 - Spot publicitario para Unicef 2008 / 2009 - ¿Y por quééé? II (serie de televisión) 2008 - Pasea 2008 - O soldadiño de chumbo
